Musikjunkie 4 Life

Besprochen: PERFUME GENIUS - "PUT YOUR BACK N 2 IT"

2012-02-19T20:38:00.000+01:00

Aus düsterer Schönheit und trauriger Hoffnung, schmiedet uns Perfume Genius ein Meisterwerk, welches zeigt, dass auch die Dunkelheit die süßesten Früchte tragen kann.

Schon mit seinem vor 2 Jahren erschienen Debüt "Learning" konnte Mike Hadreas alias Perfume Genius, für ein wenig Aufmerksamkeit sorgen - und vor allem für ein wundervolles und fragiles Werk, dass bis heute bei jedem nachhallt, der ihm einmal verfallen ist. Das all das so voller Ernst und Trauer intoniert ist, hat auch seine Gründe. Der heute 27jährige hatte keine immer sehr glückliche Vergangenheit. Lange Jahre lebte er als Junkie und landete letztendlich in der New Yorker Gay-Community. Doch nach einem erfolgreichen Entzug, war längst nicht all das bewältigt, was er in seiner Erinnerung trug. So verarbeitet er seine Erfahrungen, sein Leben, seine Ängste und seinen Schmerz in seiner Kunst. Nun erscheint dieser Tage sein zweites Album "Put Your Back N 2 It". Und das was die Magie seines Vorgängers ausmachte, ist auch auf seinem neuen Werk allgegenwärtig - und tatsächlich noch hervorragender auf den Punkt gebracht. Denn noch immmer (und zum Glück!) bleibt das Piano Mike Hadreas' Lieblingsinstrument, begleitet von softer Elektronik und vor allem seinem zerbrechlichen und entrückten Gesang, der geradewegs unter die Haut geht. So erschuf er hier ein beklemmend lyrisches Werk um Missbrauch, Sex und Tod. All das was den Künstler in seinem früheren Leben begleitete.
"Awol Marine" gibt sich als getragene und tieftraurige Ode, zu der er sich durch einen ungeschnittenen Amateur-Schwulenporno inspirieren ließ. "17" (♪♫♪) schwebt als zu Herzen gehende Ballade auf elegischen Pianoakkorden, auf das kein Auge trocken und kein Herz unberührt bleibt. "Dirge" erweist sich als gravitätische, psychedelisch hallende Ballade, der eine beklemmende Magie innewohnt. "All Waters" (♪♫♪) erhebt sich zu einem majestätischen und zugleich höchst zerbrechlichen Höhepunkt, während sich "Hood" (♪♫♪) behutsam aber sicher zu einer schwerelosen, und dennoch kraftvollen Pop-Kathedrale aufschwingt. "Dark Parts" (♪♫♪) verführt als hoffnungsvolle und träumerische Perle, die aber alsbald in melancholische Tiefen abtaucht, und einem am Ende doch noch eine Träne entlockt. Der Titelsong "Put Your Back N 2 It" erklärt sich als zerbrechliche und schwermütige Ballade die zu Herzen geht, und "Floating Spit" prägt sich als zärtlich getragene, und von soften Beats unterlegte Pop-Großtat ein. Der einzige mögliche Kritikpunkt wäre, dass der ganze "Spaß" schon nach einer halben Stunde vorbei ist. Doch auch hiermit hat er am Ende eine gute Entscheidung getroffen. Denn er hat ein Album geschaffen, dass die volle Aufmerksamkeit des Hörers fordert - ihn aber nicht überfordert. Und wenn eine Platte einen auf so intimer und emotionaler Ebene ergreift, und ohne große Anstrengungen so vollkommen einnimmt, dann schreit es förmlich nach der Höchstwertung. Denn: Was nützt aller Pomp und Pathos, wenn die Musik micht die Seele berührt? Und die Musik auf "Put Your Back N 2 It" tut dies. Ein Werk von dunkler und erhabener Schönheit.
Doch am Ende vergesse man am besten all diese Worte, höre sich einfach nur dieses Album an....und verliebe sich.

Besprochen: SOAP & SKIN - "NARROW"

2012-02-10T14:23:00.003+01:00

Schwere Kost, große Kunst: Anja Plaschg alias Soap & Skin, lässt uns mit ihrem 2. Album keine ruhige Sekunde. Und das ist auch gut so.

Es war doch eine nicht zu verachtende Aufregung um das Debüt "Lovetune for Vacuum" der Anja Plaschg im Frühjahr 2009. Unter dem Namen Soap & Skin und mit diesem herausragend neoklassischen und elektronisch unterstrichenen Album, heimste die einst gerade 19 Jahre junge Österreicherin auch im Ausland reichlich Lorbeeren ein. Und das vollkommen zurecht. 3 Jahre sind nun ins Land gezogen, die die mittlerweile 21jährige dafür nutzte, an ihrem Zweitwerk "Narrow" zu arbeiten, dass dieser Tage in den Läden steht. Manch böse Zunge mag nun meckern, dass die Tracklist "nur" 8 Songs zählt. Doch auch Radiohead haben im vergangenen Jahr deutlich gezeigt, dass solch ein Zug auch heute noch durchaus funktionieren kann - war es in den 60ern und 70ern doch alles andere als eine Seltenheit. Denn hier steht Qualität über Quantität. Und vor allem: bei dem was die Dame hier so alles ausheckt, benötigt sie nicht mehr als diese knapp 30 Minuten, um zu sagen was gesagt werden musste. Denn die Extreme ihres Schaffens stellt sie in manchen Momenten von "Narrow" noch unverblümter zur Schau, als dies auf ihrem Erstlingswerk der Fall war. Schon der Opener "Vater" zeigt dies deutlich: Mit diesem Song, in dem sie den Tod ihres Vaters verarbeitet, wagt sie sich nicht nur erstmalig an ihre deutsche Muttersprache heran. Denn was hier anfänglich als so melancholisch schöne Piano-Ballade beginnt, verfällt zusehends einer Art inneren Getriebenheit - nur um gegen Ende in schwindelerregendem und monolithischem Bombast auszubrechen, der keinen Stein auf dem anderen lässt. Als nächstes vergeht sie sich dann am käsigen 80er-Hit "Voyage, Voyage" von Desireless - und siehe da: wenn sich diese Dame daran macht, alle Schichten des schmierigen 80s-Sounds abzutragen, und sich all das was übrig geblieben ist vollständig einzuverleiben, und mit einer ordentlichen Portion Seele und emotionaler Tiefe neues Leben einzuhauchen, dann eröffnen sich einem auch hier vollkommen neue und tiefgreifende Eindrücke. "Deathmental" bläht sich zur düster martialischen Hymne auf, die sich listig von hinten heranschleicht, und im nächsten Moment Mauern einreißt. "Wonder" bekennt sich als gedankenverlorene, bezaubernde Ballade mit Klassiker-Qualitäten, die einem noch lange in Fell hängen bleiben wird. Und "Boats Turn Toward The Port" entführt in neblig melancholische Klanglandschaften, zu elektronischen Effekten, Klangfetzen und Anja Plaschg's klangenden Gesang, der weit über allem anderen thront. "Narrow" mag im ersten Moment ein wenig unbequem, und alles andere als konventionell sein. Wahrhaftig ist es keine leichte Kost, was einem hier dargeboten wird. Doch das macht "Narrow" eben auch so unverzichtbar. Ein avantgardistisches Pop-Meisterstück, dass seinem Vorgänger in nichts nachsteht. Einfach ganz große Kunst!

Besprochen: AIR - "LE VOYAGE DANS LA LUNE"

2012-02-08T18:02:00.000+01:00

Mit ihrer Vertonug des Stummfilm-Klassikers, reisen Air erneut zum Mond - und sind dabei so relevant wie seit langem nicht mehr.

Wenn man an das französische Ambient-Electro-Duo Air denkt, dann denkt man an "Moon Safari", dieses kleine (na klar:) Ambient-Electro-Meisterstück aus dem Jahr 1998, dass sich so hübsch watteweich und zart cremig in den Gehörgang schmeichelt. Doch was danach kam, war mehrheitlich dasselbe in grün. Stetig schienen sie dem Erfolg und der Klasse dieses Albums nachzueifern. Bis sie in der relativen Belanglosigkeit ihren Platz gefunden zu haben schienen. Als man dann jüngst hörte, dass sie den Stummfilm-Klassiker "Le Voyage dans la Lune" aus dem Jahr 1902 vertonen würden, wurde man hellhörig. Könnte da vielleicht mal wieder etwas wirklich interessantes kommen? Doch bei dem gleichnamigen neuen Album "Le Voyage Dans La Lune", handelt es sich aber keineswegs um einen reinen Soundtrack. Zwar haben Air den 14-minütigen Film mit ihrer Musik neu vertont - aber mit 11 Songs auf ca. 50 Minuten Spieldauer, gibt es hier noch viel mehr zu entdecken. Doch die gesamte Klangatmosphäre ist in sich enorm stimming und wie aus einem Guss - und dennoch nicht eintönig oder belanglos. Im Gegenteil - man will sogar beinah sagen, dass Air lange nicht mehr so relevant klangen wie hier. Vieles hier klingt - im Gegensatz zu ihren bisherigen Sachen - ziemlich organisch. Schon der Opener "Astronomic Club" (♪♫♪) kommt mit Pauken und Orchester-Schnipseln daher, die sich mit allerlei anderen Soundzutaten vermengen - und so einen recht beachtlichen Start hinlegt. Mit "Seven Stars" (♪♫♪) folgt dann eines der Highlights des neuen Albums - ein nahezu hittauglicher, getragen verchillter und zugleich ganz zauberhafter Song, den Victoria Legrand mit Vocals verziert. "Parade" kommt dann fast schon stimmungsvoll, und mit einer gelungenen Mischung aus Retro-Elektronik und catchy Gitarren-Hookline daher. "Moon Fever" (♪♫♪) gleitet schwerelos vorüber, während "Sonic Armada" (♪♫♪) mehr Groove ins Spiel bringt, und den Geist der 70er Jahre aufleben lässt. Und "Cosmic Trip" (♪♫♪) ist ein fast schon berauschend getragener Song, der genauso klingt wie er heißt. Der ganz große Wurf, der ihnen zu neuem altem Ruhm verhelfen wird, ist "Le Voyage dans la Lune" zwar nicht geworden, aber dennoch eine Entwicklung in die richtige Richtung. Und das wir so schnell nochmal ein wirklich gutes Album von Air zu Ohren bekommen würden, hätte man ja auch nicht wirklich erwartet. Hut ab und Daumen nach oben!

Sonderexemplare: PET SHOP BOYS - "VERY" (1993)

2012-02-07T20:01:00.003+01:00

Nach großartigen Leistungen in den 80ern, legten die Pet Shop Boys im Jahr 1993 ihr Meisterwerk vor. Und ein Stück Dance-Pop für die Ewigkeit.

In den 90ern waren die Pet Shop Boys alles andere als ein unbeschriebenes Blatt. Sie hatten bereits eine nahezu beispiellose Karriere hinter sich, und konnten sich als das erfolgreichste Duo im Pop der 80er behaupten - Dank einer Reihe hervorragender Alben, und massiven Hits wie "West & Girls", "It's a Sin" oder "Suburbia". Doch mit ihrem 5. Album - an einem Punkt, an dem manch andere Band in der Regel anfängt zu schwächeln - legten Neil Tannent und Chris Lowe ihr Meisterstück vor, dass es bis zum heutigen Tag auch bleiben sollte: "Very"! So kann man auch sagen, dass dieses Album einen klaren Bruch mit ihrem bisherigen Schaffen bedeutete. Bisher dem Synthpop, und zuletzt eher dem schlichten Pop zugeneigt, verschrieben sie sich auf "Very" der Dance-Musik der frühen 90er Jahre - aber auf derart hervorragende Weise, dass es auch heute noch eine wahre Freude ist. Schon die erste Single - die auch das Album eröffnet - sollte großes verheißen: "Can You Forgive Her" (♪♫♪), ein pompöser und gleichzeitig mystisch getragener Dance-Pop-Klassiker, der mit zum besten zählt, was man von den beiden Engländern bislang zu hören bekam. Eine Hymne, nicht weniger. Doch das soll noch lange nicht alles gewesen sein, denn die Songs auf "Very sind quasi von Hymnen eingerahmt - denn den Schlusspunkt des Albums bildet der grandiose Dance-Pop-Epos "Go West" (♪♫♪), ihre ureigene Interpretation des ursprünglichen Hits der Village People. Und was dazwischen alles geschieht, kann sich ebenfalls mehr als sehen lassen. So erlebt man hier ein schillerndes, buntes und wunderbares Dancepop-Feuerwerk. "A Different Point of View" (♪♫♪) zeigt sich als nachdenklicher und mitreißender, pulsierender Eurodance-Ohrwurm. "I Wouldn't Normaly Do This Kind of Thing" (♪♫♪) gibt sich als herrlich buntes Dancepop-Kaleidoskop, dass auf Anhieb für gute Laune sorgt. "Dreaming of the Queen" gleitet als melancholische und schwebende Synthpop-Ballade daher, die das britische Königshaus thematisiert. "Yesterday When I Was Mad" (♪♫♪) empfiehlt sich als einnehmender und spaciger Dance-Hit, "The Theatre" liefert eine harmonische bis dramatische Dance-Pop-Darbietung, und hinter "To Speak Is a Sin" (♪♫♪) verbirgt sich eine wunderbare und melancholische Ballade mit einer sehr hübschen Melodie. Und schlussendlich ist das ganze noch mehr als die Summe seiner Teile. Und man stelle sich nur einmal einen 13jährigen Jungen im Winter 1993 vor, der zum ersten Mal dieses Lego-artig genoppte, orange Jewel-Case in den Händen hielt, und diese zartschmelzende und einnehmende Dance-Platte hörte - man könnte sagen, dass mir spontan die Kinnlade herunter krachte. Eine kleine Pop-Offenbarung, die bis heute spürbar nachhallt - oder die zarteste Versuchung seit es die Pet Shop Boys gibt!

Besprochen: MADONNA - "GIVE ME ALL YOUR LUVIN'" (Single)

2012-02-04T21:03:00.000+01:00

Auf ihrer brandneuen Single klingt Madonna wieder wie sie selbst. Wenn das mal kein Grund zum feiern ist!

Wenn ein brandneuer Song der amtierenden Queen of Pop Madonna auf dem Weg ist, dann bleibt in unserem digitalen Zeitalter natürlich nichts lange geheim. Bereits im vergangenen November sickerte die komplette Demo ihrer neuen Single unter dem Titel "Give Me All Your Love" ins Internet durch. Nicht gerade zur Freude Madonna's und ihrer Produzenten, wie man sich sicherlich denken kann. Seit gestern, dem 3. Februar 2012, ist der fertige Song nun offiziell zu haben: "Give Me All Your Luvin'" (♪♫♪), wie der fertige Song nun heißt, unterscheidet sich zwar nicht essentiell von der bereits bekannten Demo, aber das kann man der Künstlerin nun wahrlich nicht auf's Brot schmieren, war selbige ja nicht für die Allgemeinheit gedacht. Und dieser Umstand macht den Song natürlich auch keinesfalls schlechter. Klanglich hörbar noch ein wenig ausgereifter und aufgehübschter, und natürlich um die Gastvocals von Nicki Minaj und M.I.A. ergänzt, macht der erste Vorbote ihres im März kommenden neuen Albums "MDNA" eine hervorragende Figur als enorm catchy Dance-Pop-Kracher, der näher an "Music" als an "Hard Candy" dran ist. Das Madonna hier gleich 2 Feature-Gäste mit an Bord hat, rief von Anfang an einige Skeptiker auf den Plan. Doch wie M.I.A. und Nicki Minaj hier so schön Cheerleader-like "L-U-V Madonna, Y-O-U- You Wanna" skandieren, und sich auch sonst fabelhaft in den Song einfügen, sollte selbst die Meckerer überzeugen. Denn Madonna spielt hier definitiv die Hauptrolle - und das ist auch gut so. Man könnte auch den NME zitieren: Madonna klingt endlich wieder wie Madonna - und das ist ein Grund zum feiern. Und warum dann nicht gleich zur neuen Single? Denn soviel Spaß wie hier, hatte man bei einem Song der Queen schon etwas länger nicht mehr. Wie locker aus der Hüfte geschossen, beglückt uns Madonna also nun mit einem Bubblegum-Pop-Hit, der sich mit jedem Durchlauf tiefer in den Gehörgang gräbt. Absolut deluxe!

Sonderexemplare: JANET JACKSON - "THE VELVET ROPE" (1997)

2012-01-29T11:04:00.002+01:00

Hier beginnt nun eine neue Kategorie auf meinem Blog. Der Titel: SONDEREXEMPLARE! Hier versammele ich Alben, die mir aus irgendeinem Grund besonders am Herzen liegen. Es können Alben sein, die ich persönlich für Meisterwerke halte, aber auch solche, die ich musikalisch streng genommen "nur" gut finde, die aber dennoch zu meinen persönlichen Evergreens zählen. Ich hoffe es gefällt euch. Und wenn nicht, dann einfach frei nach Peter Lustig: Abschalten! ;-)

Viel kann und darf man von Janet Jackson eigentlich nicht erwarten - doch ihr sechstes Studioalbum wurde im Jahr 1997 nicht weniger als ein Meisterwerk.

Ja, mit Janet Jackson ist das so eine Sache - zumindest aus heutiger Sicht. In der 1990er Jahren sah das allerdings noch ein wenig anders aus. Denn diese Dekade sollte ihre beste sein...und bleiben. Ab 1993 schaffte sie mit ihrem Album "Janet" und Hits wie "That's The Way Love Goes", "Again" oder "Whoops Now" ihren ultimativen Durchbruch, und errang hohe Chartpositionen auf dem gesamten Globus. Als dann 4 Jahre später der Nachfolger "The Velvet Rope" erschien, ahnte wohl dennoch kaum jemand, was da großes kommen würde. Und schon der erste Eindruck saß tief, als man im Spätsommer 1997 das druckfrische Album zum ersten Mal in den Händen hielt. Oder viel mehr als man das Cover erblickte: Es zeigt eine herab blickende Janet, deren Gesicht sich unter ihrer wilden Lockenmähne verbirgt. Zudem sind weder Künstlername noch Albumtitel auf dem Cover vermerkt. Für eine Mainstream-Künstlerin in den 90er Jahren eine absolute Seltenheit - und beinah unkommerziell. Und selbiges könnte man auch fast über das sagen, was sie musikalisch hier ausgeheckt hat. Das es zwar durchaus für den Mainstream tauglich ist, lässt sich mit Sicherheit nicht bestreiten - was ja auch der Erfolg des Albums beweist, das immerhin mehr als 10 Millionen Exemplare absetzen konnte. Doch die Intention dahinter wirkt alles andere als an die Charts orientiert. Denn auf "The Velvet Rope" ergießt sich dem Hörer ein wahrer musikalischer Rausch, der mit den verschiedensten musikalischen Ausrichtungen experimentiert. So liefert sie schon zu Beginn mit dem Titelsong "Velvet Rope" (♪♫♪) ein phänomenales und schwebendes Pop-Epos, dass von einem grandios ungeraden Violinen-Solo von Vanessa-Mae gekrönt wird. "You" (♪♫♪) kommt dann als offensiver Soul-Pop-Kracher um die Ecke, auf dem sie sich sehr erfolgreich in die stilistische Richtung ihres Bruders bewegt. Die erste Single "Got Til It's Gone" (♪♫♪) begeistert als erotisch schwüler und relaxt beatiger Soulpop mit HipHop-Appeal, der auf Joni Mitchell's Klassiker "Big Yellow Taxi" basiert. "Go Deep" (♪♫♪) präsentiert sich als groovige und relaxte Perle, die aber dennoch auf den Dancefloor schielt. "Free Xone" (♪♫♪) offenbart sich gar als geniales und experimentelles Soul-Jazz-Pop-Meisterstück, mit einer gewissen nähe zum TripHop, in dem sie die Freiheit der Liebe feiert. Der Monster-Hit und Klassiker "Together Again" (♪♫♪), den sie an einen verstorbenen Freund richtet, bringt optimistischen und tanzbaren Dance-Pop, mit einer herrlich einnehmenden Kinderlied-Melodie auf einen Nenner. "What About" (♪♫♪) wirkt in den Versen wie eine sanfte und melancholische Ballade, nur um im Refrain zu einer rockigen (und ihrem Bruder Michael nicht unähnlichen) Hymne auszubrechen. "Every Time" (♪♫♪) mag zwar etwas sehr an ihre Hit-Ballade "Again" erinnern, bleibt aber dennoch eine kleine Kostbarkeit, die zu Herzen geht. '"Rope Burn" (♪♫♪) schmiegt sich als hocherotische Soulpop-Perle direkt in die Synapsen, während sie das Album durch "Special" (♪♫♪) mit einer romantischen Popperle inkl. Kinderchor, sowie dem direkt dahinter platzierten Uptempo-Hidden-Track "Can't Be Stopped" (♪♫♪) ausklingen lässt. Für heutige Verhältnisse mag das alles sicherlich ein bisschen weniger spannend klingen, als es seinerzeit in den 90ern der Fall war. Doch auch fast 15 Jahre später klingt das Album immer noch so zeitlos, vielseitig und dennoch wie aus einem Guss, wie es schon einst der Fall war. Mit "The Velvet Rope" gelang es Janet Jackson zum ersten und wohl auch letzten Mal, ihrem Bruder Michael nahezu auf Augenhöhe zu begegnen.

Besprochen: LANA DEL REY - "BORN TO DIE"

2012-01-27T13:42:00.003+01:00

Gut gezielt, aber doch nicht ganz ins Schwarze getroffen: Das Debüt der Lana Del Rey erweist sich als solide Angelegenheit, die jedoch den hohen Erwartungen nicht gänzlich gerecht werden kann.

Es gibt ihn immer mal wieder, den großen, alles verschlingenden Hype, der aber auch an dem letzten nicht vorüber zu gehen scheint. Und der einen dennoch nicht so schnell wieder ermüdet, wie man es gemeinhin eigentlich gewöhnt ist. Der neueste dieser Hypes dreht sich gerade um die amerikanische Sängerin Lana Del Rey, die mit bürgerlichem Namen Elizabeth Grant heißt. Und vor allem um einen Song: "Video Games" (♪♫♪) diese minimalistische, aber unerhört wundervolle, 60s-infizierte Ballade, die gnadenlos unter die Haut geht. Oder mit anderen Worten: eine zeitlos schöne Perle, auf die sich wohl fast jeder dort draußen einigen konnte. Doch das dies kein einmaliger Glückstreffer war, demonstrierte sie gleich mit der zweiten A-Seite der Single: "Blue Jeans" (♪♫♪), eine ebenfalls tief in den 60ern verwurzelte Pop-Perle, die ihrer berühmten anderen Hälfte auf Augenhöhe begegnen kann. Und auch ihre zweite und aktuelle Single "Born To Die" (♪♫♪) tut sich erneut als wunderbare Pop-Ballade hervor, die sich nur knapp hinter den beiden Vorgängern platziert. Nun steht also auch druckfrisch ihr mit Spannung erwartetes Debütalbum "Born To Die" in den Läden. Und man darf sagen: wesentlich spannender als auf den bislang bekannten Songs, wird es auf Albumlänge nicht. Aber der springende Punkt ist: es wird auch nicht wesentlich schlechter. Man könnte vielleicht bemängeln, das fast alles hier aus den gleichen Zutaten gerührt wurde. Wobei diesbezüglich aber das etwas flottere und von saftigen Beats untermalte "Off The Races" ein wenig aus der Reihe tanzt. Aber auch sonst geht es hier überwiegend geschmackvoll zur Sache. "Diet Mountain Dew" (♪♫♪) erklärt sich als formvollendet lieblicher Ohrwurm, der auch die Charts durchaus aufmischen könnte. "Dark Paradise" (♪♫♪) erzählt uns stilistisch nichts neues, allerdings verpackt in einen gelungenen Popsong, mit einem satten Hauch Melancholie. "Radio" taugt als weiterer Lichtblick mit liebevoll gehauchtem Refrain, und "This Is What Makes Us Girls" (♪♫♪) gibt ebenfalls eine kleine Pop-Köstlichkeit ab. Nur das die Überraschungen hier deutlich zu kurz kommen. Man kann zwar im Grunde genommen nicht viele schlechte Worte über das Debüt von Lana Del Rey verlieren. Die hoch gesteckten Erwartungen nach den ersten 2 Singles, kann "Born To Die" dann aber dennoch ganz nicht erfüllen. Aber immerhin: ein solides Debüt, dass zwar nach hinten raus anfängt zu schwächeln, aber dennoch neugierig auf mehr macht.

Besprochen: MANDO DIAO - "GREATEST HITS VOLUME 1"

2012-01-23T12:56:00.004+01:00

Mando Diao's erste Greatest-Hits-Compilation ist eben das geworden, was man davon hätte erwarten können: ziemlich toll!

Fast 10 Jahre sind nun ins Land gezogen, seit das Debütalbum "Bring 'Em In" von Mando Diao erschien, und die Band im Verlaufe dieser Jahre zu so etwas wie Schwedens Oasis wurden - nur irgendwie ein bisschen besser. Viele Worte muss man über die Band also wohl nicht mehr verlieren, sind sie doch auch schon seit einer Weile bei der breiten Masse angekommen. Dafür sorgte vor allem "Dance With Somebody" (♪♫♪), dieser discoide und unerhört catchy Ohrfänger von ihrem bislang letzten Album "Give Me Fire" aus dem Jahr 2008. Kaum verwunderlich das auch selbiger nun ihren ersten Karriere-Rückblick eröffnet, den sie ganz schlicht und ergreifend "Greatest Hits Volume 1" nennen. Doch so klassisch der Titel sich liest, und das Albumcover anmutet, so wirkt auch der Inhalt. Im besten nur denkbaren Sinne versteht sich. Denn an der Tracklist kann man wahrlich nicht meckern. So kommen wir zum einen in den Genuss ihrer handfesten Klassiker, die sich nun zum ersten Mal offiziell auf einer Platte tummeln - wobei sie erfreulicherweise jedes Album quasi gleichwertig bedachten. Vom grandios 60s-infizierten Meisterstück "Mr. Moon" (♪♫♪), und dem elektrisierenden und treibenden Britrock-Kracher "Paralyzed" (♪♫♪), über unwiderstehliche Ohrfänger wie "Down In The Past" (♪♫♪), "God Knows" (♪♫♪), oder "Long Gone Before Rock'n'Roll" (♪♫♪), bis hin zum fabelhaften "Never Seen The Light Of Day" (♪♫♪), dem famosen Hit "TV & Me" (♪♫♪), dem herrlich melodisch daher galoppierenden "Good Morning, Herr Horst" (♪♫♪), oder dem beinah zeitlos melodischen "Gloria" (♪♫♪). Aber auch ein paar Albumtracks werden bedacht, wie etwa die ekstatische Hymne "Welcome Home, Luc Robitaille", die leidenschaftliche Britpop-Perle "All My Senses", oder das wunderbare, herrliche süße Instrumental "Dalarna". Und oben drauf gibts dann noch ihre kürzlich veröffentlichte Weihnachtssingle "Christmas Could Have Been Good" (♪♫♪) - wohl eine der wenigen gelungenen Weihnachtssongs, den man sich zudem auch ohne weiteres abseits der Feiertage anhören kann.
Alles in allem eine Greatest-Hits-Compilation die durchaus Sinn macht, und mit 22 Songs ein stramm geschnürtes Hit-Paket abgibt. Ob man als Fan dann so etwas wirklich braucht, darüber darf dann an anderer Stelle gestritten werden.

Besprochen: GOTYE - "MAKING MIRRORS"

2012-01-21T20:48:00.001+01:00

Das gute an der Hype-Maschinerie: Manchmal hat sie recht. Der jüngste Beweis hat auch nun endlich deutschen Boden erreicht. Bühne frei für Gotye!

Musikkennern ist er bereits im Sommer durch die Ohren geweht, dieser unaufgeregte, aber dennoch unfassbar fesselnde Ohrwurm mit dem Titel "Somebody That I Used To Know" (♪♫♪). Mittlerweile hat der Song des belgisch-australischen Musikers Gotye (bürgerlich Wouter De Backer) auch die hiesige Chartspitze erklommen. Und das durchaus zurecht - hatte man sich eigentlich schon vor Monaten gefragt, warum dieser Song noch kein Hit ist. Aber 21. Jahrhundert hin oder her - einiges dauert nach wie vor so lange, als lebten wir noch in den Zeiten der Postkutschen. So ist sein nunmehr drittes Album "Making Mirrors" ursprünglich bereits im August erschienen - der deutsche Release folgte erst vor kurzem. Leider ein Umstand, der dieses Album nicht mehr für die Jahresbestenliste 2011 qualifizieren konnte. Und soviel sei vorweg gesagt: es wäre eine Bereicherung gewesen. Denn was er auf "Making Mirrors" so alles abliefert, lässt den großen Smash-Hit noch nicht einmal als den besten Song der Platte glänzen. In wunderbar exeprimentierfreudiger, aber stets hochmelodischer Art tanzt Gotye hier auf mehreren Hochzeiten - und bewegt sich stimmlich sehr nah an Peter Gabriel (manchmal aber auch mit Ähnlichkeit zu Sting), was dem ganzen eine noch nachhaltigere Tiefe verleiht. So ist etwa die erste Single "Eyes Wide Open" (♪♫♪) eine herausragende Pop-Hymne, die seinen ungleich berühmteren Nachfolger noch weit überstrahlt. Und auch sonst stehen die Hits hier förmlich Schlange. So wie etwa das getragen psychedelische und einnehmende "Smoke And Mirrors" (♪♫♪), das mit Orchester-Momenten, tribalen Beats und einer den Gorillaz nicht unähnlichen Hookline aufwartet. Mit "I Feel Better" (♪♫♪) legt er dann einen unwiderstehlich leichtfüßigen und hymnischen Motwon-Kracher nach, auf den Cee-Lo wohl ziemlich neidisch sein dürfte. Das beherzt in die 80s-Pop-Kiste langende "In Your Light" (♪♫♪) hätte seinerzeit sogar beinah Peter Gabriel Konkurrenz machen können, "State of the Art" (♪♫♪) kommt sommerlich verkifft und mit einiger Vocoder-Gesangsakrobatik daher, "Don't Worry, We'll Be Watching You" (♪♫♪) weht dann auf sanft dubigen Schwingen daher, während sich "Save Me" (♪♫♪) zum formvollendet zeitlosen Pop-Song erhebt. Im Falle von Gotye hat sich der Hype voll und ganz ausgezahlt - ein beinah perfektes Pop-Album.

Besprochen: THE MACCABEES - "GIVEN TO THE WILD"

2012-01-20T23:08:00.000+01:00

Sollte die Welt 2012 wirklich untergehen, so haben wir wenigstens noch das neue Album von The Maccabees mitgenommen. Schwein gehabt, könnte man sagen.

Das neue Jahr ist noch jung, da kommen die 5 Jungs der britischen Indierock-Band The Maccabees daher, um uns ihr neues und drittes Studioalbum anzudrehen. Und viel Überzeugungsarbeit wird dabei wohl sicherlich nicht nötig sein. Denn wer die Band schon zuvor auf dem Schirm hatte, der wird dem neuen Werk mit einiger Spannung entgegen geblickt haben. Das die jungen Männer in ihrer Heimat bereits eine große Nummer sind, braucht man an dieser Stelle wohl kaum zu erwähnen. Also wird es höchste Zeit, dass auch das europäische Festland etwas mehr Wind von ihnen bekommt. Der große Wurf der sie auch in deutschen Landen bekannter machen würde, war bislang zwar nicht dabei, aber sagen wir es wie es ist: ihre neue Platte "Given To The Wild" hätte durchweg das Zeug dazu. Davon lieferte in den letzten Wochen bereits die Vorab-Single "Pelican" (♪♫♪) den ersten Beweis - ein mitreißender und genialer Indie-Rock-Ohrfänger, der tief in die Pop- und Psychedelic-Kiste greift. Ein astreiner Hit, wenn man so will. Doch davon hat das nun im Januar 2012 erschienene neue Album noch ein paar mehr zu bieten. Doch es sei festgestellt, dass es sich dabei viel mehr um Hits mit Anspruch handelt. Das zeigt zum Einstieg dann sogleich das herrliche "Child" (♪♫♪), dass wunderbar von Bläsern getragen des Weges schreitet, und sich gen Ende in ein famoses Gitarrensolo steigert. "Feel To Follow" schickt dann eine herzerweichende, einnehmende, und auf seine Weise höchst wandlungsfähige Pop-Ode hinterher, die selbst The Drums vor Neid erblassen lässt. "Ayla" beginnt mit schwungvoll perlendem Piano, nur um sich in seinem weiteren Verlauf zur veritablen Hymne aufzuschwingen, die einen so schnell nicht los lässt. "Forever I've Known" kommt auf sanften Schritten daher, kann sich aber durch seine Tiefe, und seine melodische Erhabenheit zu einem weiteren essentiellen Highlight empor schwingen. Ein wohl etwas übereifriger Kritiker eines deutschen Musikmagazins, unterstellte The Maccabees kürzlich eine Annäherung zu Coldplay - doch dem darf ruhig widersprochen werden. Auch wenn Coldplay nun wahrlich nicht die uninspirierteste Band unter der Sonne ist, so passt der Vergleich hier doch in etwa so gut, wie Nutella zu Leberwurst. Auf "Given To The World" spielt die Band in einer definitiv höheren Liga - und hat damit sogleich ein Album erschaffen, dass man sich noch lange ans Herz drücken wird. Das erste Highlight des Jahres 2012.

Special: DIE BESTEN PLATTEN 2011!

2011-12-13T23:00:00.002+01:00

Es ist wieder soweit - ein weiteres Jahr neigt sich immer rasanter dem Ende. Zur Veröffentlichung dieses Beitrages wird das Jahr 2011 sogar in seinen allerletzten Zügen sein. Und so soll hier noch einmal die Musik, genauer genommen die besten Alben, des vergangenen Jahres gewürdigt werden. Hier folgen nun die für mich persönlich besten Platten des Jahres. Aufsteigend von Platz 50, bis zu meiner persönlichen Platte des Jahres auf der Pole Position. Es hat eine Menge Mühe gekostet - aber es macht ja Spaß. ;-)

Also auch allen Lesern viel Spaß bei meinen Favoriten aus 2011!

50. ROXETTE - "CHARM SCHOOL"

Manch ein Leser wird wohl nun ungläubig auf den Bildschirm starren. Ja, Roxette schaffen es in in der Tat in diese Liste. Und das sowohl gut überlegt, als auch absolut verdient. Denn was der erfolgreichste Schweden-Import seit ABBA mit seinem neuen Album "Charm School" leistet, grenzt an ein kleines Wunder. Im Herbst 2002 wurde bei Sängerin Marie Fredriksson ein Hirntumor diagnostiziert, eine schwere Operation folgte, und die Sängerin musste neu gehen und sprechen lernen. Und heute, 10 Jahre nach ihrem letzten (und schwachen) Album "Room Service", kehren sie auf die Bühne zurück - und haben ihr wohl bestes Album seit 20 Jahren im Gepäck. Inklusive ein paar neuer Klassiker: Die großartige Single "Speak To Me", als auch der hymnische Pop-Ohrwurm "Only When I Dream", sind zwei Paradebeispiele dafür. Aber auch andere Songs stechen heraus: Die Ballade "No One Makes It On Her Own", die Singer-/Songwriter-artige Perle "I'm Glad You Called", der beinah beatleske Ohrfänger "Dream On", oder das atmosphärisch-schöne, von einer wundervollen Melodie beseelte "Happy On The Outside". Man kann das alles natürlich trotzdem ganz ätzend finden, wenn man denn will. Oder eben ganz einfach wundervoll. (♪♫♪)

49. PATRICK WOLF - "LUPERCALIA"

Wer seit, sagen wir mal, Patrick Wolf's 2. Album nichts mehr von ihm gehört hat, der dürfte beim ersten Genuss von "Lupercalia", seinem mittlerweile 5. Album, ein wenig erschrecken. Denn wer an der experimentellen und düsteren Seite des jungen Mannes hing, wird hier mit Wohlklang überrascht. Hier ist alles bunter, heller und optimistischer, als man es je von ihm hörte. Doch hat man sich an all diese feierlichen und harmonischen Songs erst einmal gewöhnt, kriegt man irgendwann beinah nicht mehr genug davon. So führt schon "The City" das Album mit einem ungemein lebensbejahenden Pop-Ohrwurm ein. Es folgen das nachdenkliche, aber wohlig harmonsiche "House", die warme und sich majestätisch aufrichtende Pop-Ode "The Future", die herrliche und melodische Single "Time Of My Life", oder das einzig etwas düsterer und elektronischer zu Werke gehende, hübsch prunkvolle "Together". Ein watteweiches und cremig zartes Pop-Album wird uns hier serviert - eine Überdosis kann zwar zum Zuckerschock führen, aber klingt es doch so unwiderstehlich zart und süß, dass man doch immer wieder ein bissschen naschen will. (♪♫♪)

48. BEYONCÉ - "4"

Beyoncé's viertes Album "4" ist aus gewisse Weise paradox: Es hat zwar oberflächlich betrachtet nicht die Dichte an Hits ihrer früheren Platten, es geht aber dennoch ohne weiteres als ihr bislang bestes Album durch. Denn sie verzichtet hier auf die bisherige Rezeptur: Ein paar astreine Hits, gestreckt mit einem erschlagenden Überangebot von Füllmaterial. Zudem kommt eine gewisse Entspannung dazu, die das Album geschlossener klingen lässt. Denn sie versucht hier nicht mehr, immer den neuesten Trends hinterher zu hecheln - nur um am Ende dann doch wieder beim RnB von der Stange zu landen. Nein, denn hier gibt es leidenschaftliche Soulballaden wie "1+1=2", geniale, soft-elektronische Soul-Pop-Hymnen wie "I Care", das emotionale, von puckernden Beats untermalte "I Miss You", die famsoe RnB-Pop-Perle "Best Thing I Never Had", die 80s-infizierte, funky Kollaboration "Party" mit Kanye West und André 3000, oder den catchy Soul-Dance-Funk-Kracher "Countdown". Und "Run The World (Girls)" kann man mit seinem Sample von Major Lazer auch nicht lange widerstehen. Ein fabelhaftes RnB-Pop-Album. (♪♫♪)

47. THE FEELIES - "HERE BEFORE"

Wer zum ersten Mal "Here Before" hört, dass neue Album von The Feelies, der wird wohl mit Sicherheit nicht auf die Idee kommen, dass sie ihr letztes Album vor 20 Jahren, und ihr großes unsterbliches Meisterwerk "Crazy Rhythms" sogar schon vor 31 Jahren veröffentlicht haben. Zu frisch und entspannt klingt das was sie uns hier vorsetzen. Nichts hier klingt nach dem verkrampften Comeback einer einst großen Band, die es unbedningt nochmal wissen will. Stattdessen hören wir federleichte und mit wunderbaren Melodien beseelte Songs, die so herrlich unaufgeregt des Weges schreiten, wie sie nur einer Band entspringen kann, die mit sich selbst im Reinen ist. Vom beinah sonnenscheinig relaxten Opener "Nobody Knows", dem warmen und herrlich harmonisch einlullenden "Should Be Gone", oder dem bittersüßen und zeitlosen "Again Today", über das melancholisch schöne und nachdenkliche "Morning Comes", bis hin zum traumhaft folkigen Titelsong "Here Before". Die frische und elektrisierende Energie ihrer frühen Tage können sie zwar nicht mehr ganz reanimieren, aber gelingt ihnen mit "Here Before" dennoch ein stilvolles Comeback. Schön das sie wieder da sind.

46. NOEL GALLAGHER'S HIGH FLYING BIRDS - "NOEL GALLAGHER'S HIGH FLYING BIRDS"

Gut 2 Jahre nach ihrer Trennung, spricht kaum noch jemand von Oasis. Denn richtig weg schienen sie nie zu sein. Nachdem sich Noel Gallagher aus dem Staub machte, machten sein Bruder Liam und der Rest der Band als Beady Eye weiter. Und Noel schob zum Ende diesen Jahres sein Solo-Debüt "Noel Gallagher's High Flying Birds" nach - und machte einmal mehr deutlich, warum er das kreative Zentrum von Oasis war. Man fragt sich nur, wo er nach den vielen Jahren plözlich wieder all diese Hymnen her holt. Denn die großen Melodien gibt es hier serienmäßig. Schon zum Einstieg begrüsst er uns mit "Everybody's On The Run" - einer fulminanten Britpop-Hymne, wie man sie von Oasis lange vermisst hatte. Oder der beatlesque Ohrwurm "Dream On", der mehr Optimismus und 60s-Feeling ins Spiel bringt. "If I Had a Gun" mausert sich zusehends zum potentiellen Klassiker, "The Death of You And Me" ist ein 60s-infizierter Britpop-Hit, "AKA...What a Life" macht als zeitlos melodischer Popsong eine hervorragende Figur, und auch sein kleiner Bruder "AKA...Broken Arrow" geht ohne Anlauf in die Synapsen. Auch wenn hier alles nach derselben Rezeptur zusammen gerührt wurde, wie alles was er bisher germcht hat, sind Noel hier doch wieder einige erstaunliche Melodien eingefallen. (♪♫♪)

45. WILCO - "THE WHOLE LOVE"

War ich in der Vergangenheit nie so richtig mit Wilco warm geworden, so änderte dies ihr neues und mittlerweile bereits achtes Album "The Whole Love". Obwohl auch hier wiederholtes hören empfohlen ist. Aber wenn man den Songs der Band die Chance lässt, so entfalten sie sich zu ein paar echten Kostbarkeiten. Die erste Single "I Might" ging schon mal auf Anhieb als von hübschen 60s-Orgeln durchzogener Indiepop in die Synapsen. Und auch andere vorzügliche Momente gilt es hier zu finden. Ob nun in dem hymnischen 7-Minuten-Epos "Art of Almost", dem zauberhaften und emotionalen "Sunloathe", der tieftraurigen und düsteren Folk-Ballade "Black Moon", dem melodisch folkpopigen Titelsong "The Whole Love", oder der epische 12 Minuten langen Folk-Ballade "One Sunday Morning (Song for Jane Smiley's Boyfriend)". Es ist kein Meisterwerk geworden, kein album das die Konkurrenz weit überstrahlen konnte. Aber es wurde ein mehr als nur solides Album, mit dem Wilco nun endlich auch mich überzeugen konnte.

44. R.E.M. - "COLLAPSE INTO NOW"

Das das neue Album von R.E.M. hier auftaucht, hat nichts damit zu tun, dass die Band sich vor kurzem auflöste. Das ihr 15. und letztes Studioalbum "Collapse Into Now" hier zu finden ist, ist ausschließlich der Tatsache geschuldet, dass es wohl ihr bestes Album seit mindestens 10 Jahren darstellt. Vielmehr zeigten R.E.M. auf diesem Album deutlich, was nach 31 Jahren Karriere noch immer in ihnen steckte. So wussten sie auch noch zum Ende hervorragend zu rocken, wie sie etwa auf dem famosen Opener "Discoverer" unter Beweis stellen. Aber auch die warmen Momente, die wunderbaren Balladen und die zeitlosen Hymnen beherrschten sie wieder, wie zum letzten Mal höchstens noch auf "Reveal". So zeigt sich das grandiose "Überlin" als einer der letzten All-Time-Classis der Band, und das nachdenkliche "Oh My Heart" gemahnt ebenso an ihre einstige Größe der frühen 90er. "Everyday Is Yours To Win" entpuppt sich als herrliche und melancholische Ballade, und "Me, Marlon Brando, Marlon Brando and I" erweist sich als weiteres Highlight, dass auf Anhieb unter die Haut geht. Ihre Trennung war wohl die konsequenteste Entscheidung welche die Band hätte treffen können. Und so verabschiedeten sich R.E.M. im Jahr 2011 mit einem letzten Album, dass ihrer bisherigen Karriere mehr als würdig ist. (♪♫♪)

43. KATY B - "ON A MISSION"

Im Jahr 2011 ging die gerade einmal 21 Jahre junge Londonerin Katy B mit ihrem Debütlabum "On A Mission": Sie wollte den Post-Dubstep in die Clubs und Wohnzimmer zugleich bringen - jenen Stil, den in diesem Jahr auch James Blake mehr als herausragend mit auf den Weg brachte. Und die in sie gesetzten Hoffnungen wurden nicht enttäuscht. Mit ihrem ersten Werk verordnete sie uns ein tanz- und zugleich träumbares Bündel potentieller Hits. Im famosen "Power On Me" lässt sie Dubstep- und House-Elemente auf eine herrliche Pop-Melodie treffen, "Katy On a Mission" ist und bleibt ein catchy Elektro-Pop-Ohrwurm, "Why You Always Here" bringt 90er-House auf den neusten Stand, "Witches Brew" mausert sich mit flirrenden und wirbelnden Retro-Synthezisern, Dubstep-Anleihen und popiger Melodie zum einfallsreichen Hit, "Broken Record" offenbart sich als fabelhafter Dance-Pop, der im Refrain in den TripHop hinein strahlt, und mit "Lights On" verschafft sie uns einen fetten House-Pop-Ohrwurm. Ein Album das neugierig auf mehr macht - und das mit jedem hören wächst! (♪♫♪)

42. THE DRUMS - "PORTAMENTO"

Es war ja schon eine kleine Sensation, als letztes Jahr die Newcomer The Drums mit ihrem ebenso charmanten wie fulminanten Debüts daher kamen, und einen Hype sondergleichen auslösten. In diesem Jahr folgte auch sogleich das berühmte "schwierige 2. Album". Und Anfangs sollte dies auch wie eine eher schwierige Angelegenheit anmuten. Beim ersten Durchlauf konnten die Songs von "Portamento" fast wie etwas spannungsarme Versionen des Vorgängers wirken. Doch ein paar Durchläufe später, fangen die Ohrwürmer an sich heruas zu schälen. Und davon darf man hier durchaus einige bewundern. Man nehme etwa die erste Single "Money", den von catchy angestaubten Synthesizern unterlegten Ohrwurm "Hard To Love", die fabelhafte und schwebende Synthpop-Perle "Searching For Heaven", das zart psychedelisch dengelnde "Please Don't Leave", das unbeschwerte und melodieverliebte "I Need a Doctor", oder das melancholischer geartete und wunderbare "In The Cold". Zwar können The Drums, die mit diesem Album vom Quartett zum Trio geschrumpft sind, nicht an ihr letztjähriges Debüt anknüpfen - aber sie haben dennoch ein überzeugenden Nachfolger vorlegen können, der sich in Nuancen weiterentwickelt hat. (♪♫♪)

41. COLDPLAY - "MYLO XYLOTO"

Das neue und 5. Album von Coldplay war sozusagen die Liebe auf den zweiten Blick. Man kann"Mylo Xyloto" sogar in gewisser Weise mit einem Disney-Trickfilm vergleichen: Oberflächlich betrachtet bunt, brav und ein wenig naiv. Aber bei genauerer Betrachtung, findet man immer wieder etwas, bei dem einem das Herz aufgeht. Und so erstrahlt es tatsächlich als schillerndes und herrliches Pop-Album. "Hurts Like Heaven" zeigt sich als melodisch aus den Boxen perlender Pop-Ohrwurm, der nach einem sonnigen Herbstnachmittag schmeckt. "Paradise" bleibt zwar ein glattes, süßliches Liedchen, aber diese trotz allem herrliche Melodie kriegt einen doch immer wieder klein, und man möchte es sich als wohlig warme Pophymne ans Herz drücken. "Charlie Brown" erhebt sich zur strahlenden und opulent hymnischen Ode an die gleichnamige Kult-Cartoonfigur. Und selbst wenn man "Every Teardrop Is a Waterfall" hier wiederhört, glaubt man es fast mit einem Klassiker der Band zu tun zu haben. "Major Minus", dass wieder mehr an die früheren Tage der Band gemahnt, bleibt weiterhin eines der Albumhighlights, "Up In Flames" tut sich als himmlische Ballade auf, und nach wie vor überstrahlt ihr Duett mit Rihanna fast das ganze Album: das von flirrenden Synthies untermalte "Princess of China". Am Ende offenbart sich dann "Mylo Xyloto" als herrliches und durchweg verliebenswertes Pop-Album mit hohem Suchtfaktor. (♪♫♪)

40. WU LYF - "GO TELL FIRE TO THE MOUNTAIN"

Es ein gerechter Hype den WU LYF (für "World Unite! Lucifer Youth Foundation") aus den UK dieses Jahr erlebte. Medien lobten sie über den Klee, und auch die Blogger-Szene brannte lichterloh. Doch das ist kein großes Wunder, wenn man sich ihr Debüt "Go Tell Fire To The Mountain" zu Gemüte führt. Atmosphärischer Indie-Rock, der beständig in Psychedelia, Shoegaze und Post-Rock hinein strahlt. Mit düster-raunendem Sprechgesang umgarnen sie die 10 Songs ihres Erstlingswerks, die durchweg überzeugen - und nicht selten ein wenig an Kollegen wie The XX erinnern. Dabei werfen sie auch ein paar wahrhafte Hymnen ab: Das psychedelisch umwehte "LYF" , den eindringlichen und atmosphärischen "Cave Song", die erhabene und schwebende Hymne "Such a Sad Puppy Dog", oder den stampfenden, von Orgeln durchwobenen Epos "Dirt" . Doch auch die vielleicht Anfangs unscheinbareren Klänge beweisen viel Tiefe, wie schon die erste und famose Single "Heavy Pop" zeigte. Ein mehr als überzeugendes und nahezu berauschendes Debüt! (♪♫♪)

39. LITTLE DRAGON - "RITUAL UNION"

Die schwedische Elektropop-Band Little Dargon ist der breiteren Masse vielleicht durch ihren Beitrag auf dem letzten Gorillaz-Album "Plastic Beach" ein Begriff. Und eben jene haben in diesem Jahr ihr 3. Studioalbum "Ritual Union" verlöffentlicht. Und wem der Song mit den Gorillaz gefiel, der sollte sich auch das hier nicht entgehen lassen. Denn hier servieren sie uns feinsten Synthpop mit charmanten Melodien, die Sängerin Yukimi Nagano unwiderstehlich in Worte fasst. "Brush The Heart" ist minimalistischer, beatiger und glöckelnder Elektro-Pop mit Langzeitwirkung, "Shuffle a Dream" verbindet 80s-Synthiepop mit Soul-Elementen, "Please Turn" entwickelt sich zum catchy Dance-Pop mit Hang zu den 90ern, "Precious" oder "Nightlight" sind herrlich popmelodische und kreativ arrangierte Ohrfänger, an denen man so schnell nicht vorbei kommt, und das schier phänomenale "When I Go Out" ist der mit Abstand experimentellste Song der Platte - und der beste noch dazu. Aber das fällt bei der auch sonst hohen Qualität der Songs nur minmal auf. Mit "Ritual Union" ist ihnen in jedem Fall ein bezauberndes Album gelungen, dass die Band hoffentlich noch viel mehr Menschen bekannt machen wird. (♪♫♪)

38. ACTIVE CHILD - "YOU ARE ALL I SEE"

Das der amerikanische Musiker Pat Grossi a.k.a. Active Child, in der Vergangenheit bereits als "Hippie hinter Synthesizern betitelt wurde, ist kein großes Wunder. Aber das was er auf seinem Debütalbum "You Are All I See" treibt, hat nur wenig mit der Bewegung der Blumenkinder in den 60ern zu tun. Er verschriebt sich den schwebenden und hypnotischen Elektro-Einflüssen, die er mit allerlei musikalischen Bezügen garniert. So ist das Titelstück "You Are All I See" eine von Harfenklängen umgarnte Chillout-Ballade, die famose Single "Playing House" strahlt hörbar in den RnB hinein, "See Thru Eyes" bezirzt als schwerelose und wunderschön melodische Synthpop-Kostbarkeit, "Way Too Fast" weht auf verchillten Synthies herüber, und "Shield & Sword" bildet mit 80s-infizierter und eher düsterer Atmosphäre eines der Highlgiths des Albums. Pat Grossi ist mit seinem Debüt ein beinah andächtiges Album gelungen, welches das 80s-Revival konsequent auf die nächste Ebene führt. (♪♫♪)

37. CASPER - "XOXO"

Das was der Bielefelder Rapper Casper auf seinem neuen Album "XOXO" so anstellte, wurde im Jahr 2011 von manchen als "Emo.Rap" völlig verkannt. Andere hingegen liebten das was er hier anbot. Und das durchaus zurecht. Natürlich kann man seinen heiseren, rauen Sprechgesang befremdlich finden - doch man hat es schneller schätzen gelernt, als man denkt. Zumal er den deutschzen HipHop aus seiner Leichenstarre heraus reisst - eben indem er HipHop macht, der im Grunde mit HipHop nicht mehr viel zu tun hat. So unterlegt er seine Musik nicht bloß mit fetten Beats, die Texte drehen sich nicht um Kohle, Autos und Bitches. Stattdessen werden hier eher rockige Töne angeschlagen, textlich werden Trauer, Wut, Angst, aber auch Hoffnung groß geschrieben. So strahlt die pathetisch donnernde Hymne "Der Druck Steigt" eine gewisse Punk-Atmosphäre aus, "Auf und davon" paart HipHop mit Melancholic-Rock, der großartige Titelsong "XOXO" zeigt sich als Coldplay nicht unähnlich, und zudem mit Tomte's Thees Uhlmann hinterm Mikro, "Michael X" ist ein tieftrauriger Nachruf, der zu Tränen rührt, und im mitreißenden Hit "So perfekt", lässt er sogar dancige Töne erklingen. Man kann das ruhig weiter Emo-Rap nennen, wenn man ein Idiot ist. Doch in Wirklichkeit hat Capser nicht anderes gemacht, als das beste deutsche HipHop-Album des Jahres. (♪♫♪)

36. DAVID LYNCH - "CRAZY CLOWN TIME"

Das David Lynch einem in seiner Funktion als Regisseur, schon mal ordentlich das gruseln lehren kann, ist kein großes Geheimnis. Und auch musikalisch beschreitet er ähnliche Wege. Man nehme etwa seinen Beitrag zum Meisterwerk "Dark Night Of The Soul" von Danger Mouse und Sparklehorse vor 2 Jahren. Oder seine grandiose Single "Good Day Today", die bereits zu meinen persönlichen Songs des Jahres 2010 zählte. Selbige ist auch auf seinem neuen Album enthalten: "Crazy Clown Time". Und dieses Album unternimmt mit uns eine Reise in die tiefsten Abgründe der Seele. Ein dunkler, zum Teil kaum greifbarer und verstörender, aber stets hypnotischer Trip, der einen langsam aber bedächtig in seinen tiefschwarzen Kern saugt. Der ist dann irgendwo beim Titelsong "Crazy Clown Time" erreicht, einem düsteren und paranoiden Art-Pop-Kunstwerk, bei dem einen vor dem inneren Auge Stephen Kings Horrorclown Pennywise angrinst. Als einzige Gaststimme holte er sich Karen O von den Yeah Yeah Yeahs an Bord, die zum Auftakt im atmosphärischen "Pinky's Dream" singt, ächzt und kiekst. Den Rest bestreitet Lynch allein - und fast durchweg hervorragend. Vom düster schleppenden "So Glad", über das bedrohlich flüsternde und spukig monotone "Noah's Ark", bis hin zum tiefschwarzen und melacholischen "Movin' On". Ein Album wie ein düsterer und beklemmender Trip - aber ein verdammt guter dazu! (♪♫♪)

35. THE VIEW - "BREAD & CIRCUSES"

Der Indie-Rock ist tot - das ist 6 Jahre nach seinem großen Comeback eine traurige Gewissheit. Doch nicht bei The View! Denn wer ein so beherzt nach vorn preschendes, hübsch angerotztes, aber stets hochmelodische Album Zustande bringt, wie es ihnen in diesem Jahr mit "Bread & Circuses" gelungen ist, der nötigt einem dann doch gehörigen Respekt ab. So leidenschaftlich und unverkrampft hörte sich der Indie-Rock schon seit etwas längerer Zeit nicht mehr an. Man nehme nur das eröffnende "Grace", dass einem einen derart hymnischen Refrain um die Ohren schleuidert, dass einem ganz schwindelig werden kann. "Tragic Magic" verdingt sich hervorragend als mitreißender und vielseitiger Ohrwurm mit hohem Suchtfaktor, "Life" legt sich als leidenschaftliche Britpop-Hymne ins Zeug, die anno 1996 ein echter Hit hätte werden können, "Blondie" gibt den unwiderstehlich melodischen Ohrwurm, "Walls" zeigt sich als stark von den 60ern inspiriert, und mit "Best Lasts Forever" machen sie noch eine weitere majestätische Britpop-Hymne klar. Auch wenn ihnen hiermit kein ultimatives Meisterwerk gelungen ist, so klingt bei ihnen der Indierock doch so spannend und frisch wie schon lange nicht mehr. (♪♫♪)

34. THE NAKED AND FAMOUS - "PASSIVE ME, AGRESSIVE YOU"

Elektronische Elemente sind in den letzten Jahren in der Indie-Musik keine Neuheit mehr - doch wie die neuseeländische Band mit ihrem Debüt in diesem Jahr daher kam, um auf ihre eigene charmante Weise diese beiden Stile zu vermischen, dass kann einen schonmal begeistern. Sicherlich ist "Passive Me, Agressive You" kein strahlendes Meisterwerk geworden, aber doch weitaus mehr als ein erstes musikalisches Statement. Die Herren und ihre Dame aus Auckland zeigen das sie ernst meinen was sie tun - und das sie es mit Leidenschaft tun. Und das bündeln sie in fabelhaften Songs, die recht vielseitig daher kommen. "Punching In a Dream" zeigt einen astreinen Synthpop-Hit, der mit elektrorockenden Elementen spielt. "Frayed" verliert sich in melachnolisch schwebenden Sphären, die immer von düsteren Gitarrenriffs zerrissen werden. "Young Blood", quasi das Aushängeschild des Albums, ist und bleibt ein famoser Synthpop-Kracher, mit einer Hookline die unwiderstehlich feist ins Ohr geht. "Spank" kommt als schräg psychedelischer Elektro-Rock des Weges, der mit mancherlei wilden Soundbeilagen glänzt. Und mit "Girls Like You" beenden sie ihr Debüt mit einer perfekten Hymne. Keine fulminante Leistung, aber ein mehr als solides Erstlingswerk, dass ziemlich neugierig macht, was da noch kommen könnte. (♪♫♪)

33. BRIGHT EYES - "THE PEOPLE'S KEY"

Conor Oberst hat mit seinen Bright Eyes stilistisch schon ein paar Dinge ausprobert von Singer/Songwriter und Folk, über Americana und Country, bis hin zu elektronischen Ausflügen und waschechtem Pop. Auf dem 7. Album seiner Band, präsentierte der Amerikaner sich in diesem Jahr erneut gewandelt. Außer dem eher elektropopigen Album "Digital Ash In a Digital Urn", hat er sich noch nie so weit von seinen folkigen und country-esken Wurzeln entfernt. Obgleich von dieser alten Stimmung noch eine Menge im fulminanten und wunderschönen Opener "Firewall" zu hören ist, der so gewissermaßen die Brücke vom letzten Album "Cassadaga" zu "The People's Key" schlägt. Die erste Single "Shell Games" überraschte in ihrer Funktion bereits vorweg, als von Synthies ausgeschmückter Indie-Pop mit zwingendem Ohrwurm-Charakter. Und die aktuelle Single "Jejune Stars" begeistert als optimistisch nach vorn gehender und hochmelodischer Indierock. Das exzellente "Aproximate Sunlight" erinnert mit seiner unterschwelligen Elektronik und seiner äußerst düster-melancholischen Grundstimmung, an die Zeiten von "Digital Ash in a Digital Urn". Er ist in gewisser Weise radiotauglicher geworden, die persönlichere Note der früheren Alben wird ein Stück zurück gefahren - aber das wollen wir ihm nicht übel nehmen, solange er so famose Songs schreibt, wie "The People's Key" sie in Hülle und Fülle zu bieten hat. (♪♫♪)

32. GIL SCOTT-HERON & JAMIE XX - "WE'RE NEW HERE"

Jamie XX, kreativer Kopf der 2009er Newcomer The XX, stellte sich in diesem Jahr einem Mammutprojekt: Er nahm sich Gil Scott-Heron's 2010er Meisterwerk "I'm New Here" zur Brust, um es in seinem agnz eigenen Sinne neu zu interpretieren. Bei einer Legende wie Gil Scott-Heron, der maßgeblich den Rap prägte, hätte solch ein Unterfangen leicht nach hinten losgehen können. Doch Jamie "XX" Smith schafft das fast unmögliche: Er drückt den Songs seinen eigenen Stempel auf und leistet dabei meist großartiges. So schon der sphärisch elektronische, und von hochgepitchten Vocals, sowie schleppenden HipHop-Beats unterlegte Opener "I'm New Here". "Home", mutiert zur schwerelos schwebenden Dubstep-Perle. "Ur Soul And Mine" kreuzt er mit dem 2000er House-Classic "Touch Me" von Rui da Silva, "NY Is Killing Me" verwandelt sich in spukigen Elektropop, und "I'll Take Care Of You" sticht mit seinen hallend im Raum schwebenden Chris-Isaac-Gitarren als ein unbestrittenes Highlight aus diesem Remix-Album heraus. So kann man "We're New Here" weniger als ein Remix-Album sehen, sondern eher wie eine kreative Neuinterpretation eines jungen musikalischen Genies. (♪♫♪)

31. MODESELEKTOR - "MONKEYTOWN"

Auch die Berliner Elektrokünstler von Modeselektor waren in diesem Jahr wieder mit von der Partie, nachdem ihr letztes und hervorragendes Album "Happy Birthday" nun auch schon 4 Jahre auf dem Buckel hat. Doch das lange Warten hat sich gelohnt. Denn auf ihrem neuen Album "Monkeytown" geben sie dem Affen wieder kräftig Zucker. Und so zappen sie sich durch die unterschiedlichsten Stile und lassen sich dabei immer mal wieder von illustren Namen unterstützen. Wie schon beim letzten Album, ist auch hier wieder Thom Yorke mit an Bord, der das großartige, von triphopig-schwebender Atmosphäre geprägte "Shipwreck", sowie das düster anmutende und hervorragende "This" verdelt, die auch ohne weiteres von seiner Band Radiohead stammen könnten. Und Miss Platinum macht etwa den Elektropop-Ohrwurm "Berlin" zum potentiellen Hit. Und auch sonst geht hier eine Menge: "Blue Clouds" sei als getragener und hypnotischer Elektro-Pop empfohlen, "Pretentious Friend" vereint dröhnende Beats und verzerrte Elektronik mit HipHop, "Evil Twin" gelingt als radikal in den Hirnwindungen kitzlender Elektro-Kracher mit Acid-Einschlag, und "Green Lights" präsentiert eine bezaubernde und verliebenswerte Synthpop-Perle, zusammen mit der australischen Band PVT. "Monkeytown" ist ein fabelhaftes, streckenweise gar berauschendes Album, mit dem sich Modeselektor auch weiterhin eine wichtige Rolle im zeitgenössischen internationalen Elektro sichern können. Beide Daumen nach oben. (♪♫♪)

30. GANG GANG DANCE - "EYE CONTACT"

Schon immer war das New Yorker Künstler-Kollektiv Gang Gang Dance für eher experimentelle Töne bekannt. Und das sollte sich auch auf ihrem diesjährigen und 5. Album "Eye Contact" nicht ändern. Wobei sie dennoch mit herrlichen Melodien jonglieren, und diese immer wieder um 80s-Synthesizer ergänzen und mit mal spinnerter, und mal verstörender, oder einfach nur großartig verspielter Elektronik garnieren. Radiotauglich ist anders - und das ist auch gut so. Denn hier offenbaren sie uns ein Album, dass wie ein Mosaik aus den verschiedensten Bausteinen besteht, aber aus der Entfernung betrachtet ein schlüssiges und großes Gesamtkunstwerk ergibt. Und löst man sich erst einmal von denen Vorstellungen über gängige Songstrukturen, dann erkennt man, dass diese Platte im Grunde vor Hits zu so wimmelt - sie wissen sich nur gut zu verstecken. So etwa der atemberaubende 11-minütige Experimental-Pop-Epos "Glass Jar", der dass Album eröffnet. Dem folgen Highlights wie das atmosphärische und asiatisch geflavourte "Adult Goth", der aberwitzige und experimentelle Elektro-Pop "MindKilla", das herrlich glitzernde "Romance Layers" mit Hot-Chip-Kopf Alexis Taylor, oder der ganz und gar grandiose Closer "Thru and Thru", der in einer besseren Weilt ein Hit wäre. Ein kunterbuntes und stilistisch weltoffenes Stück Pop-Kunst, dass nicht unbeachtet bleiben darf. (♪♫♪)

29. KASABIAN - "VELOCIRAPTOR!"

Nachdem die Band aus Leicester mit ihrem 3. und bislang letzten Album "West Ryder Pauper Lunatic System" mehr als eindrucksvoll zeigte, dass wesentlich mehr in ihnen steckte als okayer Dance-Rock (ihr Debüt "Hot Fuss"), oder Meat-Loaf-Pathos (siehe ihr 2. Album "Empire"), war die Spannung auf ihr 4. Album gewaltig. Und mit "Velociraptor!" schafften sie es, die hohen Erwartungen quasi aus dem Stand zu erfüllen. So jonglieren sie hier bei genauerer Betrachtung mit den unterschiedlichsten Stilen, schaffen aber aus all dem ein von vorn bis hinten überzeugendes und stimmiges Album zu drehen. So eröffnet "Let's Roll Just Like We Used To" das Album mit herrlichem Britpop, der auf einer betörenden Melodie thront. "Days Are Forgotten" kommt als waschechter Rock-Ohrwurm des Weges, "Goodbye Kiss" zeigt sich als bittersüße und melodieverliebte Ballade mit einer Träne im Auge, auf dem hübsch nach vorn rockenden "Velociraptor" zeigen sie kräftig die Zähne, "Acid Turkish Bath (Shelter From The Storm)" empfiehlt sich als psychedelischer Ohrwurm mit arabischem Einschlag, und "Man Of Simple Pleasures" ist und bleibt ein erhabenes Pop-Juwel mit strahlender Melodie. Wieder einmal zeigten die Briten das sie den Dreh raus haben und lieferten ein mehr als überzeugendes Album. Wie heißt es so schön: Der Stärkere überlebt. Und Kasabian arbeiten sich beständig weiter an die Spitze der musikalischen Nahrungskette vor. (♪♫♪)

28. ZOEY VAN GOEY - "PROPELLER VS. WINGS"

Eigentlich ist es doch eine Schandem dass das Trio Zoey Van Goey aus Schottland noch immer zu den Geheimtips gehören. Haben sie doch in diesem Jahr ein derart herrliches 2. Album veröffentlicht, dass einem schier das Herz aufgeht. Und was die 3 Damen und Herren auf "Propeller vs. Wings" so alles buntes und wildes und prächtiges treiben, lässt sich nicht so ohne weiteres ausmachen. Denn Vielseitigkeit schreibt die Band auf dem Zweitwerk groß - und hangelt sich auf höchst verspielte Wesie durch diverse Stile. Da wäre die herzerweichende Pop-Ballade "Mountain on Fire", die das Album genial eröffnet. "The Cake And Eating Eat" empfiehlt sich als catchy ohrwurmiger Indiepop, "Escape Maps" offenbart eine melancholische und zeitlose Pop-Perle von erhabener Schönheit, "You Told The Drunk I Knew Karate" kommt dann als ungemein ansteckender und zwingender Ohrfänger daher, "Island" mutet fast wie ein wundervolles, klischeebefreites und folkiges Update von "Puff, The Magic Dragon" an, und "Robot Tyrannosaur" fliegt uns dann als flottes und fieberndes Indierock-Rumpelstilzchen um die Ohren. (♪♫♪)

27. PETERLICHT - "DAS ENDE DER BESCHWERDE"

Das der deutschsprachige Pop in einer schweren Krise steckt, die man eigentlich schon als künstlerisches Wachkoma bezeichnen kann, ist kein Geheimnis. Noch nicht einmal die in den letzten Jahren stetig wachsende Nachfrage kann darüber nicht hinweg täuschen. Denn spätestens wenn Andrea Berg, Silbermond und Helene Fischer die oberen Chartränge schmücken, sollte auch der letzte kapiert haben, dass katastrophale Zustände in der hiesigen Musikszene herrschen. Doch ein paar wenige Ausnahmen gibt es zu Glück immer noch. Und zu denen zählt definitiv PeterLicht, Singer/Songwriter aus Köln, der in diesem Jahr sein 5. Album "Das Ende der Beschwerde" veröffentlichte. Und damit hatten vor allem die Beschwerden über die deutschsprachige Musik vorerst ein Ende. Denn was der Herr hier für fabelhafte Songs zu bieten hat, lässt jedes Pop-Herz höher schlagen. Schon die erste Single "Neue Idee" kann sich einen erstklassigen, mit flottem Beat beseelten Ohrwurm nennen, der wohl einen der besten Deutsch-Pop-Songs des Jahres darstellt. Doch ebenso der textlich hervorstechende Titelsong "Das Ende der Beschwerde", die wunderbare und herrlich melodische Pop-Ode "Wir sollten uns halten", der famose Indiepop-Hit "Begrabt mein iPhone® an der Biegung des Flusses", oder die großartige, nachdenkliche Popballade "Schüttel den Barmann" zeigen einem überdeutlich, wie wunderbar der deutsche Pop auch 2011 noch sein kann. Man muss es eben nur richtig machen. Und PeterLicht hat fast alles richtig gemacht.

26. DILLON - "THIS SILENCE KILLS"

Zwar ist die gebürtige Kölnerin Dominique Dillon de Byington in den vergangenen Jahren schon live aufgefallen, der großen Masse dürfte sie dennoch weniger bekannt sein. Doch das darf und wird sich mit ihrem in diesem Jahr erschienen Debütalbum "This Silence Kills" (hoffentlich) ändern. Was sie uns hier kredenzt, hat nämlich wenig mit dem zu tun, was man von einer deutschen Musikerin gemeinhin erwarten würde. Langweiligen Singalong-Pop á la Lena? Konservatives Mainstream-Gedöns nach Sarah Connor? Sie könnte nicht weiter davon entfernt sein. Die stilistischen Bezugspunkte finden sich hingegen im Ausland: die Namen Björk oder Miss Li fallen, wo man den Namen der Kölnerin liest. Und das zurecht. So verbindet sie auf ihren Stücken chansonartigen Singer/Songwriter-Pop mit zeitgeistigen Elektro-Einflüssen, liegt auch stimmlich nahe dem Kosmos der genannten Kolleginnen, und zieht dabei dennoch ihr ziemlich eigenes Ding durch. Ob nun mit der unendlich charmanten Chanson-Pop-Single "Tip Tapping", durch die wundervolle Ballade "Thirteen Thirtyfive", mittels des elektronisch unterfütterten Art-Pop "__________", der getragenen und gefühlvollen Songperle "Gumache", oder in Form von avantgardistischer Minimal-Techno-Grundierung im famosen "Abrupt Clarity". Eine herausragende Debüt-Leistung, welche die junge Dame hier vorlegt. Und man darf sich sicher sein, dass wir von Dillon noch eine Menge hören werden.

25. ADELE - "21"

Das Jahr 2011 war wohl DAS Jahr für Adele. Im Frühjahr erschien ihr 2. Album "21", dass ungeahnte Wllen schlagen sollte. Medien und Hörer feierten sie ab wo es nur ging - und sie nahm gar verdient auf dem Thron des britischen Retro-Soul Platz. Denn was sich hier tummlt, sind fast ausnahmslos fantastische Soul-Pop-Perlen, denen man ihre berühmten Produzenten gar nicht anhört. So haben etwa Paul Epworth (Bloc Party, Plan B, Florence & The Machine), Ryan Tedder (One Republic) oder Rock-Urgestein Rick Rubin (Red Hot Chili Peppers, Johnny Cash, Gossip) im Hintergrund an den Schrauben gedreht. Heruasgekommen ist aber ein dennoch erstaunlich rundes und geschlossenes kleine Soul-Meisterstück, dass so manches Highlight zu bieten hat. So etwa der grandios mitrießende No.1-Hit "Rolling In The Deep", der fabelhaft einnehmende und swingende Ohrwurm "Rumour Has It", die herzwringende und emotionale Ballade "Turning Tables" , der herrliche Country-Schunkler "Don't You Remember", das soft groovige und jazzige "He Won't Go", oder die wahrhaftig meisterliche und ehrhabene Hymne "Set Fire To The Rain", die eigentlich ein No.1-Hit in mindestens 20 Ländern hätte werden müssen. Ein durchweg stimmiges und tolles Album, dass die Latte für künftige Retro-Soul-Platten höher legt. (♪♫♪)

24. FLEET FOXES - "HELPLESSNESS BLUES"

Was war ihr 2008er Debütalbum "Fleet Foxes" doch für ein wunderschönes und unter die Haut fahrendes Folk-Juwel. Definitiv und mit Nachdruck einst eines der besten Platten des Jahres. Und auch ihr 2. Album schafft den Sprung unter die Creme de la Creme des Jahres 2011. Denn sie tun auf dem Zweitwerk "Helplessness Blues" nahezu das goldrichtige: Sie versuchen erst gar nicht sich selbst zu übertreffen. Sie machen einfach ihre Musik. Und das ist verdammt nochmal auch gut so. So werden uns wieder einmal märchenhafte und warme Folk-Perlen offenbart, die sich mit ihren gleißenden Melodien rasant Richtung Herz graben. Beweise? Der famose Opener "Montezuma", das psychoaktiv daher galoppierende "Sim Sala Bim", das zauberhafte und geschmeidige "Lorelai", der famose und schwindelerregende 8-minütige Folk-Epos "The Shrine/An Argument", oder der warme und harmonische Closer "Grown Ocean". Ein erhabenes Stück Folk-Pop, dass aber natürlich an die überirdische Klasse seines Vorgängers nicht anschließen kann - und dennoch stellt "Helplessness Blues" das wohl beste Nachfolge-Album dar, dass die Fleet Foxes hätten machen können. (♪♫♪)

23. THE HORRORS - "SKYING"

Es war ja schon eine kleine Sensation, als sich die junge Band The Horrors vor 2 Jahren mit ihrem 2. Album "Primary Colours" zurück meldete. Hatte man sie zuvor gern in die Emo-Schublade gestopft, kamen sie nun mit einem Shoegaze-Meisterstück wieder, der die frühen 90er wieder aufleben liess. Ein starkes Stück. Und dem schoben sie nun in 2011 ihr 3. Album nach, dass die Aufgabe haben sollte, gegen den mächtigen großen Bruder zu bestehen. Und die Band setzt hier offenkundig auf das einzige Mittel, dass ihnen womöglich bleibt - die Weiterentwicklung. Zwar schimmern auf "Skying" noch immer Shoegaze-Momente hindurch, die aber vermehrt von Synthezisern und großen, strahlenden Pop-Momenten verdrängt werden. Ohne dabei aber je glatt zu klingen. Und mit dem atmosphärischen Psychedelic-Rocker "Changing The Rain", dem stark an die frühen 90s gemahnenden, psychedelischen Art-Pop-Epos "Dive In", dem von schillernden 80s-Synthies umgarnten New-Wave-Hit "You Said", dem brillanten Indie-Synthpop-Hit "Still Life", oder dem 9-minütigen Psychedelic-Postpunk-Wave-Pop-Epos "Moving Further Away", gibt es hier einige Highlights zu bestaunen. Doch auch der Gesamteindruck ist über jeden Zweifel erhaben. The Horrors haben es wieder einmal geschafft und bleiben auch in Zukunft relevant. (♪♫♪)

22. ANNA CALVI - "ANNA CALVI"

Die Herren und Damen vom BBC haben oft schon zum Ende eines jeden Jahres auf dem Radar, was im Verlaufe des kommenden alles hervorstechen wird. Auch Anna Calvi hatten sie mit auf dem Schirm für's Jahr 2011. Und man siehe: Auch bei mir ist die Britin hängen geblieben, die aber auch bereits Brian Eno als glühenden Fan vorweisen kann. Jener legendäre Musiker hat sich ihres Debütsalbums zwar nicht als Produzent angenommen, dafür aber Rob Ellis - welcher zuvor etwa mit PJ Harvey arbeitete. Und dieses Stichwort kommt wie gerufen, orientiert sich Clavi doch vor allem an das Umfeld von PJ Harvey oder Patti Smith. Und das gelingt der 29jährigen hervorragend. "Rider To The Sea" klingt wie ein atmosphärisch-düsterer Western, zu dem Calvi ausgelassen johlt. Das hervorragende, manchmal fast schüchtern anmutend. "Suzanna & I" ist ein dunkler und kühler Ohrwurm, der mit psychedelisch hallenden Gitarren spielt. "First We Kiss" kommt mit einer sagenhaften Melodie des Weges, und wirkt wie eine vergessene Psychedelic-Folk-Perle der späten 60er Jahre."The Devil" schwingt sich gar empor zu tiefschwarzen und hymnischen Ballade. Und "Love Won't Be Leaving" setzt als krönenden Abschluss noch eine epische und leidenschaftliche, von Bläsern, Streichern und Chören untermalte Hymne oben drauf. Diese Dame sollte man dringend im Auge behalten - ihr Debüt zumindest hat Klassiker-Qualitäten. (♪♫♪)

21. OTHER LIVES - "TAMER ANIMALS"

Wem immer schonmal der Sinn nach einem bewusstseinserweiternden Trip durch die endlose Prärie des mittleren Westens stand, der darf "Tamer Animals", das zweite Album der US-Folk-Rock-Band Other Lives, nicht verpassen. Denn was sie uns hier für ein strahlendes und erhabenes Meisterstück in die Ohren gießen, lässt sogar das aktuelle Album der mighty Fleet Foxes hinter sich. Ja, richtig gelesen - und das hat durchaus seine Berechtignug, die schon beim ersten hören von "Tamer Animals" deutlich wird. Schon der Opener "Dark Horse" führt perfekt in diesen wundervollen Psychedelic-Western ein - und auch danach ist hier so manch großartiges los: Man nehme nur das von Tamoburin, und leidenschaftlichen Streichern untermalte, getragene "As I Lay My Head Down"; die in sanfter Melancholie schwebende Folk-Perle "For 12"; den famosen und nachdenklichen Titelsong "Tamer Animals"; oder das bezaubernde und einnehmende "Old Statues". Mit "Tamer Animals" ist der Band ein andächtiges und höchst würdevolles Western-Folk-Album gelungen, dem eine ungemein zeitlose Magie innewohnt, die jeden verzaubert der sich ihr ganz hingibt. (♪♫♪)

20. GORILLAZ - "THE FALL"

Das Album "The Fall" von Damon Alabarn's Kopfgeburt, den digitalen Primaten Gorillaz, sollte es einem mit der Einordnung nicht leicht machen. Zum einen stellt sich die Frage, ob es als reguläres Studioalbum zu werten ist. Es entstand zu weiten Teilen auf einem iPad während ihrer Tournee im vergangenen Herbst (nur wenige Monate nach ihrem letztjährigen Meisterwerk "Plastic Beach), und wurde ursprünglich im Dezember letzten Jahres veröffentlicht - aber nur via Download für Mitglieder ihres Fanclubs. Der Rest der Welt musste bis zum physischen Release im April 2011 warten. Und dieser Umstand katapultiert "The Fall" dann doch in diese Liste. Und das durchaus verdient. Zwar kann es in punkto Hitdichte nicht mit seinen Vorgängern mithalten, seine Gesamtwirkung dafür allemal. Angefangen mit dem genialen und fast hypnotisierenden Instrumental "Phoner To Arizona", führt die Reise hier über das famose, getragen groovige "Revolving Doors", entlang dem schwebenden Soundkosmos von "Shy-town", durch das verstörende und von Acid-Synthesizern durchwobene Soundlabyrinth von "The Joplin Spider", machen einen Abstecher durch die schillernden Landschaften des Synthpop-Kunstwerks "Amarillo", und nach dem wunderbaren und wunderlichen "California & the Setting of the Sun", endet alles in einem kurzen Jodel-Akt unter dem Titel "Seattle Yodel". Es ist ein höchst unkonventionelles Album, im schon gar nicht mal so konventionellen Schaffen von Albarn's Primaten. Und gerade seine experimentelle Atmosphäre macht "The Fall" so unverzichtbar. (♪♫♪)

19. THE RAPTURE - "IN THE GRACE OF YOUR LOVE"

Hatte in den vergangenen Jahren noch jemand The Rapture auf dem Plan? Nach ihren spinnertern, aber hervorragenden 2 Alben hatte die Band in der Vergangenheit nicht allzu viel Eindruck bei der breiten Masse machen können. Doch mit ihrem nun 3. Album "In The Grace Of Your Love" kamen sie nahezu vollkommen überraschend aus der Deckung gehüpft, um das Feld von hinten aufzurollen. Kein Wunder, handelt es sich hierbei doch um ihr bislang bestes Album. Die Band versteht ihre Stärken besser zu bündeln und zu dosieren. Zudem arbeiten sie sich hier an einer kunterbunten Mixtur unterschiedlichster Stile ab, die bis zum Ende die Spannung aufrecht erhält. Denn sie hauen uns hier einige aberwitzige Hits um die Ohren. Allen voran schon einmal die erste Single "How Deep Is Your Love", ein discolastiger Dance-Pop-Kracher, der mit Synthie-Piano eine ausgewachsene 90er-Atmosphäre ausstrahlt. "Sail Away" eröffnet das Album als mitreißender Synthpop-Ohrfänger zum niederknien, "Come Back To Me" erweist sich als eine Art shiny Balkan-Pop, der ab der Hälfte zu mininmalistisch spacigem Synthpop mutiert, der Titelsong "In The Grace Of Your Love" macht als schillernder und hypnotischer Elektro-Indiepop eine fantastische Figur, "Never Gonna Die Again" sorgt für eine Extraportion Funk, und auf "Rollercoaster" klingen selbst käsige 80s-Gitarren wie der neueste heiße Scheiß. The Rapture machen hier so gut wie alles goldrichtig und liefern ihre bislang größte künstlerische Leistung ab. (♪♫♪)

18. JUSTICE - "AUDIO, VIDEO, DISCO"

Nachdem ihr Debütalbum "†" zurecht abgefeiert wurde, waren die Erwartungen an das französische Duo enorm. Und sie taten das beste, das sie hätten tun können: sie versuchten gar nicht erst den Sound des Vorgängers zu wiederholen. Nachdem sie auf "†" quasi den Metal clubtauglich machten, nahmen sie sich auf "Audio, Video, Disco" dem Glam- und Prog-Rock der 70er an. Sie drosselten das Tempo, wurden songorienterter, griffen auf mehr Gastsänger zurück als zuvor, und zeigten sich von einer optimistischeren Seite - aber drücken dennoch allem ihre unverkennbare Handschrift auf. Der instumentale Opener "Horsepower" ist eng verwandt mit dem Debüt-Opener "Genesis", der aber mit Glam-Wurzeln die Brücke zum neuen Sound schlägt. Und auch die Single "Civilization" lässt sich mit seiner elektrorockenden Energie in den bishergien Soundkosmos einordnen. Dann geht's los: "Canon" wird von mittlealterlichem Intro eingeführt, ehe es sich zur catchy Elektro-Prog-Rock-Hymne aufschwingt. "On'n'On" sorgt mit funky und lässig verspielter Melodie für Hittauglichkeit. Das geniale "Brainvsion" erinnert entfernt an "Flash's Theme" von Queen, und im nachfolgenden "Parade" bedienen sie sich des Beats ihres Klassikers "We Will Rock You", um damit ihre eigenen Visionen umzusetzen. Und der Titelsong "Audio, Video, Disco", sowie der dahinter versteckte, grandiose Hidden Track, runden das Album als Closer perfekt ab. Ein herausragendes Zweitwerk, und eine konsequente und gelungene Weitentwicklung. (♪♫♪)

17. NAT BALDWIN - "PEOPLE CHANGES"

Vielleicht hat schon jemand von dem letztjährigen Album "Mount Wittenberg Orca" der Band The Dirty Projectors aus Brooklyn Notiz genommen, dass sie gemeinsam mit Björk aufnahmen. Von der diesjährigen Soloplatte "People Changes" ihres Bassisten Nat Baldwin, werden dagegen wohl weitaus weniger Menschen gehört haben. Und das ist eine Schande. Denn was Baldwin auf den 7 Songs seines neuen Albums so treibt, ist schräg, wunderlich und gnadenlos schön zugleich. Wollte man es einordnen, müsste man es wohl Avantgarde-Indie-Folk-Rock nennen, den Baldwin stets mit seinem für einen hauptberuflichen Bassisten ungewöhnlich hervorragenden Gesang garniert, der sich häufig bis zum Falsett steigert. Mit purer Harmonie will Baldwin aber nichts zu tun haben. Songs wie das beinah an Antony & The Johnsons gemahnende "Real Fakes", oder die herzerweichende Folk-Ode "Lifted", sind auf den ersten Blick scheinbar höchst harmoniebedürftige Songs - würden sie nicht gen Ende zu wilden und schrägen Folk-Rumpelstilzchen mutieren. "What Is There" hingegen macht von der ersten Sekunde an klar, dass es nur eines ist: ein ultimativer Folk-Hirnfick, aber ein verdammt guter. Der Opener "A Little Lost" schwelgt als einziger Beitrag in so etwas wie durchgehender Harmonie. Und "Weights" schwillt während seiner 4 Minuten mindestens zu einem der Songs des Jahres an. Das einzig negative hier ist nur die Tatsache, dass der ganze Spaß schon nach einer halben Stunde vorbei ist. Doch was solls: "People Changes will man sich sowieso immer und immer wieder von vorn anhören. (♪♫♪)

16. FAMILY OF THE YEAR - "OUR SONGBOOK"

Als das Debütalbum "Our Songbook" von der US-Band Family of the Year Anfang diesen Jahres endlich auf das europäische Festland herüber schwappte, war es schon mehr als ein Jahr alt. So erschien es ursprünglich schon 2009 - und der größte Wermutstropfen: Vanessa Long, neben Joe Keefe die zweite Leadstimme und Co-Songwriterin, war zum Zeitpunkt der hiesigen Veröffentlichung bereits kein Teil der Band mehr. So weht mit diesen 15 Songs quasi ein Echo der Vergangenheit zu uns herüber, von einer Band, die so nicht mehr existiert. Doch wir haben ja immerhin dieses Album - und das ist auch verdammt nochmal gut so. Denn hier feiern sie den Pop in seiner schönsten Form. Wenn man sich nur etwa die fulminante Single "Psyche Or Like Scope" zu Gemüte führt: Ein atmosphärischer Indie-Pop-Hit mit einer Killer-Hookline. Doch auch daneben passiert eine Menge: "Summer Girl" bietet eine direkt zu Herzen gehende Ballade, "Treehouse" präsentiert sich als sommerlich luftiger Ohrwurm, "Charlie Song" ist ein ausgelassener Singalong mit hohem Suchtfaktor, "Intervention (Staple Jeans)" offenbart eine verführerische und bittersüße Pop-Ode, und "I Played Drums On This" bezirzt als emotionale Ballade die unter die Haut geht. Hier wird zwar das Rad nicht neu erfundent, aber der Pop in all seiner Schönheit und Pracht zelebriert. Und allein dafür muss man sich einfach in dieses Album verlieben. (♪♫♪)

15. THE SOFT MOON - "THE SOFT MOON"

Es ist kaum in Worte zu fassen was der Amerikaner Luis Vasquez mit seiner One-Man-Show The Soft Moon in diesem Jahr für ein wunderliches und berauschendes Debütalbum vorgelegt hat. Nachdem er zuvor zwei 7"s veröffentlichte, war es nun an der Zeit für das erste Album, mit dem schlichten Titel "The Soft Moon". Doch was sich dahinter verbirgt ist alles andere als schlicht. So gleitet er von einem Stil in den anderen - ob New Romantic, Post-Punk, Noise-Elemente, Psychedelia oder Dark Wave. Aus all dem baut er hier über 11 Songs eine dunkle, pulsierende und berauschende Einheit, mit der er zeitweilig gar den Geist von Joy Division herauf beschwört. Möge der Mainstream- und Formatradio-Fan sich doch die Zähne daran ausbeißen. Dem Rest von uns wird diese Platte wie ein sonderbarer, mitreißender und bewusstseinserweiternder Trip vorkommen, der einen immer tiefer in seinen Bann zieht. Ein Trip, bei dem man nie weiß, was als nächstes passieren wird. So klingt schon der Opener "Breathe The Fire" mit seinen klaren Gitarrenakkorden und den trommelnden Beats, als hätte man The Drums in dunkle und atmosphärische Soundsphären gebeamt. "Cirlces" kommt mit seinen unterkühlten Industrial-Elementen und verzerrt sägenden Gitarren-Attacken, nah an das Level von Portishead. Das grandiose "Out Of Time" behauptet sich als bedrohlich schwebende Dark-Wave-Hymne, das amtosphärische und bedrogte "When It's Over" ist nicht allzu weit von The XX entfernt, "Sewer Sickness" lebt von düster-monotoner Klangstruktur, die von schrillen Gitarren attackiert wird, und "Into The Depths" zeigt sich als von maschinellem Rhythmus begleiteter, gespenstischer Dark-Wave. Ein auf gewisse Weise psychotisches und verstörendes, jedoch zugleich unheilvolll betörendes Meisterstück, dass mit jedem Mal mehr fesselt. (♪♫♪)

14. PEAKING LIGHTS - "936"

Wenn es in diesem Jahr eine Platte gab, dessen Magie und Qualität nahezu unmöglich in würdige Worte zu fassen war, dann war dies "936", das Debütalbum von Peaking Lights, wohinter sich ein Ehepaar aus Wisconsin verbirgt. Viel gibt es über Indra Dunis und Aaron Coyes noch nicht in Erfahrung zu bringen. Und ebenso geheimnisvoll dieses Duo auf den derzeitigen Hörer wirken müssen, so nahezu surreal offenbart sich auch ihre gemeinsame Musik. Das was sie auf den hier vorliegenden 8 Songs so treiben, kann man nur händeringend als avantgardistischen Psychedelic-Lo-Fi-Dub-Pop bezeichnen. Und auch damit ist nur unzulänglich umrissen, was sich hier für Eindrücke eröffnen. So zeichnet sich "Tiger Eyes" mit schleppenden Beats, groovendem Bass und einer bezaubernden Melodie aus, und paart dies alles nochmal mit ordentlich bedrogtem Psych-Pop-Appeal. "Marshmellow Yellow" kommt mit klöppelnden Elektro-Beats und herrlich verwaschener Soundästhetik daher, "Summertime" und "All The Sun That Shines" sind kunstvoll bekiffte Dub-Sommerhits aus einer anderen Dimension, und im schwindelerregend wunderbaren "Amazing & Wonderful" ist der Songtitel Programm. Man sollte aber nicht zuviel Zeit damit verbringen, diese Musik analysieren oder kategorisieren zu wollen. Man sollte sie einfach nur erfahren, sich in ihr fallen, von ihr tragen lassen. Und selbst wem ihr Debüt anfangs noch zu verkopft erscheinen mag, der wird sich auch irgendwann nicht mehr gegen diese erhabene und unwirkliche Schönheit wehren können. Und vielleicht haben auch jene irgendwann das Glück zu erkennen, dass quasi jeder Song auf "936" ein Hit ist. (♪♫♪)

13. JAY-Z & KANYE WEST - "WATCH THE THRONE"

Das Kanye West stetig für grandiosen HipHop sorgt, muss man wohl fast ebenso wenig erwähnen, wie das die Beatles unfassbar wichtig waren. Jedes Kind weiß es, und wenn doch nicht, besteht dringender Nachholbedarf. Und warum dann nicht gleich mit seinem aktuellsten Werk "Watch The Throne" anfangen, einer Album-Kollaboration mit Kollege und HipHop-Schwergewicht Jay-Z. Und das Mr. West hier so deutlich hervorgehoben werden muss, liegt ganz allein in der Tatsache, der er hier offensichtlich den kreativen Mörderanteil beigesteuert hat. Und seine Genialität, die im letzten Jahr mit dem HipHop-Meilenstein "My Beautiful Dark Twisted Fantasy" seinen bisherigen Höhepunkt erreichte, ist auch auf "Watch The Throne" keine Grenzen gesetzt. So wirft der geniale Opener "No Church In The Wild" schon mit hervorragenden Samples um sich, ohne das man es merkt.. Doch West soll sein Talent für hervorragend gesetzte Samples noch auf die Spitze treiben. Im famosen Ohrwurm "Otis", ist der hier besungene Otis Redding auch stimmlich allgegenwärtig. Und im großartigen und melancholischen "New Day" macht er sich Nina Simone's unsterblichen Klassiker "Feeling Good" ganz zu Eigen. Und auch sonst passiert hier eine Menge großartiges: Das fabelhafte und ultimativ hitverdächtige "Lift Off" mit Beyoncé Knowles, oder das geniale "Niggas In Paris", dass vom typischen und minimalistischen HipHop urplötzlich in sphärische und nachdenkliche Sphären abtaucht. Und auch Highlights wie das hochgradig eingängige "That's My Bitch", auf dem auch Justin "Bon Iver" Vernon und Elly "La Roux" Jackson zu hören sind. Und so zementiert Kanye West hier wieder einmal seinen verdienten Anspruch auf den HipHop-Thron. Lang lebe der König. (♪♫♪)

12. SON LUX - "WE ARE RISING"

Wer seine Lieblingsmusik nicht vornehmlich im Formatradio findet, der hat im Jahr 2011 durchaus Geschmack an dem Debütalbum "We Are Rising" des US-Künstlers Ryan Lott alias Son Lux finden können. Mehr noch: Man kann dieses Album nahezu lieben. Denn was manchem vielleicht wie ein musikalischer Hirnfick anmuten wird, ist doch in Wirklichkeit vielmehr ein Album voller Hits. Man muss sie eben nur finden. Schon der Opener "Flickers" offenabrt sich als wunderbar melodisches, entrücktes Singer-Songwriter-Juwel, das sich sich in einem elektronisch-akustischen Klangkosmos verliert. Danach vereint er auf "All The Right Things" einen Folkpop-Song mit schleppenden Elektrobeats, schillernden Synthesizern, und eingewobenen Flöten und Bläsern. Doch spätestens der 3. Song sollte einen unmittelbar unter die Decke katapultieren: Die großartige Synthpop-Hymne "Rising", in dem sich Glockenspiel, zarte Streicher, Flöten und sich weit in den Himmel schraubende Synthesizer ausbreiten - und gen Ende genial von einem gegenläufigen Rhythmus sabotiert wird. Auf "Claws" liefern sich melancholisches Pianospiel, Elektro-Beats, und schräge Klangeffekte einen großartigen Schlagabtausch. Und im herausragenden "Let Go", entsteigen hymnische Chöre einem Soundgewand aus Breakbeats, Synthesizern und Klarinetten. Ein fast schon hypnotisches Album - eines in dem man jedes Mal neue Facetten erkennt. "We Are Rising" ist ein Album, dass einen mit Sicherheit noch lange beschäftigen wird. (♪♫♪).

11. DANGER MOUSE & DANIELE LUPI - "ROME"

Danger Mouse hat es wieder einmal geschafft uns zu überraschen. In der Vergangenheit hatte er Jay-Z und die Beatles auf einen gemeinsamen Nenner gebracht, die Gorillaz hoch in die Charts produziert, oder selbige mit seinen Projekten Gnarls Barkley oder Broken Bells gestürmt. Ganz zu schweigen vom Meisterwerk "Dark Night of the Soul", dass er gemeinsam mit Sparklehorse und der Créme de la Créme des internationalen Indie umsetzte, und letztes Jahr in dieser Liste die Pole Position einnahm. In diesem Jahr tat er sich mit dem italienischen Komponisten Daniele Lupi zusammen, und machte ein Album über die Ewige Stadt Rom - und ließ sich dabei musikalisch vor allem durch Spaghetti-Western á la Ennio Morricone inspirieren. Das ist ihm herausragend geglückt - auch durch die hervorragende Wahl der Gastsänger, die Stücke von "Rome" schmücken. Zum einen Jack White (White Stripes) der etwa das famose und melancholische "The Rose With a Broken Neck", oder den intensiven Psychedelic-Western "The World" vertont. Und als weiblicher Gegenpart steht ihm Norah Jones gegenüber. Bei all ihrem langweiligen Kaffeehaus-Jazz der Vergangenheit, konnte man fast vergessen, was für eine famose Sängerin sie sein kann, wenn die Rahmenbedingungen stimmen. Und das stellt sie auf der herrlichen und zärtlich schwebenden Perle "Season's Trees", oder dem unwiderstehlichen Ohrwurm "Problem Queen" eindrucksvoll unter Beweis. Doch ebenso grandios gelangen auch die instrumentalen Stücke, die das Konzept des Albums so großartig in Szene setzen, das Gesang beinah schon wieder stören würde. Doch am Ende ist es eben das Gesamtwerk, dass einen mit Leib und Seele fesselt. Ein Album das mehr ist, als die Summe seiner Teile. (♪♫♪)

10. LADY GAGA - "BORN THIS WAY"

Was Stefanie Germanotta alias Lady Gaga, dieses kunstvoll inszenierte Zwitterwesen aus David Bowie, Andy Warhol und Madonna, mit ihrem Debüt "The Fame" und dem Appendix "The Fame Monster" so anstellte, war schon allerhand. So gilt es vielen gar als das beste Dance-Album der 00er. Die Erwartungen an den Nachfolger waren entsprechend enorm. Und als Gaga in diesem Frühjahr dann endlich das heiß erwartete "Born This Way" nachlegte, war klar: Hiermit haben wir es mit dem bislang besten Dance-Album der neuen Dekade zu tun. Denn bei genauer Betrachtung, kann ihr Zweitwerk sogar das famose Debüt in die Tasche stecken. Ausgereifter, in sich schlüssiger und innovativer klingt das neue Material. Los geht es bereits mit einem Knall: Die neue und 5. Single "Marry The Night" (♪♫♪) gibt den Startschuss als mitreißende Dance-Pop-Hymne, die auf 90s-typischen Synthesizern reitet. Der Titelsong "Born This Way" (♪♫♪) ist ein famsoer Elektropop-Hit, der bewusst die Nähe zu Madonna's "Express Yourself" sucht. Und auch das eher balladeske "Bloody Mary" (♪♫♪) ist deutlich als Verneigung vor der Queen of Pop zu werten. Der Ohrwurm "Judas" liefert ein grandioses Selbstzitat (siehe "Bad Romance"), mit "Scheiße" (♪♫♪) serviert sie uns einen spinnerten und genialen Kracher, der deutsche Textpassagen und technoide Elemente vereint, und "Hair" (♪♫♪) oder "Highway Unicorn (Road to Love)" (♪♫♪) geben potentiell ebenso große Dancefloor-Kracher ab, wie auch das fabelhaft 90s-typische "The Edge of Glory" (♪♫♪) einer ist. Und "Yoü & I" (♪♫♪) Ein von vorn bis hinten elektrisierendes Dance-Pop-Album, dass ihr endgültig das Anrecht auf den Thron der Queen of Pop sichert.

9. THE STROKES - "ANGLES"

Die Strokes haben eine bewegte Karriere hinter sich. Am Anfang stand das Debütalbum "Is This It", mit dem sie das wohl wichtigste Rockalbum seit "Nevermind" auf die Welt losliessen, um die Vertreter des Nu-Metal in die Löcher zurück zu schicken, aus denen sie einst gekrochen waren. Ihr Zweitwerk "Room On Fire" kam dann auch noch verdammt geil rüber, klang aber doch ein wenig sehr wie...tja...der Vorgänger. Aus dieser Misere wollten sie mit ihrem 3. Album "First Impressions of Earth" ausbrechen - was dann aber doch ein wenig verkrampft und richtungslos anmutete. Als dann Frontmann Julian Casablancas sein Solodebüt "Phrases for the Young" vollkommen gegen die Wand fuhr, traute man bei aller Liebe auch den Strokes nur noch wenig zu. Als sie jedoch in diesem Jahr endlich ihr 4. Studioalbum nachlegten, hätte die Überraschung kaum größer sein können. Auf "Angles" wirkt die Band aus New York plötzlich wie ausgewechselt. So frisch und kreativ waren sie seit ihrem Debüt nicht mehr - und bieten dabei eine größere Stilvielfalt als auf selbigem. Einiges hier geht aber deutlich back to the roots, wie schon die grandios rockende erste Single "Undercover of Darkness" (♪♫♪) zeigt, die auch auf dem Debüt eine gute Figur gemacht hätte. Aber auch das nachdenkliche "Call Me Back" (♪♫♪), oder die hymnisch mitreißende Single "Taken For a Fool" (♪♫♪), passen hervorragend in dieses Konzpet. Doch immer wieder greifen hier neue Stilrichtungen um sich. "Games" (♪♫♪) ist ein getragenes und großartiges New-Wave-Juwel, der Opener "Machu Picchu" verbindet ähnliche Einflüsse mit einem grandios typsischen Strokes-Ohrwurm, und das düstere "Metabolism" (♪♫♪) klingt ein wenig wie Muse in verdammt gut. Und am Ende vereint sich all dies zu einem großartigen Gesamtwerk, dass ihrem Debüt fast auf Augenhöhe begegnet. This is it!

8. BON IVER - "BON IVER"

Justin Vernon alias Bon Iver ist ein umtriebiger Künstler - auch wenn die wenigstens einen solchen in der Folk-Szene zu suchen pflegen. Denn nachdem er mit seinem Debüt "For Emma, Forver Ago" ein intimes und filigranes Folk-Juwel erschaffen hatte, tat er sich im letzten Jahr mit niemand geringerem als Kanye West zusammen, auf dessen letztjährigen Meisterwerk "My Beautiful Dark Twisted Fantasy" er bei mehreren Songs mitwirkte. Und diese vollkommen anderen musikalischen Erfahrungen, haben sich auch auf sein schlicht "Bon Iver" betiteltes Zweitwerk ausgewirkt. Natürlich steht hier wieder der Folk im Mittelpunkt, in all seinen herzschmelzenden und melancholisch-schönen Variationen. Doch dieser strahlt immer wieder in die unterschiedlichsten Richtungen. So wird der Opener "Perth" (♪♫♪) mit eindringlichen Gitarrenparts und sanften Marschtrommeln zu einem grandiosen Auftakt, der großes erahnen lässt. Das veträumte "Minnesota, WI" (♪♫♪) spielt mit sanft Gitarren Saxophonen und Synthesizern, "Hinnom, TX" (♪♫♪) schwebt als schwerelos atmosphärische Ballade durch den Raum, "Towers" (♪♫♪) strahlt mit seiner erhabenen Melodie eine zeitlose Magie aus, das sich langsam aufbauende "Calagary" (♪♫♪) geht ohne Anlauf direkt unter die Haut, und zum Finale krönt er das alles noch mit "Beth/Rest" (♪♫♪), einer himmlischen und stark 80s-infizierten Ballade. Ein nahezu atemberaubendes Werk ist ihm da mit "Bon Iver" gelungen. In Worten lässt sich das nur überraschend schwer umschreiben - man muss sich nur einmal ganz fallen lassen, in diesen 10 großartigen Songs. Und es wird einem verdammt schwer fallen, sich nicht in sie zu verlieben. Womöglich der größte Folk-Pop-Moment des Jahres!

7. FEIST - "METALS"

Den meisten ist die kanadische Künstleirn Leslie Feist wohl als erstes durch Apple begegnet - als diese vor wenigen Jahren ihren Song "1234" via iPod-Werbung zum Hit machten. Ihr dazugehöriges und letztes Album "The Reminder" bot dazu ein hervorragendes Folk-Pop-Werk, dass Lust auf mehr machte. Doch Feist versuchte nicht, durch ein schnell hinterher geschossenes Album ihren plötzlichen Erfolg zu zementieren - sie legte stattdessen eine Pause ein. Nun 4 Jahre später, als man sie fast schon wieder vergessen hatte, kam sie mit ihrem 4. Studioalbum "Metals" zurück - und man ist ihr mehr als dankbar für diese Entscheidung! Denn wer erst einmal begriffen hat, welch Größe und Erhabenheit ihr neuestes Werk ausstrahlt, der wird sich gewiss sein: etwas besseres hat man von Feist bisher noch nicht gehört. Dabei setzt sie nicht auf Experiemente, sonder auf Beständigkeit. Auf Minimalismus und echte, pure Emotionen. All das besitzt "Metals'" und noch viel mehr. Von dem gravitätischen, folkigen Opener "The Bad In Each Other" (♪♫♪), der klagenden und episch emotionalen Ballade "Graveyard" (♪♫♪), über den stimmungsvollen Folk-Ohrwurm "How Come You Never Go There" (♪♫♪) oder das zauberhafte und warme "The Circle Married The Line" (♪♫♪), bis hin zur melancholischen und traurigen Singer/Songwriter-Perle "Anti-Pioneer" (♪♫♪), oder dem vertäumten Closer "Get it Wrong, Get it Right" (♪♫♪). So machte sie aus "Metals" ein majestätisches und dennoch höchst intimes Album, dass Erinnerung an den Folk der späten 60er und frühen 70er Jahre weckt. Ein klassisches, im besten nur denkbaren Sinne zeitloses Album, dass mit ein wenig Glück uns alle überleben wird. Wunderbar.

6. KATE BUSH - "50 WORDS FOR SNOW"

Wer hätte noch Anfang diesen Jahres gedacht, dass Kate Bush zum Ende des selbigen, mit ihrem ersten neuen Album nach 6 Jahren kommen, und prompt das Feld von hinten aufrollen würde. Wobei man hier differenzieren muss: Viel mehr hätte man nicht erwartet, dass überhaupt ein neues Album erscheinen würde. Das ein neues Werk jedoch von hoher Qualität gesegnet sein würde, hätte wohl niemand bezweifelt, der ihres Schaffens kundig ist. Hatte sie doch 2005 mit "Aerial" erst nach 12jähriger Abstinenz wieder mal ein Meisterstück geschaffen, dass einem heute noch in den Ohren klingt. Dem ließ die Künstlerin nun endlich ihr neuestes Album "50 Words For Snow" folgen. Doch sie liefert hier nicht den großen, pathetischen Auftritt, sondern schöpft ihre Kraft aus der Ruhe. Ein stilles Epos ist ihr neues Album geworden, dass man ohne zu übertreiben als ein weiteres Meisterwerk betiteln kann. Genau genommen ein Konzeptwerk über den Schnee und den Winter. Der wunderbare Titelsong "50 Words For Snow" (♪♫♪) bezieht sich auf den Mythos, dass die Eskimos 50 Wörter für Schnee kennen. Und die reimt sich sich, gemeinsam mit Gaststimme Stephen Fry, selbst zusammen, wobei manch wunderbare als auch wunderliche Wortkreationen entstehen. Die zeitlose und fantastische erste Single "Wild Man" (♪♫♪) zeigt sich als Ode an den Yeti, das 14minütige, intime Pop-Kunstwerk "Misty" (♪♫♪) kündet von einer erotischen Begegnung zwischen einer Frau und einem Schneemann (!), und "Snowed In At Wheeler Street" (♪♫♪) offenbart sich als prachtvolles Duett mit Elton John, dass sich zusehends zur Hymne erhebt. "50 Words For Snow" ist nicht weniger als ein meisterliches Album von entrückter Schönheit, dass uns nicht nur den Winter zu versüßen vermag. Und wenn bis zu ihrem nächsten Werk wieder einmal Jahre vergehen sollten, so werden wir uns bis dahin immer noch dieses stille Pop-Juwel innig ans Herz drücken.

5. RADIOHEAD - "THE KING OF LIMBS"

Es gibt nur sehr wenige Bands, die über zig Jahre hinweg beständig hohe künstlerische Qualität abliefern. Eine dieser wenigen sind Radiohead - weil sie Musik als eigene Kunstform betrachten, nicht als Mittel zum Zweck. Selten hat man eine Band erlebt, die so radikal die Erwartungen und Traditionen von Hörern und Plattenfirmen sabotierte. Das machten sie auch wieder einmal mit ihrem nunmehr 8. Studioalbum "The King of Limbs" deutlich. Nur 3 Tage vor seinem erscheinen wurde das Album von der Band via Internet angekündigt, mit den schlichten Worten: "Thank you for waiting!" Und mit nur 8 Songs bei einer Spieldauer von gerade einer guten halben Stunde, wurden wohl vor allem im Mainstream beheimatete Kunden noch mehr irritiert. Und damit machten sie eigentlich genau das richtige: Lieber 8 sehr gute Songs, als den Gesamteindruck durch zusätzliches Füllmaterial mindern. So bleibt "The King of Limbs" eine kurze und schlüssige Angelegenheit - und eben eine verdammt gute. Doch nicht die überbordenden Experimente sind es, die ihr neuestes Studiowerk so gleungen machen - der Sound den sie uns hier kredenzen, ist mittlerweile zu einem archetpyischen Sound der Band geworden. Hier macht nicht der Überraschungseffekt den Ausschlag, sondern die Beständigkleit mit der sie uns hier ihr - man muss es so sagen - 7. Meisterwerk in Folge darbieten. Es beginnt mit dem hypnotischen, von organisch kreiselnden Beats unterlegten Pop-Kunstwerk "Bloom" (♪♫♪), führt über das von Stakkato-Gitarren und elektronischen Spielereien geprägte "Morning Mr. Magpie" (♪♫♪), das wunderbar groovige und eingängige Stück Art-Pop "Lotus Flower" (♪♫♪), das erhabene und mit dem "Pyramid Song" eng verwandte, tieftraurige "Codex" (♪♫♪), und die würdevolle und sphärische Ballade "Giving Up The Ghost" (♪♫♪), und endet mit dem famosen Closer "Seperator" (♪♫♪). Radiohead zeigen einmal mehr die Kunstwerdung des Pop und setzen ihre ungebrochene Reihe von herausragenden Alben fort.

4. JAMIE WOON - "MIRRORWRITING"
Viel wusste man Anfang diesen Jahres nicht von Großbritanniens neuestem "Woonderkind". Was man über ihn wusste: Jamie Woon, 28-jähriger Musiker und Absolvent der renommierten London School For Performing Arts & Technology, von dem schon der ein oder andere Clip über Youtube flimmerte - und vom BBC schon Ende letzten Jahres als einer der Newcomer für 2011 vorhergesehen wurde. Und mit ihm gab es dieses Jahr einen weiteren Newcomer, der dem Post-Dubstep zum Durchbruch verhalf. Das machte er schon im vergangenen Jahr mit der ersten Single deutlich: Der atmosphärisch getragenen Perle "Night Air" (♪♫♪). Doch sie zeigte auch ebenso deutlich, dass er sich nicht einzig dem Dubstep widmet. Auf seinem Debüt "Mirrorwriting" sind die unterschiedlichsten Einflüsse allgegenwärtig. So strahlt etwa "Street" (♪♫♪) mit verträumter Melodie und schwebenden House-Elementen. "Lady Luck" (♪♫♪) gibt formvollendet zu Protokoll, wie der RnB von heute zu klingen hat - und hätte auch Michael Jackson hervorragend zu Gesicht gestanden. Das soft elektronische "Shoulda" (♪♫♪) ist nicht weniger als eine erhabene Art-Pop-Ballade die sich tief ins Bewusstsein gräbt. "Spirit" (♪♫♪) erweist sich mit trommelnden Beats, schwebender Elektronik, Chören und Dubstep-Elementen, als majestätische Pop-Offenbarung. "Spiral" vermischt ätherische Elemente mit Akustikgitarre, und "Gravity" geht als schwerelose Ballade unter die Haut. Es fehlen fast die Worte die Wirkung dieser 12 Songs zu umschreiben - sie strahlen ihre ganz eigene Energie und Atmosphäre aus. Und haben dabei keine schwache Sekunde zu bieten. Wer sich in diese Platte nicht verliebt, der trägt statt eines Herzens einen Stein in seiner Brust.

3. BJÖRK - "BIOPHILIA"

Ein wenig hatte man Björks überschäumende Kreativität, die sie in der Vergangenheit vor allem mit eher an Konzeptalben gemahnenden Werken zeigte, schon vermisst. Das letzte seiner Art in ihrem Backkatalog war "Medulla" aus dem Jahre 2004. Der 2007er Nachfolger und ihr bislang letztes Album "Volta", war indes ein eher zweischneidiges Schwert, dass die Größe seines Vorgängers nicht erreichen konnte. Einige Jahre war es nun recht still um die isländische Pop-Elfe. Doch in 2011 kam sie mit ihrem neuesten Projekt des Weges, dass wieder voll und ganz an die früheren Qualitäten anknüpfen konnte: "Biophilia" offenbarte sich als eine Art audio-visuelles Gesamtkunstwerk, und darf sich stolz das erste "App-Album" der Welt schimpfen. In Zusammenarbeit mit Apple stellt das Album eine Serie von interaktiven Apps dar, auf die der Nutzer selbst eingreifen, und die Songs nach belieben zum Teil auch komplett verändern kann. Doch natürlich gibt es auch das klassische physische Album, dem Björk hiermit nicht den Todestoß versetzen will. Und das ist auch gut so - denn auch wenn die Songs ihrer fabelhaften Apps beraubt sind, verlieren sie nichts von ihrer Magie, Tiefe und Eindringlichkeit. "Moon" (♪♫♪) verzaubert zum Einstieg schon mit zärtlich gezupften Harfen, "Thunderbolt" (♪♫♪) wird von großartig minimalistischen Sequenzern beherrscht, die fantastische Single "Crystalline" (♪♫♪) wird von Celesta-Klängen begleitet, ehe sie von wirbelden Elektrobeats sabotiert wird, die wundervoll glöckelnde Ballade "Virus" (♪♫♪) ist so ansteckend wie ihr Titel, und "Mutual Core" (♪♫♪) wäre in einer besseren Welt ein Hit. Björk ist wieder ganz bei sich, und mit "Biophilia" fügt sie ihrem Backkatalog ein weiteres essentielles Meisterwerk hinzu.

2. PJ HARVEY - "LET ENGLND SHAKE"

Von PJ Harvey war man in der Vergangenheit doch eher gewöhnt, dass sie sich in ihren Texte vorzugsweise um eigenes Seeleheil kümmerte. Auf ihrem 10. Studioalbum "Let England Shake" kümmert sie sich hingegen um ihr - wie der Titel schon sagt - Heimatland England. Ein geschichtsträchtige und stolze Nation, der sie aber hier nicht ein Album voller Lobgesänge widmet. Vielmehr besingt sie eine Nation, die in ihrer Geschichte viel zu lang und zu oft Krieg führte - auch gegen den Terror. Eine Nation, die vor allem eines hinterliess: Waisen. Und wie die Historie Englands es vormachte, kann es auch in den Texten zu ihrem neuen Album schonmal ziemlich blutig werden. Ein Thema wie gemacht für ein so herausragendes Konzerptalbum, wie PJ Harvey es hier schuf. Denn musikalisch setzte sie dies in einem Dutzend großartiger Songs um, die tief im Folk verwurzelt sind, aber immer wieder dem Indie-Pop und dem Singer/Songwriter-Fach die Hand reichen. Der Sound ist nicht mehr so düster wie zuletzt, dafür spürt man das Unheilvolle im Hintergrund lauern, stets verzerrt von wunderbaren Meoldien, die sich aber jederzeit in tief melancholische Abgründe stürzen können. Das zeigt schon der Opener und Titelsong "Let England Shake" (♪♫♪) - eine Art abgedunkelter, aber wunderbar melodischer Psychedlic-Folk-Pop. Das getragene und fast epische "The Glorious Land" (♪♫♪) wird von dem Rhythmus entgegen arbeitenden Trompetenfanfaren begleitet, als würde die Kavallerie zum Angriff blasen. Die grandisoe erste Single "The Words That Maketh Murder" (♪♫♪) kann mit beherzten Handclaps, bedrogten Surfgitarren und softem Bläsereinsaz dienen. Das absolut zauberhafte "On Battleship Hill" (♪♫♪) gibt sich als nahezu berauschende Ballade, und "In The Dark Places" (♪♫♪) bietet melancholisch klagenden, aber dennoch schwungvollen Folk-Rock. PJ Harvey ist mit "Let England Shake" ein wahres Meisterwerk gelungen, dass bei wiederholtem hören immer mehr und mehr an Intensität gewinnt.

1. JAMES BLAKE - "JAMES BLAKE"Schon zu Beginn diesen Jahres wurde hier an anderer Stelle geraten, dass man sich den Namen James Blake merken sollte. Doch das war gar nicht nötig - so konnte sich das Debütalbum "James Blake" des 22jährigen britischen Wunderkindes nicht einfach nur gut halten, viel mehr wuchs es beständig immer weiter über sich hinaus, bis es schließlich alles andere des Jahrgangs 2011 gnadenlos überstrahlte. Und das schafft er mit seiner höchst eigenwilligen, aber wundersam betörenden Mischung aus Post-Dubstep, Electronica, Pop und Soul - getragen von seinen wunderbaren und zerbrechlichen Vocals, die er auch gerne mal mit Effekten verzerrt. Und welche erhabenen Momente er damit immer wieder erreicht, wie er aus all dem ein Anfangs schwer greifbares, aber mit jedem Versuch weiter reifendes Werk erschafft, konnte man in diesem Jahr nirgendwo anders in solchem Ausmaß erleben. The XX, die essentiellsten Newcomer 2009, nennt der Künstler selbst als entscheidenden Einfluss für sein Album - was vor allem in dem Minimalismus und der Intensität seiner Kompositionen seine Berechtigung findet. Und auch darin, dass beide mit ihren Erstlingswerken das jeweils beste Album ihres Jahrganges vorlegten. Doch Blake geht hier vor allem seine ganz eigenen Wege, an weiteren Versuchen der Vergleiche oder der Kategorisierungen, dürften sich selbst erfahrene Musikexperten die Zähne ausbeißen. Man höre nur was er hier alles zaubert. Die Kontraste seines Schaffens zeigt er besonders deutlich in "I Never Learned To Share" (♪♫♪), dass als fragile Acapella-Ballade beginnt, stetig an Intensität und Tiefe gewinnt, und schlußendlich in einem fast verstörend elektronischen Rausch gipfelt. Mit dem Opener "Unluck" (♪♫♪) gibt er eine kunstvolle und wunderbare Ballade zum Besten, die er mit soften Elektrobeats und spärlichen Synthieflächen untermalt. "The Wilhelm Scream" (♪♫♪) offenabrt sich als melancholischer und düster schwebender Electro-Psych-Pop, für den das Wort Meisterstück gerade gut genug ist. Den meisten da draußen wird aber wohl am ehesten die erste Single geläufig sein: sein wundervolles Feist-Cover "Limit To Your Love" (♪♫♪), dass er sich mit wundervoll elektronischen Spielereien ganz und gar zu Eigen macht. Es ist beinah unmöglich das Debütalbum dieses jungen Nachwuchs-Genies zu beschreiben, ohne das Wort "Kunstwerk" in den Mund zu nehmen. Denn es ist eben dieses - ein Mosaik, dass aus einer Vielzahl unterschiedlichster und gegensätzlichster Fragmente besteht, und in seiner ganzen Fülle ein schlüssiges (ja, hier ist es wieder:) Kunstwerk bildet. Ein Album das uns noch beschäftigen wird, wenn vieles anderes nur noch eine ferne Erinnerung ist. Und wenn nicht viel schief geht, dann kann das, was James Blake hier vorlegte, nur eines sein und nichts anderes: eine strahlende Aussicht auf die Zukunft des Pop.

Besprochen: AMY WINEHOUSE - "LIONESS: HIDDEN TREASURES"

2011-12-06T22:48:00.000+01:00

Das erste posthume Album von Amy Winehouse, wirft einen würdevollen Blick auf das Schaffen der wohl größten Stimme unserer Zeit.

Bei posthumen Veröffentlichung kann man sich in der Regel eines gewissen bitteren Beigeschmacks nicht erwehren. Die Frage, ob der verstorbene Künstler es so gewollt hätte, schwebt ständig im Raum. Wenn es dann noch pünktlich zum Weihnachtsgeschäft erscheint, nährt dies zudem den Vorwurf, dass es mal wieder nur um die liebe Kohle geht. Doch bei "Lioness: Hidden Treasures", dem ersten posthumen Album der in diesem Jahr mit nur 27 Jahren verstorbenen Amy Winehouse, kann man eine deutliche Entwarnung geben. Hierbei handelt es sich nämlich nicht um ein lieblos zusammen geschustertes 3. Studioalbum der Retro-Soul-Diva, sondern um eine Compiltation unveröffentlichter Aufnahmen, die zwischen 2002 und 2011 entstanden, und somit ihre gesamte Karriere beleuchten. Anhand dieser würdevollen Auswahl hervorragender Songs, lässt sich die Wandlung der Amy Winehouse direkt auf der heimischen Couch nachzeichnen. Den ältesten Beitrag, das liebliche und unschuldige, mit mädchenhaftem Charme vorgetragene "The Girl From Ipanema" (♪♫♪), nahm Amy im zarten Alter von 18 Jahren auf. Der jüngste Song, die bezaubernde Jazz-Ballade "Body & Soul" (♪♫♪), die Anfang 2011 im Duett mit Tony Bennett entstand, zeigt dagegen eine scheinbar um Jahrzehnte gereifte Sängerin, die trotz aller Drogen und allem Alkohol, noch immer alle Konkurrentinnen locker in die Tasche stecken konnte. Und auch was dazwischen entstand, präsentiert das Andenken an eine große Künstlerin, die sich stets mit den ganz großen im Soul messen konnte. "Our Day Will Come" (♪♫♪), im Original von Ruby & The Romantics aus dem Jahr 1963, eröffnet das Album mit einer zeit- und schwerelosen Soul-Ode. "Tears Dry" (♪♫♪) stellt die ursprüngliche Version ihres Hits "Tears Dry On Their Own" dar, allerdings entschleunigt auf eine herzerweichende Ballade, die sogar die offizielle Version überstrahlt. "Like Smoke" (♪♫♪) verbindet großartigen Retro-Soulpop, mit gelungenen Rap-Einlagen von Nas. "Halftime" (♪♫♪) präsentiert sich als sonniger und entspannter Soul mit Tiefenwirkung. "Best Friends, Right?" kann als zeitloser und verträumt tänzelnder Klassiker prahlen. Und das Finale bestreitet ihre Version von Leon Russell's "A Song For You" (♪♫♪) - und sie machte daraus nicht weniger als eines der strahlendsten Momente dieses Albums. "And when my life is over, remember when we were together", singt sie zum Ende des Songs. Und "Lioness: Hidden Treasures" erinnert uns an diese leider viel zu kurze Zeit, die wir mit ihr hatten. Und es verdeutlicht uns zudem noch einmal mehr, dass mit ihr eine der größten Stimmen unserer Zeit von uns ging. Jetzt schon eine Legende.

Besprochen: MARY J. BLIGE - "MY LIFE II...THE JOURNEY CONTINUES (ACT 1)"

2011-11-26T19:01:00.000+01:00

Mit dem Sequel ihres Erfolsalbums "My Life" verliert sich die RnB-Diva vor allem in solider Langeweile.

Ohne Zweifel hat sich Mary J. Blige seit den frühen 90ern einen guten und verlässlichen Namen in der amerikanischen Black-Music erspielt. Auch wenn sich ihr Kernpublikum damals wie heute wohl am ehesten in ihrer Heimat wieder findet, so konnte sie über die Zeit auch jenseits des großen Teichs immer wieder auf offene Ohren stoßen. Sogar in den letzten Jahren gab es da manch erfreuliches zu hören. "The Breakthrough" war 2005 ein recht gelungenes Album, dass mit "Be Without You" und dem U2-Duett "One" zwei großartige Hits hervor brachte. Und auch der 2007er Nachfolger "Growing Pains" konnte sich sehen und hören lassen. Nachdem dann in der Zwischenzeit ihr letztes Album "Stronger With Each Tear" irgendwie unterging, ist die RnB-Lady nun mit ihrem 10. Studioalbum am Start. Und damit hatte sie scheinbar großes vor. Denn dem Titel nach ist "My Life II...The Story Continues (Act 1)" ein Sequel ihres hoch gelobten zweiten Albums "My Life" aus dem Jahr 1994. Doch waren bei diesem Bezug auf ihr einstiges Erfolgsalbum künstlerische Inspiration, oder doch eher kommerzielle Überlegungen im Spiel? Hört man die erste Single "25/8" (♪♫♪), möchte man an die erste These glauben - denn schafft sie es hier tatsächlich, aus im Grunde unspektakulärem RnB einen echten Hit zu drehen, der einem mit jedem hören etwas länger im Gehörgang hängen bleibt. Bei weiterem Fortschreiten der Tracklist ihres neuen Longplayers, kommt aber doch eine gewisse Ernüchterung auf. Denn wenn man etwas als offizielles Sequel eines umfeierten Werkes anpreist, gibt man sich unmittelbar dem direkten Vergleich hin. Und dem kann "My Life II..." nicht stand halten. Wurde der Vorgänger hauptsächlich von P. Diddy (damals noch Puff Daddy) produziert, was dem Album ein durchgehend roten Faden verlieh, werkelten nun am Nachfolger gleich mehr als ein Dutzend namhafter Produzenten und Songwriter, plus einer obligatorischen Riege von Gastvokalisten. Bis auf das verunglückte und uninspirierte Remake von Chaka Khan's eh schon längst abgenudelten "Ain't Nobody" (♪♫♪), wird es hier auch nie wirklich ärgerlich. Das meiste ist solides RnB-Handwerk - doch das dieser sich in den letzten Jahren massiv verändert hat, haben Mary J. Blige und ihre Macher wohl krampfhaft ausgeblendet. Hin und wieder gibt es hier aber dennoch Grund zur verhaltenen Freude. Die zweite Single "Mr. Wrong" (♪♫♪) zeigt sich etwa als schicker RnB-Schleicher mit filigranen Synthies im Background, und dem derzeit sehr angesagten Drake als Duettpartner. Und doch gibt es hier vor allem diese konservativen Füller, die vielleicht anno 1996 noch ein paar Menschen hinter dem Ofen hätten hervor locken können. So fiel den beteiligten nichts besseres ein, als Beyoncé ausgerechnet mit "Love a Woman" (♪♫♪) für eine hochgradig langweilige Ballade zu verpflichten, die wohl kaum ein Mensch wirklich braucht. Insgesamt ist "My Life II..." ein solides Album, dass ein paar kleine Lichtblicke, aber noch mehr (gähnende) Langeweile zu bieten hat. Und es zeigt einem wieder sehr deutlich, dass der RnB sein stilistisches Update der letzten Jahre arg bitter nötig hatte. Nun beherrschen Damen wie Beyoncé oder Rihanna das Genre. Und hört man sich nach diesem Album noch einmal die letzten Werke selbiger an, weiß man auch warum das so ist.

Besprochen: DILLON - "THIS SILENCE KILLS"

2011-11-23T12:47:00.000+01:00

Auf ihrem Debüt bringt die Kölnerin charmanten Singer/Songwriter-Pop, fabelhaft mit zeitgeistiger Elektronik zusammen.

Wenn man dieses Album von der jungen Sängerin Dominique Dillon de Byington zum ersten Mal hört, wird man mit sehr hoher Wahrscheinlichkeit nicht auf Gedanken kommen, dass derartige Musik aus deutschen Landen kommen könnte. Vor der inneren Weltkarte würde man wohl aus Erfahrung eher in die Richtung Großbritannien oder Skandinavien streben. Zwar ist die geborene Kölnerin schon in den vergangenen Jahren live aufgefallen, aber die meisten werden sie sicherlich dennoch nicht auf dem Schirm haben. Doch nun, da die Dame ihr in Hamburg aufgenommenes Album "This Silence Kills" vorlegt, wird es höchste Zeit dies zu ändern. Denn man würde wohl andernfalls eines der besten deutschen Platten der letzten Jahre verpassen. Namen wie Björk oder Miss Li fallen regelmäßig, wenn über Dillon gesprochen wird - und diese Vergleiche sind durchaus nicht aus der Luft gegriffen. Stimmlich spielt sie in einer vergleichbaren Liga, und auch ihre Musik ist charmant und durchdacht zugleich - herrliches und melodisches Songwriting trifft auf Elemente des zeitgenössischen Electronica. Wobei die Singer/Songwriter-Elemente durchaus den Mörderanteil ausmachen. Wunderbar nachzuhören in der verspielt instrumentierten und unwiderstehlichen Single "Tip Tapping" (♪♫♪), der melancholischen und wunderbaren Ballade "Thirteen Thirtyfive" (♪♫♪), oder dem verträumt melodischen "Your Flesh Against Mine". Aber dennoch sind auch die elektronischen Bezüge immer wieder deutlich zu spüren, vor allem in der zweiten Albumhälfte treten sie stärker hervor. So schwebt "__________" (♪♫♪) auf experimentell elektronischen Klangflächen davon, "From One To Six Hundred Kilometers" könnte in manchen Momenten Björk oder Fever Ray gut zu Gesicht stehen, und zum Ende verschmilzt dann auf dem famosen "Abrupt Clarity" (♪♫♪) wunderbarer Pop mit minimalistischem Techno. Ein fabelhaftes Debüt hat die junge Dame da vorgelegt. Es scheint als wenn es nicht mehr lange dauert, bis ihr Name in aller Munde ist. Verdient hätte sie dies allemal.

Besprochen: RIHANNA - "TALK THAT TALK"

2011-11-23T12:44:00.001+01:00

Mit ihrem soliden neuen und 6. Album, wird Rihanna noch mindestens eine weitere Saison auf der Erfolgswelle reiten.

In den letzten Jahren war Rihanna ja ganz schon fleißig. Die Dame aus Barbados sprengte den im Mainstream-Pop so üblichen 2-Jahres-Takt, und legte zuletzt jährlich neues Material vor. Nachdem 2009 ihr wohl bisher gelungenstes Album "Rated R" erschien, legte sie sogleich in 2010 den gut laufenden Nachfolger "Loud" vor - nur um nun ihr neues Album "Talk That Talk" folgen zu lassen. Und erneut versucht Rihanna - die natürlich auch für ihr mittlerweile 6. Studioalbum wieder eine Riege von Hitproduzenten verpflichtete - die verschiedensten Genres abzudecken. Die erste Single und prompter No.1-Hit "We Found Love" (♪♫♪) schmeißt sich bereits mit voller Leidenschaft in den Dance, und wurde passend dazu von Calvin Harris in Szene gesetzt. Einfach aber wirkungsvoll. Und auch der catchy Ohrwurm "Where Have You Been" (♪♫♪) wandelt auf ähnlichen Pfaden, zeigt aber mit Eurodance-Einflüssen und schräger Elektronik noch ein wenig mehr Einfallsreichtum. Aber "Talk That Talk" ist keineswegs ein Dance-Album. Denn Rihanna tanzt auf noch mehr Hochzeiten. So durchstreift sie im sonnigen Opener "You Da One" (♪♫♪) vom Raggae beeinflusste Gefilde, schafft es allerdings nicht an die Klasse ihres Hits "Man Down" vom letzten Album anzuknüpfen. Der Titelsong "Talk That Talk" (♪♫♪) ist durchaus in Ordnung gehender und melodischer HipPop, bei der ihr Jay-Z unter die Arme greift, und "We All Want Love" ist geschmeidiger Midtempo-Pop mit warmer Melodie. Besonderer Hingucker ist dann "Drunk on Love" (♪♫♪) der auf dem "Intro" (♪♫♪) des 2008er Debütalbums von The XX basiert - und auch in Rihanna's Version tatsächlich einen veritablen Hit abgibt. Ein wirklich durchweg gelungenes Album ist zwar etwas anderes, ein misslungenes Album aber mindestens ebenso. So kann man sagen, dass ihr mit "Talk That Talk" ein solides Mainstream-Album gelungenen ist, dass sicher den einen oder anderen passablen Hit hervorbringen, und Rihanna noch eine weitere Saison auf der Erfolgswelle schwimmen lassen wird. Und das kann doch auch so schlecht nicht sein.

Besprochen: MICHAEL JACKSON - "IMMORTAL"

2011-11-20T23:33:00.001+01:00

Leichenfledderei oder gelungene Huldigung eines Pop-Genies? Auch Ohr, Kopf und Herz sind sich uneinig. Ein Streitgespräch.

Nun ist es also wieder einmal soweit: Die Vermarktung von Michael Jackson's musikalischem Nachlass geht in die nächste Runde. Nach dem letztjährigen Album "Michael", erscheint dieser Tage nun "Immortal", der Soundtrack zur Show "Michael Jackson: The Immortal World Tour" von Cirque du Soleil. Verwendet wird dort offizielle Musik des verstorbenen King of Pop, verbunden mit einer Show im typischen Stil von Cirque du Soleil. Wenigstens kann man hier sagen, dass es sich diesmal nicht um unveröffentlichtes Material handelt, sondern um Remixe diverser seiner Klassiker. Aber dennoch hat solch eine posthume Veröffentlichung immer den bitteren Beigeschmack, dass man nicht weiß ob der Künstler zu Lebzeiten dafür seinen Segen gegeben hätte. Man ist sich unschlüssig: sowohl Ohr, Kopf und Herz sagen etwas anderes. Also lassen wir sie doch mal selbst zu Wort kommen. Das Ohr hört hier einige der ganz großen und unsterblichen Klassiker des King of Pop. Von "Wanna Be Startin Somethin", über "Beat It", "You Are Not Alone", und "Smooth Criminal", bis hin zu "Jam", "Thriller" oder "I'll Be There", sind fast alle großen Hits von Michael Jackson und den Jackson 5 hier versammelt. Zudem unterscheiden sie sich nur unwesentlich von ihren Originalen. Nun gut, es gibt natürlich manche Medleys zu hören, und auch die Beats sind ab und an mal etwas fetter als bislang. Ein paar eingestreute Synthesizer hier, ein paar Effekte dort. Aber im großen und ganzen klingt das alles doch sehr vertraut. Der Kopf hingegen hinterfragt vor allem das Produkt und die Plattenfirmenpolitik, die man in so einem Fall - vom reinen Vernunft her - abwatschen muss. So sagt einem doch der klare Verstand, dass derlei Projekte meist nur ein einziges Ziel haben: Geld zu verdienen. Und umso mehr die Verantwortlichen diesen Fakt abzustreiten versuchen, umso sicherer kann man sich sein, dass man richtig liegt. Bis hierher eigentlich eine ganz klare Sache - wenn einem dann nur nicht das Herz in die Parade fahren würde. Denn selbiges hüpft vor Freude zu den Klängen von Jacko's Musik, ohne sie ständig auf Schwachstellen in der ihnen nachträglich aufgezwungenen Veröffentlichungsstrategie abzuklopfen. Und seien wir doch mal ehrlich: Bei solch herausragendem Songmaterial wie seinem, dürfte es schwer fallen einen schlechten Mix abzuliefern. Was aber natürlich allein Jacksons Verdienst ist. Doch die wenigen wirklich heraus stechenden Veränderungen die hier vorgenommen wurden, sind recht geschmackvoll gesetzt und zerstören in keinster Weise die Originale. Man kann es drehen und wenden wie man will: seine Musik als solche war, ist und bleibt fantastisch. Und da sich die drei Parteien einfach nicht einigen können, kommt man nicht umhin, als auch in der Bewertung zu differenzieren. Wie viel Sinn "Immortal" also am Ende wirklich macht, muss wohl jeder für sich allein entscheiden. Obwohl eine Best-of von Jacko letztendlich dann wohl die bessere Alternative wäre, kann "Immortal" rein musikalisch dennoch eine sehr gute Figur machen. Und das ist ein ganz besonderes Kompliment an das Genie des verstorbenen King of Pop: seine Musik ist von einer derartigen Größe und Erhabenheit, dass noch nicht einmal die geldgierigen Aasgeier sie tot kriegen können, die sich nun an dem Kadaver seiner Kunst satt fressen.

MUSIK:

PRODUKT:

Besprochen: NICKELBACK - "HERE AND NOW"

2011-11-19T11:31:00.006+01:00

Nickelback bleiben konsequent, und nehmen ein und dasselbe Album einfach immer wieder neu auf.

Was wäre nur die Musikwelt ohne jene Bands und Musiker, die man reinen Gewissens aus tiefster Seele verachten kann. So wie auch erst durch die Dunkelheit das Licht umso stärker hervor sticht, desto mehr hebt sich die gute Musik gegenüber der schlechten hervor. Seit 15 Jahren ist die US-Band Nickelback nun in dieser Mission unterwegs. Vor allem in einem Genre, das Wikipedia so schön "Post-Grunge" nennt - man kann sie allerdings auch mit Nirvana vergleichen, wenn man ein Idiot ist. So legt dieses Kasperle-Theater des amerikanischen Mainstream-Rock, nun unter dem an Einfallslosigkeit kaum zu unterbietenden Titel "Here and Now", sein mittlerweile siebtes Studioalbum vor. Und wenn von einer Sache bei Nickelback keinesfalls die Rede sein kann, dann ist das Weiterentwicklung. Und so bleiben sie auch mit "Here and Now" konsequent, und nehmen ein und dasselbe Album einfach mal wieder neu auf. Hier springt sie einem wieder ins Gesicht, diese furchtbar vorhersehbare Mischung aus pathetischem Radio-Gedöns, breitbeinigem Macho-Rock mit zu dicken Eiern, und verkitschten Rock-Balladen die klingen, als hätte man den Backstreet Boys ein paar Gitarren in die Hand gedrückt. Für letzteres ist etwa das wenigstens noch halbwegs erträgliche (aber auch keineswegs positiv hervorstechende) "Lullaby" (♪♫♪), ein Paradebeispiel. Aber auch "Trying Not To Love You" (♪♫♪) passt gut in dieses Schema, klingt aber wie jeder 2. andere Song der Band - und wird wohl vor allem deshalb schnell Einzug in die Playlists einschlägiger Formatradios halten. Auf Stücken wie dem an einer Überdosis Testosteron leidenden Opener "This Means War" (♪♫♪), dem gnadenlos lächerlich betitelten (und auch umgesetzten) "Midnight Queen" (♪♫♪), oder dem arg aufgesetzt wirkenden "Kiss It Goodbye" (♪♫♪), wollen sie dann die ganz harten Kerle heraus kehren, verstricken sich aber zu sehr in dümmlichen Klischees. So krankt das neue Album von Nickelback mal wieder an einer ganz simplen Tatsache, die eine tiefere Beschäftigung mit der Musik im Grunde von vornherein völlig sinnlos macht: "Here and Now" ist schlicht und ergreifend Musik für Menschen, die sich nicht für Musik interessieren. Fazit: 1 Stern für die Musik - und für die paar Sekunden Stille zwischen den Songs, gibts dann noch einen halben Bonus-Stern oben drauf.

Besprochen: KATE BUSH - "50 WORDS FOR SNOW"

2011-11-15T09:23:00.017+01:00

Kate Bush ist wieder da, um uns ein Album über den Schnee zu singen - und schenkt uns damit ein Meisterwerk von erhabener Schönheit.

Man kann es drehen und wenden wie man will - Kate Bush war von Anbeginn eine der wahrhaft rar gesäten Ausnahmekünstlerinnen im Pop. So schrieb sie schon im Teenager-Alter zeitlose Perlen wie "Wuthering Heights", und stellte von Anfang an die Kunst höher als die kommerziellen Erwartungen. Das zeigte sie in der Vergangenheit vor allem durch hervorragend experimentelle Alben wie "Never For Ever" oder "The Dreaming", als auch mit grandiosen Konzeptwerken wie auf "Hounds of Love" oder "Aerial". Zudem aber auch durch ihren vergleichsweise geringen Output. Ihr letztes Album "Aerial" erschien nach 12-jähriger Pause, und seit diesem bislang letzten regulären Studioalbum (ihr in diesem Jahr erschienenes "Director's Cut", dass ausschließlich Neuaufnahmen älterer Songs beinhaltete, ausgenommen) sind auch schon wieder mehr als 6 Jahre ins Land gezogen. Doch auch in dieser Zurückhaltung lag keine Berechnung - die Zeit vergehe einfach so schnell und irgendwie komme ja immer irgend etwas dazwischen, so die Sängerin. Doch 2011 hat Miss Bush wieder etwas Zeit für uns übrig - zum Glück kann man nur sagen. Denn mit ihren brandneuen Album "50 Words for Snow" steht uns wieder ein solch wundervolles Album ins Haus, wie man es von der Dame nicht anders hätte erwarten können. Hinter dem Titel versteckt sich eine Legende, die besagt, dass die Eskimo über 50 Wörter für Schnee kennen - sicherlich nur ein Mythos, was Kate Bush natürlich auch weiß. Aber dennoch kein Grund nicht trotzdem ein Konzeptwerk über den Schnee und den Winter zu kreieren. Denn in ihrem künstlerischen Kosmos scheint nichts unmöglich, auch Legenden können bei Bush zur Realität werden - selbst wenn dies bedeutet, dass sie sich die 50 Wörter für Schnee im großartigen, atmosphärischen Titelsong "50 Word for Snow" (♪♫♪) selber ausdenken musste - und nebst so manch eigentümlichen und wunderbaren Wortspielereien wie "hunters dream", "shimmerglisten" oder "swans-a-melting", macht sie mit "peDtah 'ej chIS qo'" nicht einmal vor der klingonischen Sprache halt. Doch das letzte und 50. Wort ist dann ganz schlicht und ergreifend: "Snow".
Und so wie hier, verhält es auch auf dem ganzen Album, auf dessen insgesamt 7 Stücken sie mal ein Ode an den Yeti singt, oder von der sexuellen Begegnung zwischen einer Frau und einem Schneemann erzählt: Vieles hier erscheint unwirklich, nahezu wie nicht von dieser Welt. Und doch führt die Reise uns am Ende immer wieder zurück in bekanntes Terrain. Dargeboten wird der Titelsong mit Schauspieler Stephen Fry ("Oscar Wilde"), der aber nicht als einziger männlicher Gast zu hören ist. So ist der britische Musiker Andy Fairweather Low in der ersten Single, der unfassbar schönen Pop-Perle "Wild Man" (♪♫♪), an ihrer Seite zu hören. Und mit "Snowed In At Wheeler Street" gibt sie eine tiefgründige Ballade im Duett mit Elton John zum Besten, die sich zunehmend zu einer zeitlosen Hymne aufrichtet. Doch die Hauptrolle spielt - natürlich - Kate. Doch die nutzt sie nicht für den großen, gewaltigen und pathetischen Auftritt. "50 Words for Snow" ist viel mehr ein stiller und feierlicher Epos, der seine Kraft aus der Ruhe schöpft. So singt sie im Opener "Snowflake" darüber, wie laut die Welt doch ist - und braucht selbst nicht mehr, als ein Piano und ihren wunderbar gefühlvollen Gesang, um Gehör zu finden. "Misty" spielt sich in seinen fast 14 zauberhaften Minuten zu einer majestätischen Pop-Ode empor, die keine Sekunde zu lang ausfällt. Und wie sie uns dann zum Ende mit "Among Angels" eine wundervolle und zärtliche Ballade ins Ohr gießt, bleibt einem keine andere Wahl, als sich hoffnungslos in diese Platte zu verlieben. Denn auch mit ihrem 9. (oder je nach Zählweise 10.) Studioalbum, bleibt Kate Bush höchst berechenbar, und schenkt uns ein weiteres erhabenes Meisterwerk, dass immer weiter und weiter über sich selbst hinaus wächst. Ein nahezu magisches Erlebnis.

Besprochen: THE BEACH BOYS - "THE SMILE SESSIONS"

2011-11-04T18:13:00.010+01:00

Nach 44 Jahren erblickt das am sehnlichsten erwartete Album der Pop-Geschichte endlich das Licht der Welt: Smile! So wird die Musikgeschichte nun nachträglich um ein essentielles Meisterwerk bereichert!

Ursprünglich sollte "Smile" im Jahr 1967 als das 12. Album der Beach Boys erscheinen. Doch dazu sollte es bekanntlich nicht kommen. Für die Gründe gibt es die verschiedensten Meinungen. Die einen geben den Differenzen innerhalb der Band die Schuld, andere führen es auf Vertragsschwierigkeiten mit ihrem Label zurück - und laut einer weiteren Legende soll Brian Wilson, kreativer Kopf der Band, die Flinte ins Korn geworfen haben, nachdem er zum ersten Mal die einst neue Beatles-Single "Strawberry Fields Forever" im Radio hörte. Was auch immer der Grund war, Fakt ist: Auch bedingt durch die Veröffentlichung des Jahrhundert-Meisterwerks "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" der Fab Four, wurden Wilsons Ambitionen scheinbar endgültig zunichte gemacht, sein Lebenswerk "Smile" zu Ende zu führen. Seine Kreativität war gebrochen, und auch durch verstärkte psychische Probleme zog er sich immer mehr aus der Öffentlichkeit zurück. Und von nun an wird es ein wenig kompliziert. Denn verschiedene Songs, die für "Smile" vorgesehen waren, landeten mit der Zeit in zum Teil veränderten Versionen auf anderen Alben der Band, und im Jahr 2004 veröffentlichte Brian Wilson eine von vielen zwiespältig betrachtete Solo-Neueinspielung des Albums als "Brian Wilson presents Smile" - und illegale Bootleg-Ausgaben der einstigen Aufnahmen geisterten über die Jahrzehnten auch immer wieder durch die Landschaften. So mauserte sich "Smile" zu dem wohl berühmtesten unveröffentlichten Album aller Zeiten. Doch nach 44 Jahren ist nun Schluss damit - man kann sagen, das eine Ära zu Ende geht. Denn dieses Jahr setzte sich Wilson endlich hin, um die einstigen Original-Aufnahmen zu vollenden. Das Ergebnis nennt sich "The Smile Sessions" und enthält 2 CDs. Die erste birgt das fertiggestellte Original-Album, inkl. einiger Bonus Tracks. Und "Smile" sollte sich ebenso wie ihr zuvor veröffentlichtes Jahrhundertmeisterwerk "Pet Sounds", vom einst typischen Surf-Pop der Band emanzipieren - und sogar noch einen Schritt weiter gehen. Noch versponnener, noch psychedelischer und noch kreativer sollte "Smile" werden. So wurde für seine Entstehung (ähnlich wie die Beatles es bei ihrem "Sgt. Pepper" taten) auch reichlich mit LSD experimentiert, auf der Suche nach neuen künstlerischen Quellen. Der wohl bekannteste Song des Albums ist bereits seit mehr als 4 Jahrzehnten ein Klassiker, und sollte die Brücke vom alten Sound, zu den neuen Soundsphären schlagen: Der famose Album-Closer "Good Vibrations" (♪♫♪), der fantastischen Psychedelic-Pop mit dem typischen Surf-Pop der Beach Boys verbindet. Doch was davor schon alles auf der Scheibe passiert, lässt einem kräftig die Kinnlade zu Boden krachen. Zu Anfang begrüßt uns mit "Our Prayer" (♪♫♪) die Band mit einem feierlichen Chor, und sorgt für den ersten von vielen magischen Momenten. Mit "Heroes & Villains" (♪♫♪) gehts dann so richtig los - und zwar mit einem herausragenden Stück Psychedelic-Pop, dass aus den verschiedensten und buntesten Fragmenten einen zeitlosen Klassiker schmiedet. Mit "Do You Like Worms (Roll Plymouth Rock)" drehen sie uns ein psychedelischen und bewusstseinserweiternden Trip in die Hirnwindungen, dass einem ganz schwindelig wird vor Freude. "Cabin Essence" (♪♫♪) vezaubert als bedrogter und facettenreicher Psychedelic-Baroque-Pop, dem dann die treffend betitelte Ballade "Wonderful" folgt, welche im gleichen Soundkosmos schwebt. "Surf's Up" (♪♫♪) ist nicht weniger als ein erhabenes und zeitlos großartiges Pop-Juwel, dass den Beatles Konkurrenz machen kann, und das Instrumental "The Elements: Fire" spukt als paranoider Psych-Rock mit Tiefenwirkung umher. Nach dem Album geben dann die Bonus-Tracks, aber vor allem die zweite Disc einen spannenden Einblick in die Entstehung des Albums, anhand von diversen Mixes, Demo-Versionen oder Original-Studio-Sessions. Und doch ist es vielmehr die komplette Atmosphäre des Gesamtkunstwerkes "Smile", die dieses Album so außergewöhnlich macht. Quasi jede Sekunde atmet den kreativen und umtriebigen Geist des "Summer of Love" - und in der Summe bilden all die vielen verschiedenen Klangkonzepte, Samples und Song-Fragmente ein essentielles Stück Pop-Geschichte, dass sogar ihren Vorgänger "Pet Sounds" weit hinter sich lässt. Wäre es wie geplant 1967 erschienen, es würde gewiss bis heute zu den besten Alben aller Zeiten zählen. Höchste Zeit dies nachzuholen, denn "Smile" ist nun auch offiziell das, was man sich über all die Jahrzehnte davon erhofft hat: Ein Meisterwerk par excellence.

Besprochen: COLDPLAY - "MYLO XYLOTO"

2011-10-24T21:05:00.004+02:00

Frisch, bunt, hell und nur ein ganz klein wenig verklemmt: Coldplay können mit Album No.5 tatsächlich überzeugen!

Wie sagt man so schön: Irren ist menschlich! Geirrt habe ich tatsächlich - und zwar im Bezug auf das neue und nunmehr 5. Album "Mylo Xyloto" von Coldplay. Wenn man ehrlich ist, machen sie einem das voreilige Urteilen auch ziemlich leicht. Schon in den letzten Jahren war es immer mal wieder etwas schwierig mit Coldplay geworden. Und hört man dann zum ersten Mal die Songs des neuen Albums, beschleicht einen das Gefühl, dass so ziemlich alles hier arg glatt, massenkompatibel und ein wenig bieder wirkt. Das wäre ein Umstand, der viele da draußen nicht weiter überraschen würde - er ist aber dennoch ein gewaltiger Trugschluss. Denn widmet man sich "Mylo Xyloto" genauer, verhält es sich ähnlich wie bei einem Disney-Trickfilm: Oberflächlich betrachtet brav, schön bunt und ein wenig naiv. Aber sieht man genauer hin, kann man stets etwas finden, bei dem einem förmlich das Herz aufgeht. Wirft man sich einmal ganz unvoreingenommen in die 14 Songs des neuen Albums, nehmen sie einen sachte bei der Hand, und führen den Weg durch ein buntes, oft schillerndes, manchmal auch bittersüßes kleines Wunderland, dass man - hat man einmal endgültig Blut geleckt - so schnell nicht mehr verlassen will. Schon der Einstieg gelingt mit einem kleinen Knall: "Hurts Like Heaven" (♪♫♪) glänzt mit herrlich sonniger Melodie, und führt uns als wunderbar aus den Boxen perlender Pop-Ohrwurm, in die bunte Welt von "Mylo Xyloto" ein. Kaum verhallt, schwebt uns schon die Single "Paradise" (♪♫♪) entgegen - und hat man sich erst einmal mit der Tatsache abgefunden, dass es im Grunde ein einfach gestricktes und süßliches Liedchen ist, kann man es dennoch als strahlende und wärmende Pop-Perle in die Arme schließen. Ihre Ode an die Cartoon-Figur "Charly Brown" (♪♫♪) kommt auf sanften Schritten daher getänzelt, um sich schon bald zur opulenten Pophymne zu erheben. Das schon seit Monaten bekannte, und Anfangs etwas unspektakuläre "Every Teadrop Is A Waterfall" (♪♫♪), begegnet einem hier plötzlich mit einer Wirkung wieder, als handele es sich bereits um einen Band-Klassiker - was sich dann mit dem grandiosen "Major Minus" (♪♫♪) noch einmal wiederholt (wenn man es denn bereits von der "Every Teardrop..."-EP kennt). Als eines der prägnantesten Highlights stellt sich dann '"Princess of China" (♪♫♪) heraus: Im Duett mit Rihanna (!) erschaffen sie hier einen unwiderstehlich melodischen Pop-Ohrwurm, der von flirrenden Synthesizern und kunterbuntem Soundgewand eingerahmt wird. Das Ende der Reise bildet dann "Up With The Birds" (♪♫♪), dass fast wie ein herrlich einlullendes Schlaflied beginnt, nur um sich noch einmal zu voller und farbenprächtiger Größe aufzubäumen - das schillernde Feuerwerk im Nachthimmel inklusive. Und plötzlich betrachtet man "Mylo Xyloto" wie mit völlig anderen Augen, bemerkt Schönheit für die man zuvor blind zu sein schien: fast wie Liebe auf den zweiten Blick!

Bersprochen: JUSTICE - "AUDIO, VIDEO, DISCO"

2011-10-24T19:06:00.005+02:00

Mission: Possible! Justice haben das fast Unmögliche möglich gemacht, und ihrem monolithischen Debüt einen würdigen Nachfolger entgegen gesetzt.

Als die beiden Franzosen Gaspard Augé und Xavier de Rosnay alias Justice im Jahr 2007 ihr Debüt "†" vorlegten, schufen sie ein radikales, wildes, aber dennoch hochmusikalisches Stück Musik, dass nicht nur die versteiften Hirnwindungen der Elektro-Gemeinde lockerte, sondern zugleich ihre Kollegen von Daft Punk vom französischen Elektro-Thron schubsen sollte. Mit ihrer ordentlich auf die 12 gehenden Mischung aus Elektronik und Rock, zeigten sie den übrig gebliebenen Relikten des einstigen BigBeat der 90er, wie es richtig funktioniert. Man konnte das auch Disco-Metal nennen, was sie dort grandioses ausheckten. 4 Jahre später steht nun endlich ihr lang erwartetes 2. Album in den Startlöchern - und es wird mit Sicherheit für geteilte Meinungen sorgen. Denn Justice machen nicht da weiter, wo sie einst mit "†" aufhörten. Haben sie auf ihrem Debüt noch quasi den Metal und Hard-Rock clubtauglich gemacht, vergehen sie sich auf ihrem neuen Werk "Audio, Video, Disco" eher am Glam- und Prog-Rock der 70er Jahre. Und seien wir ehrlich: so mancher hatte beim hören der ersten Vorab-Songs des Albums zwar eine Menge Spaß, aber wohl auch nicht wenige haben den radikalen Style des Erstlingswerkes vermisst. Wobei die erste Single "Civilization" (♪♫♪), die von der Stimme des Sängers Ali Love geschmückt wird, noch am ehesten die Brücke von "†" zu "Audio, Video, Disco" schlägt. Und tatsächlich haben Justice auf ihrem neuen Album ein paar Gänge herunter geschaltet - was aber volle Absicht war. Einen neuen Aufguss des Vorgängers wollen wohl die wenigstens so wirklich von einer Band hören. Zumal es auch ein unkluger Schachzug ist, sich als ernst zu nehmender Musiker selbst zu kopieren. Und da diese beiden Herren auch definitiv zu selbigen gezählt werden, hätte man eigentlich einen gewissen Wandel von vornherein erwarten müssen. Und dieser ist ihnen durchweg geglückt. Denn trotzdem die neue Musik des Duo's außerordentlich prägnant mit dem 70s-Rock verbunden ist, hört man doch in jeder Sekunde die typische Handschrift der beiden Elektro-Tüftler heraus. Das macht zu Anfang beinah demonstrativ der grandiose Opener "Horsepower" (♪♫♪) deutlich, der sozusagen in enger Verwandtschaft zum Debüt-Opener "Genesis" steht - nur das er wesentlich optimistischer zur Sache geht, und überdeutlich den 70s-Glam-Rock abfeiert. Nachdem sie zuletzt eher düster zu Werke ginge, kündigten Justice ihr neues Album ja schon im Vorweg als "daytime music" an - und das ist ihnen hier wahrlich gelungen. Ähnlich funktioniert auch die großartige Elektro-Prog-Rock-Hymne "Canon" (♪♫♪), welche vom einem kurzen Mittelalter-Intermezzo eingeleitet wird. Und auch die Querverweise zu 70er-Helden wie Queen sind hier nicht rar gesät. Kenner können dem famosen "Brianvision" (♪♫♪), eine gewisse Ähnlichkeit zu "Flash's Theme" entnehmen, während das überaus famose "Parade" (♪♫♪) sich den Beat von "We Will Rock You" einverleibt. Auch der Einsatz von Gaststimmen fällt auf der neuen Scheibe dominanter aus als noch zuvor. Nach der ersten Single, wäre da etwa das fabelhafte "Ohio" (♪♫♪): Ein fast schon schwebender, aber unterschwellig mit einem funky Groove versehener, und nur soft angerockter Elektro-Pop-Song. Oder die unwiderstehlich feisten Ohrwurm-Kracher "On'n'On" (♪♫♪) und "New Lands" (♪♫♪), bei denen Morgan Phalen hinterm Mikro stand. Das hübsch kunterbunte und herrlich lässige "Helix" (♪♫♪) ist ebenfalls von Gesangspassagen, sowie psychedelischen und funky Momenten durchzogen. Und die abschließende 2. Single "Audio, Video, Disco" (♪♫♪) fügt sich dann so perfekt in den Albumkontext ein, dass es mit dem kurz danach folgenden und grandiosen Hidden Track (♪♫♪), einen würdigen Abschluss für ihr äußerst gelungenes Zweitwerk bildet. Man kann bei "Audio, Video, Disco" durchaus von einer Weiterentwicklung sprechen - so beamen Justice ihre Stärken einfach in ein anderes Genre. Und auch wenn das Ergebnis softer ausfällt als man es bislang von Justice gewohnt war, ist ihnen erneut ein spannendes und kreatives Meisterwerk gelungen, dass auch die Zweifler restlos überzeugen sollte.

Besprochen: FLORENCE & THE MACHINE - "CEREMONIALS"

2011-10-20T23:39:00.007+02:00

Übersättigung auf hohem Niveau: Florence Welch meint es auf ihrem neuen Album ein bisschen zu gut mit uns.

Als Florence Welch alias Florence & The Machine vor 2 Jahren ihr Debütalbum "Lungs" veröffentlichte, war die Sensation perfekt. Kritiker als auch Endverbraucher überschütteten sie mit Lob - und das auch durchaus zurecht, konnte sie doch eine Sammlung hervorragender Songs zwischen Indie- und Baroque-Pop, (Art-) Rock und gutem altem POP vorweisen, für die sie sich als Produzenten u.a. James Ford oder Paul Epworth sichern konnte. Nun auf ihrem mit Spannung erwarteten 2. Album "Ceremonials", entschied sie sich ausschließlich für Epworth als Produzenten - was aus Erfahrung (Bloc Party, Maximo Park, Plan B, Adele, Kate Nash) wahrlich keine allzu schlechte Wahl ist! In gewisser Weise kann man sogar sagen, dass das neue Album von Anfang an etwas geschlossener klingt als sein Vorgänger, der doch ab und an einen Patchwork-artigen Eindruck erwecken kann. Wohlgemerkt: KANN! Doch wer genauer hinhörte, oder spätestens das neue Album in den direkten Vergleich stellt, dem fällt vor allem eines auf: gerade diese Vielseitigkeit und Verspieltheit waren es, die dem Debüt so gut getan haben. Doch Paul Epworth wollte als Produzent scheinbar mehr - mehr Hall, fettere Bässe, opulentere Arrangements, und einfach mehr von allem! An den Songs hapert es hier mit Sicherheit nicht - denn davon hat Florence hier wieder ein paar mehr als ordentliche beigesteuert. So gelingt schon der Einstand beinah grandios, indem sie uns mit "Only If For a Night" (♪♫♪) eine einnehmende, fabelhaft melodische und leicht verdunkelte Pop-Hymne um die Ohren haut. Schlechter wird es dann auch nicht, wenn sie uns die zweite Single "Shake It Out" (♪♫♪) präsentiert: ein mitreißender und leidenschaftlicher Pathos-Pop-Ohrwurm, der auf Anhieb ins Schwarze trifft. Auch mit der dann folgenden ersten Single "What The Water Gave Me" (♪♫♪), einem sich langsam aufbauenden Indie-Pop/Rock-Song, kann sie durchaus überzeugen. Und "Never Let Me Go" (♪♫♪) kommt mit etwas mehr leidenden, aber nicht minder leidenschaftlichen und atmosphärischen Pop-Tönen daher. Aber irgendwann dann kommt doch der Punkt, an dem einem hier manches einfach zuviel wird. Das Songmaterial mag sich bis zum Ende noch wacker halten, aber aufgrund der doch recht einheitlich wirkenden Produktion und den beinah vollkommen ausbleibenden Ecken und Kanten (die dem Vorgänger seinen unvergleichlichen Charme verliehen), kommt ein gewisser Gleichklang auf, dem selbst die hymnischen Melodien nur noch selten etwas wirksames entgegen setzen können. So hat man oftmals hier das Gefühl, dass sie weit hinter ihren kreativen Möglichkeiten zurück bleibt, und ihre eigene künstlerische Identität langsam dem immer mehr einheitlichen Pop-Bombast opfert. Denn die richtigen Zutaten ergeben eben nur dann ein wirklich schmackhaftes Gericht, wenn auch die Mengenverhältnisse stimmen.

Besprochen: FEIST - "METALS"

2011-10-18T10:46:00.003+02:00

Erhabener Folk-Pop, der sich wie honigsüßer Balsam auf unsere Seele legt: Leslie Feist ist zurück und hat alles richtig gemacht.

Was war das vor 4 Jahren doch für eine Aufregung um die kanadische Sängerin Leslie Feist. Zwar hatte die Dame bereits mit zwei vorangegangenen Soloalben und durch ihre Mitgliedschaft im Künstler-Kollektiv Broken Social Scene relative Bekanntheit erlangt - doch ihr persönlicher Durchbruch kam 2007, als ihr 3. Soloalbum "The Reminder" hoch gelobt wurde, und sich Apple ihre Single "1234" für ihre iPod-Werbung vornahmen, und so zum Hit machten. Obwohl Feist dies so gar nicht nötig hatte - und das beweist auch ihr neues Album, dass nun international in den Plattenläden steht. Liebhabern ihres letzten Albums sei vorweg schon einmal gesagt: Feist schafft es auf "Metals" (Songs hier im Stream anhören!), diesen von ihr selbst ausgespielten Trumpf noch zu überbieten. Aber nicht durch Weiterentwicklung oder Mut zum Experiment - die Kanadierin bleibt künstlerisch bodenständig und reduziert sich auf das nötigste. Und das kommt "Metals" in jeglicher Hinsicht zugute. Denn hier stehen nur ihre wunderbare Stimme und die warmen, ganz und gar hervorragend ins Licht gerückten Arrangements im Mittelpunkt. Und vor allem die herrlichen, gravitätischen Melodien, die der 35-jährigen Künstlerin immer wieder auf's neue aus dem Ärmel purzeln, und sich wie honigsüßer Balsam auf unsere Seele legen. Das macht schon der Auftakt des Albums klar. "The Bad In Each Other" erweist sich als erhabenes, warmes und folkloristisches Singer/Songwriter-Juwel, dass einen mit seiner zeitlosen Atmosphäre ganz und gar einnimmt. Und wenn sie danach "Graveyard" anstimmt, sind alle Hemmungen vergessen und man schwelgt in zarter Melancholie zu dieser majestätischen Folk-Ballade - und schon ahnt man, dass man es hier mit einer der Platten des Jahres zu tat. Und auch die folgenden Indizien nähren diesen wunderbaren Verdacht beträchtlich. "Caught a Long Wind" eröffnet sich dem Hörer als zärtliche, höchst emotionale und tief melancholische Ballade, die Erinnerungen an die fragilen und persönlichen Singer/Songwriter-Glanzstücke der späten 60er und frühen 70er Jahre wachruft. Dagegen wirkt die erste Single "How Come You Never Go There" wie ein herrlicher und in seiner minimalistischen Gelassenheit sogar schon enorm cooler Hit, der aber eigentlich keiner sein will. "Bittersweet Melody" kommt dann ebenfalls als wunderbarer Singer/Songwriter-Juwel daher, während sie uns mit "Anti-Pioneer" eine beinah schon tieftraurige, von schwelgerisch melodramatischen Streichern begleitete Folkballade schenkt. "Comfort Me" beginnt ruhig und zurückhaltend, gewinnt aber zunehmend an Struktur und schwingt sich auf zur Midtempo-Folk-Hymne. Und mit "Get It Wrong, Get It Right" lässt sie ihr neues Album mit einer verträumten und melancholisch-schönen Perle ausklingen, die stark zeitlose Züge hat. Doch diese Züge ziehen sich durch das gesamte Album, dass die Dame nach etwas längerer Abwesenheit wieder schlagartig in die Köpfe der Menschen zurück katapultiert. Feist ist zurück und hat verdammt nochmal alles richtig gemacht.

Besprochen: RADIOHEAD - "TKOL RMX 1234567"

2011-10-17T14:33:00.001+02:00

Radiohead legen eine Remix-Compilation ihres diesjährigen Meisterstreichs "The King of Limbs" vor - und eröffnen seinen Songs mitunter vollkommen neue Perspektiven.

Mit Remix-Alben ist es oft eine schwierige Angelegenheit. Das sollte man aus Erfahrung bereits gelernt haben. Die wenigsten Beispiele zeigten ein wirklich gelungenes Ergebnis - obwohl es so schwierig gar nicht sein muss: Man muss nur eben für gute Remixe sorgen. Das nahmen sich in diesem Jahr Radiohead vor, die die Tracks ihres diesjährigen Meisterstreichs "The King of Limbs" von diversen Remixern neu bearbeiten ließen. Allerdings ursprünglich in Form von 7 separaten 12"-Vinyl-Singles, die aber auch als Downloads erhältlich sind. Wer einige davon bereits in den vergangenen Wochen und Monaten zu hören bekam, wird sich freuen, dass sie selbige nun auf einer Doppel-CD vereint haben. "TKOL RMX 1234567" nennt sich diese Compilation, auf dem sich so manch illustre Soundarrangeure die Klinke in die Hand geben. Und mitunter erstaunliches leisten! Besonders die Remixe mancher Songs stechen hier deutlich hervor - drum arbeiten wir sie hier nun einmal in der originalen Song-Reihenfolge ab. "BLOOM": Der Opener des Original-Albums ist hier (wie viele Songs) mehrfach vertreten. Während er im "Harmonic 313 Remix" (♪♫♪) gespenstisch schwebend und nahezu Instrumental dargeboten wird, ersetzt der "Mark Pritchard Remix" (♪♫♪) den wirbelnden TripHop des Ausgangsstückes, durch maschinelle Beats, verhalten verstörende Elektronik und zum Ende gar durch orgelnd angedeutete Jahrmarkts-Atmosphäre. Und das Mastermind von The XX holt den Song in seinem "Jamie XX Remix" (♪♫♪) einfach in seinen ganz eigenen, und wundervollen Klangkosmos. "MORNING MR. MAGPIE": Im "Nathan Fake Remix" (♪♫♪) erlebt der Song eine kräftige und großartige Portion elektronischer Klangspielereien, und Modeselektor machen in ihrem fulminanten und stampfenden Remix sogleich "Good Evening Mrs. Magpie" (♪♫♪) daraus. "LITTLE BY LITTLE": Der "Caribou Remix" (♪♫♪) sorgt für ein Highlight, wie man es von dem Urheber auch nicht anders erwartet hatte, und kann mit seiner verschachtelten Produktion, sowie der Hinzunahme von Harfen, dem Original nahezu auf Augenhöhe begegnen. Und im "Shed Remix" (♪♫♪) wird der Song durch allerlei großartige (und zum Teil soft verstörende) Sounds, Effekte und Beats ergänzt - dafür jedoch fast sämtlich vom Gesang befreit, was man aber bei einer solch gelungenen Bearbeitung nicht groß betrauern muss. "FERAL": Das triphopige Original wird in seiner einzigen Neubearbeitung, dem "Lone Remix" (♪♫♪), um House-Elemente, trommelnde und stampfende Beats, als auch strahlend warme Synthesizer ergänzt. "LOTUS FLOWER": Der wohl zugänglichste Song des ursprünglichen Albums wird hier auf zweierlei Weise neu gedeutet. Im "Jacques Greene Remix" (♪♫♪) erstrahlt er in atmosphärisch elektronischen Klangfarben, die nicht weit vom Chill-Wave entfernt liegen; und was im "SBTRKT Remix" (♪♫♪) aus dem Song für ein minimalistisch elektronisches Meisterstück wird, muss man selbst gehört haben. "CODEX": Von dem "Pyramid Song" nicht unähnlichen Jung-Klassiker, ist hier nur ein Remix enthalten. Der "Illum Sphere Remix" (♪♫♪), der die traurig-schöne Ballade in elektronischere Soundsphären beamt. "GIVE UP THE GHOST": Das wunderschöne und strahlende Albumhighlight kommt hier auch ordentlich auf seine Kosten. Der fast hypnotische "Thriller Houseghost Remix" (♪♫♪) verleiht ihm mit flirrender Elektronik und stampfenden Beats eine ungeahnte Tanzbarkeit. Und im herrlichen "Brokenchord Remix" (♪♫♪), wird der Song von einem Soundlabyrinth einverleibt, das ein wenig an die jüngsten Großtaten von Son Lux erinnern könnte. "SEPARATOR": Im "Four Tet Remix" (♪♫♪) ist der Song weitestgehend noch immer seinen ursprünglichen Gesetzen unterworfen, erzeugt aber durch seine minimalistischen, klar strukturierten Beats, und seinem chillig schwebenden Unterbau einen Hauch derselben Atmosphäre, die schon Michael Jackson's "Stranger In Moscow" einzigartig machte. Und im "Anstam Remix" (♪♫♪) werden dem Song kräftige TripHop-Beats, Marschtrommeln und hervorragende Soundwunderwerke verordnet. Da bleibt am Ende nur noch "TKOL (Africe Remix)" übrig, dass aus Elementen sämtlicher Songs des Albums, ein avantgardistisches und elektro-chilliges Klangerlebnis schmiedet.

Neueinsteigern sei zwar nach wie vor zuerst das Original-Album empfohlen, dem auch die zum größten Teil erstklassigen Remixe nicht ganz das Wasser reichen können. Und doch fügt sich diese hervorragende Remix-Compilation als eines der sehr seltenen seiner Art, in die jüngere Musikgeschichte ein. Wer mit Remixen noch nie so wirklich etwas anfangen konnte, der solle diese hier hören und sich eines besseren belehren lassen. Denn wie sagte ich schon zu Anfang: Man muss nur für gute Remixe sorgen. Und dafür wurde hier im Überfluss gesorgt.

Besprochen: NOEL GALLAGHER'S HIGH FLYING BIRDS - "NOEL GALLAGHER'S HIGH FLYING BIRDS"

2011-10-14T22:28:00.009+02:00

Auf Noel Gallagher's Solo-Debüt bleibt alles beim Alten - ein geschmackvolles und grundsolides Album, dass so auch von Oasis hätte kommen können.

Es waren einmal zwei Brüder, die spielten in einer Band Namens Oasis. Zwei konsequente Streithähne, die sich für keinen Skandal zu schade, und nie um einen gehässigen Kommentar über Musikerkollegen verlegen waren. Für kurze Zeit schafften sie es sogar, zur größten Band der Welt zu avancieren. Doch wer hoch hinaus will, fällt manchmal tief. Und das mussten spätestens ab den 2000ern dann auch Oasis kapieren, nachdem der Britpop gemeinsam mit den 90ern unterging. Dennoch schafften sie es mit schwankender Qualität, sich noch bis Ende des neuen Jahrzehnt über Wasser zu halten - ehe ein weiterer Streit einen gewaltigen Keil zwischen die Gebrüder Gallgher trieb. Noel Gallgher, kreativer Kopf der Band, verließ Oasis, welche seitdem wiederum als Beady Eye weitermachten, und in diesem Jahr ein gar nicht so übles Quasi-Debüt vorlegten. Doch der erste Solo-Gehversuch des großen Band-Genies stand noch immer aus. Aber dies soll sich nun ändern, wo endlich das schlicht nach dem Solo-Projekt benannte Debüt "Noel Gallgher's High Flying Birds" in den Läden steht. Also wie steht es nun um den Herren, der eine Zeit lang Hymnen wie am Fließband produzierte, wenn er nun ganz auf sich allein gestellt ist? Der Auftakt ist durchweg vielversprechend: Denn mit "Everybody's On The Run" (♪♫♪), dem Opener seines Solodebüts, ist ihm eine melancholische und atmosphärische Britpop-Hymne gelungen, die beinah nahtlos an die großen Tage von Oasis anknüpfen kann. Und auch danach bleibt es hochinteressant. "Dream On" (♪♫♪) kommt mit ein wenig mehr Optimismus daher und legt sich mit einer guten Portion mehr Schmiss und einer herrlich mitreißenden 60s-Ästhetik, als ein fabelhaft beatlesquer Ohrwurm ins Zeug. Die tolle und warme Britpop-Perle "If I Had a Gun" (♪♫♪) tut sich als neuste und dritte Single des Albums hervor, während dann mit "The Death Of You And Me" (♪♫♪) die erste Single und ein beinah zeitloses Stück Pop folgt, dass Oasis einen ihrer besten Songs seit mindestens 10 Jahren hätte bescheren können. Auch das in äußerst stimmige und niemals kitschige Streicher und Frauenchöre getauchte "(I Wanna Live In a Dream In My) Record Machine" (♪♫♪) kann sich sehen lassen, ebenso wie dann die großartige zweite Single "AKA...What a Life!" (♪♫♪). Und auch das vom Titel verwandte "AKA...Broken Arrow" (♪♫♪) kann als herrlicher und warmer Popsong mit wunderbarer Melodie glänzen. Das beinah legendäre, vor 10 Jahren geschriebene "Stop The Clocks" (♪♫♪) hingegen, das von Noel selbst stets hoch gepriesen wurde und hier erstmals veröffentlicht wird, will dann am Ende des Albums überraschenderweise nicht so recht aus dem Quark kommen. Außerdem kann man konstatieren, dass Noel seine Musik noch immer aus denselben Zutaten rührt, die er schon immer benutzt hat. Von einer Weiterentwicklung fehlt jede Spur. Aber dennoch schafft der Herr es immer wieder, geschmackvolle Produktion mit zum Teil herausragenden Melodien zu paaren. Eine wenig mehr Überraschungseffekte hätte man sich am Ende dann aber doch gewünscht.

Besprochen: JAMES BLAKE - "ENOUGH THUNDER" (EP)

2011-10-10T00:13:00.006+02:00

Der Künstler des Jahres bleibt umtriebig, und schickt seinem visionären Debütalbum eine nicht minder brillante EP hinterher.

2011 war ohne Zweifel das Jahr von James Blake - einem gerade einmal 22-jährigen Sound-Wunderkind aus England. Letztes Jahr noch ein für viele unbekannter Name auf der BBC Sound-of-2011-Liste, dieses Jahr ein gefeierter Künstler, der maßgeblich an der Reanimation und Neuinterpretation des Dubstep beteiligt ist. Schon auf seinem grandiosen selbstbetitelten Debüt "James Blake" wurde deutlich, wieviel Soul dieser niedlich-milchgesichtige Musiker doch in seiner Stimme hat. Die stellt er auf seiner neuen EP "Enough Thunder" besonders in den Vordergrund, um sie in gewohnter und hervorragender Manier mit diversen Soundcollagen einzurahmen. Und trotz all seiner nach wie vor zum Teil verstörenden Elemente, ist "Enough Thunder" ein Manifest der Stille. So nutzt der junge Künstler die ästhetischen Mittel der Pausen und des Weglassens so hervorragend, wie derzeit wohl kaum ein zweiter. Kaum glaubt man, dass der Song greifbar wird, schlüpft er einem schon wieder aus den Fingern, verweht im Raum wie flüchtiges Gas, nur um sich im nächsten Moment wieder in voller Größe zu manifestieren - und auch hier ist es wieder diese besondere Spielart, die den erhabenen Reiz seiner Musik ausmacht. "Once We All Agree", der Opener der neuen EP, zeigt schon mit spärlichem Pianoeinsatz, ätherisch schwebenden Soundscapes und seiner fragil-eindringlichem Stimme, dass der Weg genau dort weitergeht, wo er mit "James Blake" im Februar aufhörte. Obwohl bei Blake in den seltensten Fällen etwas ganz aufhört - selbst wenn seine Musik verklungen ist, bahnt sie sich weiter konsequent ihren Weg durch unsere Synapsen, mit jedem Hören kann sich etwas neues eröffnen, dem man zuvor noch nicht auf die Schliche kam. Ein perfekter Kandidat, der den Hörer lange wird beschäftigen und fesseln können, folgt auch sogleich in Form des Song "We Might Feel Unsound": gespenstische Vocalsamples, unablässig puckernde Elektrobeats und verstörend-betörende Klangsphären reichen sich hier die Hand, und verbünden sich zu einer tiefsinnigen, ganz und gar kunstvollen, aber mindestens ebenso wunderbaren Einheit. Einen der weiteren Hingucker (oder "Hinhörer") bildet unzweifelhaft das bereits vor einigen Wochen veröffentlichte "Fall Creek Boys Choir" (♪♫♪) - eine höchst eindringliche Folktronica-Offenbarung, für die er sich mit Bon Iver zusammen tat, dessen mit Autotune-Effekten durchdrungenen Stimme den Song dominiert. Mit "A Case Of You" (♪♫♪), begibt er sich auf ähnliches Terrain, wie einst mit seinem grandiosen Feist-Cover "Limit To Your love" - denn mit dieser herausragend schönen Coverversion des Songs von Joni Mitchell, lässt er ganz und gar seine brüchige und emotionsgeladene Stimme im Vordergrund stehen, begleitet von einem äußerst minimalistischen Klanggewand - und dazu noch (ob man es nun glaubt oder nicht) selbst das famose Original an die Wand spielt. "Not Long Now" (♪♫♪), ein weiterer Vorbote der EP, gibt sich erst als kaum greifbares, aber auf magische Weise eindringlich schönes Art-Pop-Kunstwerk, dass beständig immer weiter zur essentiellen, und auf zärtliche Weise futuristischen Hymne aufstrebt. Und der Titelsong "Enough Thunder" (♪♫♪) beschließt die EP mit einer traurigen und gleichzeitig enorm tröstlichen Pianoballade von zeitloser Schönheit. Man sollte sich dieses Jahr 2011 gut merken - denn es markiert mit James Blake den Siegeszug eines verdienten Ausnahmetalents, von dem wir noch in vielen Jahren hören werden. Mit einem Wort: Atemberaubend!

Besprochen: BJÖRK - "BIOPHILIA"

2011-10-09T16:40:00.001+02:00

Auf ihrem 8. Album findet Björk wieder ganz zu sich selbst - und zu einem audiovisuellen Gesamtkunstwerk, dass ihr Repertoire um ein weiteres Meisterwerk bereichert.

Björk war schon immer ein Sonderling im Pop. Seit sie 1993 ihre Solokarriere begann, war meist nur eines möglich: sie zu lieben oder zu hassen. Und so etablierte sie sich über die Jahre als eine musikalische Märchenfee, eine wunderliche und experimentierfreudige Popelfe aus einer anderen Welt. So zeigte sie sich immer wieder als höchst eigenwillige Künstlerin, die aber dennoch den Pop so perfekt beherrschte, dass es jedes Mal auf's neue ein Erlebnis war. Vor allem wer schon einmal ihre Alben "Homogenic" (1997), "Vespertine" (2001) oder "Medulla" (2004) gehört hat, dürfte angesichts dieser popmusikalischen Kostbarkeiten und Wunderlichkeiten, kaum aus dem Staunen heraus gekommen sein."Volta" war vor über 3 Jahren das letzte Album, mit dem Björk uns beglückte. Nachdem selbiges zwar immer noch ein gutes bis sehr gutes Album abgab, ließ es dennoch ein wenig die überschäumende Kreativität, und vor allem den rote Faden vermissen, der sich stets durch ihre zuvor genannten Platten zog. Nun steht also endlich ihr brandneues Werk in den Startlöchern - und man kann zurecht behaupten, dass Björk wieder voll und ganz zu sich selbst gefunden hat. Und sie liefert einen weiteren Beleg dafür, wie die Musik der Zukunft aussehen könnte. So darf sich ihre 8. Platte nun stolz als das erste "App-Album" der Welt bezeichnen: In Kollaboration mit Apple entstanden Teile des Albums auf einem iPad, und es wird in Form einer Serie von App's veröffentlicht. Aber dennoch will die Isländerin hier nicht der regulären CD den Todesstoß versetzen, und so ist "Biophilia" natürlich auch als physikalischer Tonträger erhältlich. Aber dennoch leistet Björk hier eine Art Pionierarbeit, indem sie damit beginnt, die kreativen Möglichkeiten der Zukunft auszuloten. Eine kluge Entscheidung, dürfen doch alle jene die ihrem Beispiel folgen werden (und das werden sie), sich mit der Rolle der Trittbrettfahrer zufrieden geben. Denn mit "Biophilia" gibt uns Björk etwas für's Ohr UND für's Auge. Aber auch für's Herz, wenn man sich die Songs der neuen Platte mal so anhört. Natürlich werden hier, wie bei jedem ihrer Alben, mal wieder die Meckerer der verschiedensten Lagern aus ihren Löchern kriechen. Jene denen es einfach nicht avantgardistisch genug sein kann, als auch solche, denen sie im Grunde schon immer zu hoch war. Der Rest von uns kann dann einfach das Album genießen - und das sollte man auch. So schimmern hier die verschiedensten klanglichen Facetten hindurch, verschmelzen im großen Ganzen aber zu einer homogenen und erhabenen Einheit. Schon der Opener "Moon" (♪♫♪) macht das hervorragend deutlich - und präsentiert sich als von Harfenklängen dominierte, bezaubernde Ballade, die eine ganz eigene und strahlende Atmosphäre aufbaut. Und gleich darauf kredenzt sie uns mit "Thunderbolt" (♪♫♪) eine schwebende Art-Pop-Perle, die von herrlich minimalistischen Sequenzern beherrscht wird. Das fantastische "Crystalline" (♪♫♪) basiert auf hypnotischen Celesta-Klängen, ehe es zum Ende in wilde Elektro- und TripHop-Beats ausfranst. Das düster anmutende "Hollow" (♪♫♪) wird dann von hervorragend orgelnden Sounds getragen, zu dem sich später auch softe Elektro-Beats gesellen - während uns das zauberhafte "Virus" (♪♫♪) auf einer Glockenspiel-artigen Basis bezirzt. "Sacrifice" (♪♫♪) offenbart dann einnehmend fernöstliche Elemente, die sie zunehmend mit wirbelnden Elektro-Beats verziert. Und das grandiose "Mutual Core" (♪♫♪) kommt auf minimalistisch oldschooligen Synthesizern daher geschwebt, nur um sich im Refrain zum famosen, von treibenden Beats und verzerrten Sounds umzingelten Elektro-Pop-Ohrwurm zu erheben. Mit "Biophilia" gelingt Björk nicht weniger als ein audiovisuelles Gesamtkunstwerk, dass ihren Backkatalog um ein weiteres Meisterstück bereichert!

Besprochen: THE HORRORS - "SKYING"

2011-10-08T23:38:00.007+02:00

The Horrors wollen noch hoch hinaus - und ihr 3. Album befördert sie geradewegs auf die nächste künstlerische Ebene. Ein Hochgenuss.

Als die britische Band The Horrors im Jahr 2007 ihr Debüt "Strange House" vorlegte, waren noch so manche im Begriff, sie als Emo-Bälger abzutun. Doch spätestens mit ihrem Zweitwerk "Primary Colours" (2009) sollten auch eben jene eines besseren belehrt werden, als die Band uns ein Meisterstück aus Post-Punk und Shoegaze vor die Füße warf. Nun haben sie vor einigen Wochen ihr nunmehr 3. Album nachgelegt. Und mit "Skying", so der Titel des neuen Werkes, gelingt dem Quintett eine erneute künstlerische Weiterentwicklung. Die Einflüsse des Post-Punk-Revival sind hier noch immer allgegenwärtig, die Shoegaze-Elemente weichen hier aber neuen spannenden Klängen - so ergehen sie sich hier stärker an Synth- und Dream-Pop-, sowie deutlichen (Neo-)Psychedelia-Einflüssen. Und was die Jungs daraus für potentielle Hits drehen, lässt das Herz vor Freude hüpfen. Mit "Changing The Rain" (♪♫♪) startet die Band gleich schon mit einem eingängigen und atmosphärischen, äußerst stimmungsvollen Psychedelic-Rock-Ohrwurm, der noch eine leichte Brücke zum Vorgänger schlägt. Und nach diesem schon famosen Start, gehen die 5 jungen Männer erst recht in die Vollen. So legen sie mit "You Said" (♪♫♪) gleich eine großartige New-Wave-informierte Perle nach, die auf schillernden 80s-Synthies durch den Raum schwebt. Auf dem fabelhaften "Endless Blue" (♪♫♪) verquicken sie Post-Punk mit psychedelischen Elementen, und wecken so angenehme Erinnerungen an die 70er Jahre - wenn man will, kann man hier sogar einen Hauch von David Bowie heraus hören. "Dive-In" (♪♫♪) entwickelt sich zu einem großartigen psychedelischen Indie-Juwel, dass stark an die frühen 90er Jahre gemahnt, und die erste Single "Still Life" (♪♫♪) ist dann nicht weniger, als ein veritabler Indie-Synthpop-Hit. Mit der fast 9-minütigen Hymne "Moving Further Away" (♪♫♪), auf dem Post-Punk mit chilliger Psychedelia und New-Wave flirtet, wecken sie gar sachte Erinnerungen an Joy Division. Und lassen das Album durch "Ocean's Burning" (♪♫♪) mit einem eindringlichen, verträumt-melancholischen und psychedelischen Epos von zeitloser Schönheit ausklingen.

The Horrors bleiben auch auf ihrem 3. Album spannend und entwickeln sich kontinuierlich weiter. Die Band will scheinbar noch hoch hinaus - und sie haben verdammt nochmal auch das Zeug dazu. "Skying" ist der Beweis.

Besprochen: GORILLAZ - "THE SINGLES COLLECTION 2001 - 2011"

2011-10-05T20:28:00.004+02:00

Damon Albarns Primaten feiern ihren 10. Geburtstag mit ihrer ersten musikalischen Bestandsaufnahme.

10 Jahre soll es nun schon wieder her sein, seit Blur-Frontmann Damon Albarn uns mit seiner kreativen Kopfgeburt zum ersten Mal beglückte: seinen digitalen Primaten 2D, Murdoc, Noodle und Russel alias Gorillaz! Über 3 hervorragende Alben (plus das halb offizielle Album "The Fall", dass hier aber nicht bedacht wird) hinweg zeigte er uns bisher, wie verdammt toll Pop klingen kann, wenn man es nur richtig anstellt. Und das gesamte Bandkonzept war von Anfang an prädestiniert für eine derart magisch bunte Stilmischung, wie er sie mit den Gorillaz stets zur Schau stellte. Denn wer nicht selber in der Öffentlichkeit steht, sondern stattdessen die digitalen Puppen für sich tanzen lässt, inkl. ausgiebigen Biografien und wunderlichsten Abenteuern, dem stehen künstlerisch alle Türen offen. Und wie er das immer wieder in großartigen Pop umsetzte, lässt noch heute staunen. Und den 10. Geburtstag dann mit einer musikalischen Bestandsaufnahme zu feiern, lässt man den digitalen Antihelden absolut durchgehen. Aber der Titel der Compilation nimmt die Ernüchterung gleich vorweg. Denn hier handelt es sich nicht um eine ausgeklügelte Best-of, die neben Singles auch Album- und Schlüsseltracks, sowie B-Seiten und Non-Album-Releases enthalten könnte. Bei all dem hervorragenden Material, dass über ihre Studioalben hinausgeht, hätte eine echte Best-Of-Meisterleistung möglich sein können. Stattdessen gibt es hier die Singles ihrer 3 Studioalben in hübsch chronologischer Reihenfolge. Vom herrlich dunklen Comic-Western-Ohrwurm "Clint Eastwood" (♪♫♪), oder dem schick dubigen Klassiker "19-2000" (♪♫♪), über DEN 2005er Sommer-Hit "Feel Good Inc." (♪♫♪), und das schlicht und ergreifend saucoole und grandiose "Kids With Guns" (♪♫♪), bis hin zum feisten Ohrfänger "Stylo" (♪♫♪), sowie der schwebend wundervollen Synthpop-Perle "On Melancholy Hill" (♪♫♪). Musikalisch oberste Liga, wer die Alben allerdings bereits besitzt, der hat hier wenig Grund zum zugreifen. Einzig vielleicht durch ihre fabelhafte und bisher letzte Single "Doncamatic" (♪♫♪), die hier zum ersten Mal auf einem physischen Album der Gorillaz zu haben ist. Aber soll man sich dafür ein ganzes Album kaufen? Die beiden Remixe von "Clint Eastwood" und "19-2000", die es als Bonus oben drauf gibt, haben bei aller Qualität allerdings auch schon einen Bart - und Fans dürften selbige auch bereits ihr Eigen nennen. Und dann wird dieses Ende November erscheinende Album, dann auch noch passend zum profitablen Weihnachtsgeschäft auf den Markt geworfen. Eine typische und alle Jahre wieder zu bestaunende Plattenfirmen-Tradition, um sich dem potentiellen Käufer förmlich als an den Hals zu werfen - und auf das dieser sie fleißig unter den Weihnachtsbaum werfe. Eine Strategie also, die berechenbarer und noch kommerziell motivierter kaum sein könnte. Schade - ihr 10. Geburtstag hätte ein rauschender, bunter und aufregender Party-Marathon für ihre Fans werden können. Aber am Ende gibt es dann doch nur einen lauwarmen Händedruck - jedoch immerhin unterlegt mit guter Musik. Na dann Prost.

MUSIK:

PRODUKT:

Besprochen: WU LYF - "GO TELL FIRE TO THE MOUNTAIN"

2011-09-26T15:56:00.006+02:00

Der gerechte Hype: Mit ihrem Debüt haben WU LYF ein bewusstseinserweiterndes und erhabenes Album vorgelegt, dass manchen ihrer Landsmänner das Fürchten lehren könnte!

Da hat die junge Band WU LYF (Abkürzung für "World Unite! Lucifer Youth Foundation") aus Manchester ja schon einen ordentlichen Hype mitgemacht. Vor allem in ihrer Heimat wurde das Quartett von NME, Pitchfork und anderen Medien bereits ordentlich abgefeiert - auch wenn der wirkliche kommerzielle Erfolg sich noch nicht so recht einstellen wollte. Aber das beides, Hype und Erfolg, nicht immer viel über die wahre Qualität aussagt, ist kein Geheimnis. Also was hat es auf sich, mit der augenscheinlichen Faszination, welche diese Newcomer auf viele auszuüben scheinen? So folgt die Band etwa einem bekannten Erfolgsrezept, dass nicht nur in der Liebe funktioniert: Wer sich rar macht, der macht sich interessant. So hatten auch ihre konsequente Verweigerung von Interviews, oder das Zurückhalten von privaten Informationen, starken Einfluss auf die Neugierde vieler - was sich wiederum quasi wie ein Brandbeschleuniger auf den anfänglichen Hype auswirkte. Doch wie steht es denn nun musikalisch um die Band? Diesbezüglich toben sie sich in softem Indierock aus, der beständig in Post-Rock, Psychedelia oder Shoegaze hineinstrahlt. Und man kann sagen, dass sie in der Hinsicht sehr gute Karten in der Hand halten. Denn künstlerisch haben sie auf ihrem Debüt "Go Tell Fire To The Mountain" eine hochinteressante und tiefsinnige Richtung eingeschlagen, die sich dem Mainstream verweigert, ohne dabei aber verkopft zu wirken. Zwischenzeitlich fühlt man sich mit den allgegenwärtig schwerelos im Raum schwebenden Gitarren, gar an Bands wie The XX erinnert. Was aber eine unzureichende Umschreibung ihrer Musik darstellt. Man muss sich diese vielleicht in manchen Fällen auch etwas intensiver zu Gemüte führen - so wird manchem wohl der rohe (Sprech-)Gesang des Frontmannes auf Anhieb etwas suspekt anmuten. Doch spätestens beim zweiten Anlauf, sorgt selbiger hier für eine ganz eigene und eindringliche Atmosphäre, in der sich ihre 10 Komposition ausbreiten. Das zeigt sich schon im Opener "LYF" (♪♫♪), der mit psychedelischen Orgeln loslegt, und sich mit zum Teil stürmischen Drums und wunderbaren Gitarrenakkorden, in ungeahnte Höhen schraubt. Fast nahtlos geht er dann in den "Cave Song" (♪♫♪) über, der zwar den gleichen musikalischen Gesetzen unterworfen ist, durch seine wirbelnden Drums, die psychedelischen Gitarren und den inbrünstigem Einsatz des Sängers, ein erstaunliches Eigenleben entwickelt. Und wie selbiger dann auf "Such a Sad Puppy Dog" (♪♫♪) mit seinem dunkel raunendem Gesang einen hervorragenden Kontrast zu den sakralen Orgelklängen bildet, nur um alsbald umringt von Marschtrommeln und schwerelosen Gitarren gen Himmel zu schweben - das lässt schon ziemlich staunen. Mit epischen Trommeln und strahlenden Orgeln (die eindeutig und glücklicherweise zu ihren Stamm-Instrumenten zählen) startet dann die Single "Dirt" (♪♫♪), die sich als großartige Neo-Psychedelia-Perle entpuppt. "14 Crowns For Me & Your Friends" (♪♫♪) zeigt sich als atmosphärische und psychedelische Perle, die sanft und schwebend beginnt und sich zum Ende hin in einen berauschenden Wall-of-Spund steigert. Und dann beschließen sie ihr Debütalbum mit ihrer Debütsingle: "Heavy Pop" (♪♫♪), dass mit einem überlangen Intro beginnt und sich sanft zur Indie-Psychedelic-Hymne aufzuschwingen. Was für eine gewagte Wahl für das erste Statement einer Band - zumindest einer, die hohe Chartplatzierungen im Sinn hat. Doch das scheint bei WU LYF zum Glück nicht der Fall zu sein. Sie wollen einfach ihre Musik machen. Und bei einem so berauschenden Debüt, kann man nur hoffen das sie noch eine Menge davon machen werden.

Besprochen: NEON INDIAN - "ERA EXTRAÑA"

2011-09-17T19:22:00.006+02:00

Auf Album No.2 gelingt es der texanischen Band so gut wie nie, 80s-Synthpop-Hymnen mit den Mitteln der Zukunft zu kreieren.

Was hat uns Alan Palomo, musikalisches Gehirn der texanischen Band Neon Indian, doch vor 2 Jahren schon mit dem Debüt "Psychic Chasms" für eine knallbunte Elektro-Synthie-Wave-Wundertüte kredenzt. Es konnte einem beinah schwindelig werden, zwischen all den herrlichen Soundscapes und Synthieschwaden, die das Album grandios ins Langzeitgedächtnis frästen. Nun legen Neon Indian ihr zweites Album "Era Extraña" vor - und qualitativ noch eine ordentliche Schippe oben drauf. Trotz der hervorragenden Leistung des Erstlingswerks, hat man hier dennoch das Gefühl, dass sie ihre Stärken beim zweiten Anlauf noch besser zu bündeln und einzusetzen verstehen. Noch immer schwirren einem die Sounds und Effekte nur so um die Ohren - doch sie erweitern ihren Klangkosmos um zum Teil deutlich dunklere, melancholischere Aspekte, die ihnen scheinbar völlig neue Möglichkeiten eröffnen. Und 80er-Jahre Synthpop-Meisterstücke mit den Mitteln der Zukunft zu kreieren, gelingt der Band hier noch immer, oder eher gesagt: noch besser! So bringen sie ihre Songs hier stärker auf den Punkt, und verleihen ihnen eine noch eindringlichere Atmosphäre, ohne sich dabei aber in ihrer überschäumenden Kreativität zu beschneiden. Das Album startet (nach einem chillwavigem instrumentalen Intro) mit einem waschechten Ohrwurm: "Polish Girl" (♪♫♪) liefert fabelhaften, sonnenscheinig melodischen und schräg elektronifizierten Synthiepop, der mit Nintendo-Sounds flirtet. Und nicht weniger atemberaubend geht es auch weiter - sogar noch mehr: So folgt dann gleich "The Blindside Kiss" (♪♫♪), auf dem sie Dark-Wave-Atmosphäre mit herrlich melodischen Vocals, dunkel verzerrten Gitarren, und spielerischen C64-Klängen vereinen. "Hex Girlfriend" bietet dann ein grandioses und elektronisch in den buntesten Synthie-Farben schillerndes New-Wave-Meisterstück, wie aus einer anderen Welt. Der Titelsong "Era Extraña" (♪♫♪) offenbart sich als hypnotische Synthie-Wave-Pop-Perle, während sich "Halogen (I Could Be A Shadow)" (♪♫♪) zur erhabenen 80s-Elektro-Pop-Hymne aufschwingt, die aus dem Stegreif in Hirn und Beine fährt.

Mit "Era Extraña" ist Neon Indian eine Dance-Platte von höchstem Anspruch gelungen, die ihre Wirkung mit Sicherheit nicht verfehlen wird.

Besprochen: WILCO - "THE WHOLE LOVE"

2011-09-16T22:19:00.009+02:00

In letzter Zeit schon verliebt? Nein? Dann sei einem das neue Album von Wilco empfohlen - es könnte vielleicht ja sogar die ganz große Liebe werden.

Ich muss ja an erster Stelle durchaus zugeben: Das letzte und viel gefeierte Album "Wilco (The Album)" der (ebenfalls viel gefeierten) Band aus Chicago, hatte bei mir einen schweren Start. Es bedurfte doch einiger konzentrierter Hördurchläufe, ehe das Eis gebrochen war. Das neue und achte Album "The Whole Love", dass dieser Tage in den Läden steht, macht es einem da erheblich leichter. Sie setzen hier quasi auf den Überraschungseffekt - denn wer würde ahnen, was sie einem hier schon als Opener um die Ohren hauen: "Art of Almost" (♪♫♪) nennt sich dieser schwindelerregende 7-Minuten Epos, der mit leichten Störeffekten und einem Radiohead nicht unähnlichen Beat loslegt, langsam aber sicher zur Art-Pop-Hymne mutiert, und sich am Ende in einem leidenschaftlichen Gitarrengewitter entlädt. Eine kleine Lehrstunde darin, wie man schon nach dem ersten Stück die Kinnlade der Hörer zu Boden klatschen lässt. Und was sie hier sonst noch so wunderbares aushecken, lässt einen instinktiv mit gespitzten Ohren und geöffnetem Herzen vor den Boxen ausharren. Und das belohnen die Herren uns im Überfluss. Denn schon der nächste Song birgt ein weiteres Meisterstück: das herrliche, melodisch betörende, und von catchy 60s-Orgeln durchdrungene "I Might" (♪♫♪) - die erste und enorm hittaugliche Single des Albums. Auf sanft tapsenden Schritten kommt "Sunloathe" (♪♫♪) daher geschlichen, welches sich bei genauem hinhören als erhabene und nachdenkliche Kostbarkeit zu erkennen gibt. Mit "Drawned On Me" (♪♫♪) schicken sie dann einen beherzten und stimmungsvollem Folk-Rock-Ohrfänger ins Feld - ehe sie uns im direkten Anschluss mit der melancholischen, ja gar tieftraurigen Folk-Ballade "Black Moon" (♪♫♪) endgültig das Herz stehlen. Mit "Open Mind" (♪♫♪) ergehen sie sich an warmen und beherzten Country-Folk, der Titelsong "Whole Love" (♪♫♪) gibt sich als leichtfüßiger und melodischer Folk-Pop, während sie dann mit dem epische 12 Minuten (!) langen "One Sunday Morning (Song For Jane Smiley's Boyfriend)" (♪♫♪), dass sich allerdings als wundervolle und sanfte Folkballade herausstellt, das Album abschließen. Ein herrliches, phasenweise gar atemberaubendes Album haben Wilco uns da mal wieder kredenzt, dass seine Wirkung bei Kritikern und Hörern sicherlich wieder nicht verfehlen wird.

Besprochen: KASABIAN - "VELOCIRAPTOR!"

2011-09-15T21:39:00.007+02:00

Only The Strong Survive: Kasabian zeigen uns mit ihrem"Velociraptor!" kräftig die Zähne - und setzen sich mit einem Schlag an die Spitze der musikalischen Nahrungskette.

Da haben sich die Jungs aus Leicester aber ganz schön lange geziert. War Kasabians selbstbetiteltes Debüt doch eher in Ordnung gehender Dance-Rock, und der Nachfolger "Empire" überwiegend ziemlich aufgeblasener Pomp-Rock, der unschöne Erinnerungen an Meat Loaf weckte. Doch mit ihrem dritten Album "West Ryder Pauper Lunatic Asylum" zeigte die Band vor 2 Jahren, dass wesentlich mehr in ihnen steckte. Sie haben eben nur ein wenig länger gebraucht, um sich richtig auszudrücken. Und spätestens jetzt hatte die Welt sie endlich verstanden. Nun steht das neue und vierte Album der Band in den Startlöchern - und die an sie gestellten hohen Erwartungen, können sie aus dem Stand erfüllen. Und das ist nicht zuletzt dem Umstand zu verdanken, dass sie sich auf "Velociraptor!" so grandios durch die Stile und Einflüsse zappen, dass es eine wahre Freude ist. Das geht schon los mit dem fabelhaften Opener "Let's Roll Like We Used To" (♪♫♪), einem tadellosen Britpop-Ohrwurm, der auf einer erhabenen Melodie thront. Und weiter geht es dann auch gleich mit der Single - dem hübsch rockenden und eingängigen Ohrwurm "Days Are Forgotten" (♪♫♪). Und mit "Goodbye Kiss" (♪♫♪) kredenzen sie uns dann einen wunderbaren und melodieverliebten 60s-Britpop-Tearjerker, der schon das Zeug zum Klassiker birgt. Nach einem so vergleichsweise ruhigen Einstieg, schreckt man beim ersten Mal fast ein wenig auf, wenn sie uns dann im Titelsong "Velociraptor!" plötzlich die Zähne zeigen - in Form eines hübsch rockenden Krachers, der seinem Titel alle Ehre macht. "Acid Turkish Bath (Shelter From The Storm)" hingegen offenbart sich als bedrogter, eindringlicher und getragener Psychedelic-Pop-Epos, der auf orientalischen Einflüssen basiert. Das fabelhafte "Man Of Simple Pleasures" zeigt sich als warmes und von einer strahlenden Melodie gesegnetes Pop-Juwel - und mit dem feist in die Glieder fahrenden "Switchblade Smiles" (♪♫♪), gibt's dann einen famosen Elektrorock-Hit auf die Mütze. Ach, und wie sie uns dann mit dem fast schon majestätischen und psychedelischen "Neon Noon" aus dem Album entlassen, muss man einfach miterlebt haben.

Die Briten zeigen hier das sie definitiv den Dreh raus haben, und liefern eine Platte, die von vorn bis hinten überzeugt - und mit aller Wahrscheinlichkeit ihren Weg direkt in die Jahresbestenlisten finden wird. Denn mit "Velociraptor!" hat sich die Band endgültig einen Platz an der Spitze der musikalischen Nahrungskette gesichert.

Besprochen: THE DRUMS - "PORTAMENTO"

2011-09-15T19:28:00.011+02:00

The Drums machen es einem auf ihrem 2. Album nicht leicht - doch wer Geduld hat, dem wird sich hier dennoch ein wirklich gelungenes Album eröffnen.

Was war das doch 2010 für ein Hype um die charmanten Jungs von The Drums - ihr Album schlug bei Kritikern quasi ein wie eine Bombe, und die Blogger-Szene peitschte die Jungs nur so durch's Internet. Und das durchaus zurecht. Denn was waren das doch für wunderbare, himmelhoch jauchzende und sonnige Ohrwürmer, welche die Band uns dort servierte. Eigentlich eine wunderbare Vorlage für eine steile Karriere. Doch es kam anders: Das Album floppte erstaunlicherweise, und dann verließ auch noch Gitarrist Adam Kessler die Band. Vor allem nach dem Verlust eines nicht unwichtigen Mitgliedes, steht so manche Band vor der quälenden Frage, wie es jetzt weiter geht. Und zudem ist es nach einem derartigen Hype, wie ihn die Drums am eigenen Leib zu spüren bekamen, nicht leicht wieder festen Boden unter den Füßen zu gewinnen. Denn das bedeutet ganz klar, dass sie mit dem Nachfolger eine wirklich gute Leistung abliefern müssen. Die Hypemaschinerie ist zu labil und empfindlich - nur das kleinste Zeichen von Schwäche, ließe die einst zum Himmel gesungenen Lobeshymnen, wie ein unheilvollen Hagel aus Spott auf sie niedergehen. Aber Lob setzt natürlich dennoch eine entsprechend gute Leistung voraus - doch schon nach den ersten 2 - 3 Songs von "Portamento" drängt sich der Verdacht auf, dass sie hier einen recht lauwarmen Aufguss des Vorgängers verzapft haben könnten. Was aber nicht bedeuten soll, dass einem hier nicht schon auf Anhieb ein paar Perlen ins Gesicht springen würden. Die erste Single "Money" (♪♫♪) ist und bleibt ein charmanter, warmer Pop-Ohrwurm, den man sich durchweg gut gefallen lassen kann. Auch "I Need a Doctor", dass erneut mit den Drums-typischen Zutaten spielt, lässt wieder die einstige Frische und Unbeschwertheit spüren. Ebenso kann das melancholischer geratene, aber dennoch herrlich interpretierte "In The Cold" durchweg überzeugen. Am meisten sticht aber wohl das hervorragende "Searching For Heaven" aus dem Album heraus, welches als hypnotisch getragener und atmosphärischer Synthiepop überrascht. Ansonsten kann man sich auch durchaus den Rest der Platte gefallen lassen. Gerade bei mehrmaligem Hören schälen sich dann immer mehr tolle Momente aus den Songs heraus. Das soll aber noch längst nicht alles gewesen sein. Denn wer Geduld hat, der wird hier durchaus belohnt: Denn spätestens bei dem 5. oder 6. kompletten Hördurchlauf passiert etwas, dass man bei ersten Mal noch nicht geahnt hätte: Der Schleier der Ernüchterung öffnet sich, die Songs der Platte werden greifbarer. So kann man auch den Anfangs untergegangenen Songs immer und immer mehr abgewinnen, anfängliche "Hänger" erweisen sich als waschechte "Grower". So hört man auch aus dem Opener "Book Of Revelation", einen immer deutlicheren Ohrwurmcharakter heraus. Und auch die schick angestaubten Synthesizer in "Hard To Love", lenken plötzlich die Aufmerksamkeit auf einen potentiellen Hit.

Fazit: Man sollte über "Portamento" nicht zu vorschnell urteilen - sie können zwar bei weitem nicht die Klasse des Debüts erreichen, aber für ein wahrlich gelungenes Zweitwerk, dass ein paar echte Perlen zu bieten hat, reicht es dann doch allemal.

Besprochen: THE KOOKS - "JUNK OF THE HEART"

2011-09-07T19:33:00.007+02:00

The Kooks sind zurück und erleben auf Album No.3 einen kleinen zweiten Frühling. Davon in Zukunft bitte mehr.

Das letzte Album "Konk" der britischen Band The Kooks, war ja eine recht schwierige Angelegenheit. War ihr Debüt "Inside In/Inside Out" noch ein stürmisches, aber hochmelodisches Indierock-Album voll jungendlichem Sturm und Drang, tauschten sie dies auf ihrem Zweitwerk dann in eine recht gemütliche Lagerfeuerstimmung. Das Album war zwar weit davon entfernt schlecht zu sein, aber wer den Vorgänger kannte und liebte, konnte sich auf Dauer einer gewissen Ernüchterung nicht erwehren. 3 Jahre ist das jetzt her, da kommen die Jungs nun mit ihrem dritten Album des Weges: "Junk Of The Heart" heißt das gute Stück und zeigt, dass sich bei der Band eine Menge getan hat. Eines sei aber zu Anfang klar gestellt: Ihr 3. Album bedeutet keine Rückkehr zum alten rotzig-melodischen Indierock, der im Saft ihrer Jugend entstand. Die Band zeigt sich hier wieder von einer eher sanften Seite. Aber sie paaren dies mit wunderbaren Melodien. Und vor allem mit besseren Ideen als zuletzt. Zwar vermisst man auch hier zeitweilig immer noch die etwas ungestümere Art der frühen Tage, die hier vielleicht ansatzweise noch im fabelhaften Ohrwurm "Is It Me" (♪♫♪) ein wenig herüber strahlt. Aber dennoch gießen sie uns wieder ein paar herrliche Melodien ins Ohr. Angefangen schon mit dem Quasi-Titelsong "Junk of The Heart (Happy)" (♪♫♪), einer schmachtenden Pop-Perle mit hohem Suchtpotential. Ähnlich geschmeidig geht es hier auch weiter - aber die Band schafft es, uns immer wieder etwas neues zu bieten. "How'd You Like That" (♪♫♪) zeigt sich als pianogeschwängerter Britpop mit blumig strahlender Melodie, die zum beherzten mitträllern einlädt. "Taking Pictures of You" (♪♫♪) bezirzt als stark akustisch gefärbte und zu Herzen gehende Ballade, die sie mit sanften, atmosphärisch hallenden Gitarren garnieren. "Time Above The Earth" (♪♫♪) ragt als wunderschöne Ballade heraus, in der Sänger Luke Pritchard nur von einem leidenschaftlichen Streichorchester begleitet wird - mit nicht einmal 2 Minuten Spieldauer nur leider viel zu kurz geraten. "Runaway" (♪♫♪) spielt ein wenig mit gefühlt karibischen Einflüssen, "Killing Me" (♪♫♪) geht in feisten 80s-Pop-Anleihen auf, "Petulia" (♪♫♪) verführt als zärtlich akustische Liebesode, und "Mr. Nice Guy" (♪♫♪) offenbart sich als einer der größten potentiellen Hits der Platte, auf dem sie ganz offensichtlich David Bowie's "Let's Dance" zitieren. Fazit: Mit Album No.3 zeigen sich The Kooks zwar immer noch von einer recht zahmen Seite, und so richtig will es einen auch nicht vom Sofa pusten, sie können aber mit mehr Authentizität und Ideenreichtum punkten. Ein federleichtes und melodieverliebtes Pop-Vergnügen, dass perfekt in den Herbst passen wird.

Besprochen: OTHER LIVES - "TAMER ANIMALS"

2011-09-04T20:40:00.005+02:00

Wie auf einem bewusstseinserweiternden Trip durch die endlose Prärie des wilden Westens, kommt das zweite Album von Other Lives daher galoppiert. Ein Erlebnis das man nicht verpassen sollte.

Wie stark einen Menschen die natürliche Umgebung in der er aufwächst prägen kann, dass beweisen Other Lives auf ihrem zweiten Album. Die Band aus Oklahoma hat sich auf "Tame Animals" auf eine psychedelische Reise durch die endlose Prärie des mittleren 'Westens begeben - und uns ein Album voll fabelhafter Western-Perlen mitgebracht, die nichts mit den schwülstig klischeebeladenen Country-Schunklern zu tun haben, die sich jetzt vielleicht in mancherlei Ohr empor strecken. Sie geben sich hier voll und ganz einer eher melancholischen Grundstimmung hin und geizen auch nicht mit bewusstseinserweiternden Elementen, die ihren Songs eine ganz besondere Aura verleihen. Man beachte da schon den hervorragenden Opener "Dark Horse" (♪♫♪), der folkloristische Elemente, leidenschaftliche Streicher, beherzte Bläser und Flöten zu einem großartigen Western-Folk-Ereignis vereint. "As I Lay My Head Down" (♪♫♪) kommt dann als psychedelische, von einer famosen und sich sofort im Hirn festsetzenden Melodie begleitete Western-Ballade daher galoppiert. Im sanften, aber tiefgreifenden "For 12" (♪♫♪) zieht es uns dann vor dem inneren Auge unmittelbar durch staubige Prärielandschaften, stetig der am Horizont untergehenden Sonne entgegen. Das herausragende "Old Statues" (♪♫♪) offenbart sich als ein wundervolles Folk-Juwel, dass mental sofort unter die Haut geht - und wieder auf famose Weise alte Western-Geister herauf beschwört. Das atmosphärisch schwebende und psychedelisch grundierte "Desert" (♪♫♪), trägt uns durch schwüle und unendlich anmutende Steppen, um uns dann mit "Landforms" (♪♫♪) in majestätische und prachtvolle (Sound-)Landschaften zu katapultieren.
Mit "Tamer Animals" ist der Band ein andächtiges und höchst würdevolles Western-Folk-Pop-Werk gelungen, dem eine besonders zeitlose Magie innewohnt. Eine Magie, die einen auf Anhieb zu verzaubern fähig ist. Man muss nur die Augen schließen und sich forttragen lassen - auf eine Reise, von der man am liebsten nie wieder zurückkehren will.

Besprochen: ACTIVE CHILD - "YOU ARE ALL I SEE"

2011-09-03T17:17:00.005+02:00

Auf seinem Debüt operiert Pat Grossi alias Active Child mit wunderbar verwaschenem Synthie-Sounds, gepaart mit vielschichtig choralen Gesängen. Oder kurz gesagt: Eine kleine Offenbarung.

Viel gibt es noch nicht in Erfahrung zu bringen über den US-Musiker Pat Grossi, der unter dem Namen Active Child dieser Tage (bei uns in Deutschland allerdings erst im Oktober) sein Debütalbum "You Are All I See" vorlegt. Aber wer im letzten Jahr vielleicht schon über seine famose "Curtis Lane EP" stolperte, der dürfte sich auf Anhieb in solch herrliche Kostbarkeiten wie "I'm Your Church At Night" oder "Take Shelter" verliebt haben. Man brauchte keine hellseherischen Fähigkeiten um zu ahnen, dass dort etwas ganz großes im entstehen war. So wurde der junge Mann bereits als "Hippie hinter Synthesizern" bezeichnet - was die Sache vielleicht ansatzweise trifft, aber viel zu einfach umschrieben ist. So reichen seine Einflüsse doch von erhabenen Elektro-Elementen á la Passion Pit, über die sakral anmutende Tiefe von Bon Iver, bis hin zur dieser eindringlichen Stimme, die an Atony & The Johnsons gemahnt - was ihn aber nicht im geingsten davon abhalten kann, auch leicht urbane Elemente unterzubringen, wie ja bereits die famose erste Single "Playing House" (♪♫♪) offenbarte. Die zweite Single dürfte manchen da draußen auch schon ein Begriff sein: "Hanging On" (♪♫♪), eine wunderbar hypnotische, auf elektronisch und akustisch hingetupften Soundscapes schwebende Chillwave-Perle. Und mit diesen beiden Songs, zeigte er bereits vor Release des Debüts deutlich, in welche Richtung die Reise hier gehen würde. Und so gleitet einem schon beim ersten Auflegen der wunderbare Titeltrack und Opener "You Are All I See" (♪♫♪) auf schwerelos himmlischen Harfen ins Ohr. Und wiederholt somit ein Versprechen, dass er schon mit seinen bisher bekannten Songs gab - und welches das Album dann auch in der Tat in vollem Umfang einzulösen vermag. So verzaubert "See Thru Eyes" (♪♫♪) mit herrlichen Synthieflächen und einer wundervoll einnehmenden Melodie, welche einen auf fast schon religiöse Weise in ihren Bann ziehen. Was dann auch gleich im Anschluss auf die nur schönste denkbare Weise auf das verträumte und bezaubernd warme "High Priestess" (♪♫♪) zutrifft. Wie auf sanften Schwingen gleitet dann das emotional eindringliche "Way Too Fast" (♪♫♪) in verchillten Synthieschwaden zu uns herüber. "Ancient Eyes" (♪♫♪) empfiehlt sich als fabelhafter, von fast bewusstseinserweiternder Eleganz gesegneter Synthie-Pop mit Tiefgang. Und das grandiose "Shield & Sword" (♪♫♪) kann sich mit 80s-infizierten Synthies, maschinell elektronischen Effekten, und zupfenden Harfenklängen, fast schon als das Herzstück der Platte präsentieren. Ehe Grossi dem Album dann mit dem sanften, aber dennoch melancholischen und fast schon hymnischen "Johnny Belinda" (♪♫♪) ein ergreifendes Ende setzt. Es würde schon beinah an grober Fahrlässigkeit grenzen, wenn man dieses Album unbeachtet an sich vorüber gehen ließe. So führt "You Are All I See" das wieder munter rollende 80s-Revival konsequent auf die nächste Ebene - und zu einer erhabenen Schönheit, wie man sie in diesem Genre schon lange nicht mehr erlebt hat.

Besprochen: DAVID GUETTA - "NOTHING BUT THE BEAT"

2011-08-28T22:54:00.006+02:00

Der französische DJ und Produzent legt sein neues und konsequent betiteltes Album vor - denn außer dem Beat kann hier kaum etwas wirklich überzeugen.

Der französische DJ und Produzent David Guetta hat einen doch recht passablen Karrieresprung gemacht. Nachdem sein erstes Album bereits 2002 erschien und er seit 1984 musikalisch aktiv ist, kam der Durchbruch vor allem in den letzten Jahren. Unzählige große Namen hat er bereits produziert und zu Hits verholfen. Und er hat gar den Techno in den USA chartfähig gemacht. Doch all das soll uns nicht zu sehr davon ablenken, dass der Herr vielen da draußen in der Vergangenheit gehörig auf die Nerven gegangen ist. Mit seinen ewig gleich klingenden, stupiden Techno-Dance-Pop-Produktionen, stand schon so manch einer auf dem Kriegsfuß. Und daran erinnert uns auch sein neues Album "Nothing But The Beat". Ob Guetta allerdings weiß, welch Ironie in dem Albumtitel steckt, ist nicht überliefert. Denn bis auf den Beat gibt es hier wirklich nichts, was einem irgendwie den Schalter raushauen könnte. Immerhin fährt er hier mit einigen illustren Gästen auf, die hier sämtliche Songs der ersten CD schmücken. Die machen ihren Job auch meist gar nicht übel und sorgen für die einzigen kleinen Lichtblicke der Platte. Die musikalische Untermalung könnte allerdings eindimensionaler, berechnender und liebloser kaum sein. Nicky Minaj legt sich auf "Turn Me On" (♪♫♪) durchaus kräftig ins Zeug, muss sich allerdings von stupide technoiden Synthiesalven niederwalzen lassen. "Nothing Really Matters" (♪♫♪) mit will.i.am. ist ein vorersehbares RnB-Dance-Pop-Ärgernis, dass höchstens zu gepflegter Langeweile animiert. Prügelknabe Chris Brown kann auch mal wieder einen Hit gebrauchen, und trällert hier bei "I Can Only Imagine" (♪♫♪) mit. Erstaunlicherweise macht gerade er hier seinen Job äußerst solide, aber Monsieur Guetta fährt das Ding dann mit dümmlich ballernden Techno-Anleihen unter Vollgas gegen die Wand. Bei "Crank It Up" (♪♫♪), einer Kollaboration mit dem unvermeidlichen Akon, wird es dann ganz gruselig und zwingt geradezu zum weiter skippen. "I Wanna F" (♪♫♪) mit Afrojack, Timbaland und Dev sägt dann schonmal deutlich weniger an den Nerven und verordnet sich einen angenehmen Minimalismus - aber Dev ist die einzige hier beteiligte, der man wirklich ein gewisses Lob aussprechen kann. Der Rest...bleibt der Rest. Jennifer Hudson gibt auf "Night of Your Life" (♪♫♪) stimmlich alles, die Melodie passt auch, doch Guetta's obligatorische Trance-Salven die schon 2002 out waren, sorgen hier regelmäßig für Würgereflexe. Fast einzig positiv ragt "Sweat" (♪♫♪) heraus - was aber durch die Tatsache relativiert wird, dass es 1. nur ein Remix von Snoop Dogg's "Wet" ist, 2. nur punkten kann da es Felix' Danceklassiker "Don't You Want Me" zitiert, und 3. aber an beide Originale nicht heran reichen kann. Doch die herausragenteste Leistung des Albums liefert hier Sia in "Titanium" (♪♫♪), auf dem in Sachen Melodie und Stimme alles sitzt - wenn sie doch nur nicht immer wieder in wilden Techno-Orgien ersäuft werden würde. Die zweite CD liefert dann nochmal 10 instrumentale Stücke, die man sich dann allerdings auch nicht mehr unbedingt geben muss - oder gar will. Eine höchst ignorierenswerte Platte, die die Welt nicht braucht.

Besprochen: RED HOT CHILI PEPPERS - "I'M WITH YOU"

2011-08-26T17:00:00.004+02:00

Die Red Hot Chili Peppers kommen in diesen Tagen mit ihrem neuen Album daher - und machen es sich im Mittelmaß bequem.

Das John Frusciante einer der besten Gitarristen unserer Zeit ist, ist quasi schon in Schiefertafeln gemeißelt und eine nahezu unumstößliche Pop-Weisheit. Und ohne eben diesen begnadeten Virtuosen müssen die Red Hot Chili Peppers nun auf ihrem neuen und 10. Studioalbum auskommen. "I'm With You" heißt das gute Stück und ist ihr erstes Werk seit dem 2006er (Doppel-) Album "Stadium Arcadium". Auf eben diesem Album zeigten sie sich noch in mehr als solider Form, nur die Masse an Material (28 Songs über gut 2 Stunden Spieldauer) sorgte für eine schnelle Übersättigung. Das neue Album beschränkt sich zum Glück wieder auf die Hälfte der Songs des Vorgängers - nur müssen sie, wie eingangs erwähnt, ohne ihren Stamm-Gitarristen auskommen. Und das merkt man den neuen Songs deutlich an. Schon die erste Single "The Adventures of Rain Dance Maggie" (♪♫♪) enttäuscht als verdammt langweiliger Funk-Rock-Schunkler. Die neue Nr. 2 der Chili Peppers ist nun Josh Klinghoffer, der in der Vergangenheit für Warpaint, Gnarls Barkley oder Beck spielte. Durchaus ein illustrer Werdegang, aber die Lücke die durch den Ausstieg von Frusciante im Jahr 2009 entstanden ist, kann der Neuzugang natürlich nicht ausfüllen. Aber man merkt durchaus, dass die Band ab und an gewillt ist, dies auf anderer Seite auszugleichen. So kann man hier zu gegebener Zeit auch ein paar kleine Stil- und Sound-Experimente wahrnehmen. "Did I Let You Know" (♪♫♪) bringt ein paar schwungvoll erfrischende Latino-Einflüsse ins Spiel, "Dance, Dance, Dance" (♪♫♪) lässt schicke und durchaus gelungene Afrobeat-Anleihen vom Stapel, und "Monarchy of Roses" (♪♫♪) setzt rohe und verschwurbelte Verse einem eingängig melodischen Refrain entgegen. Aber ansonsten machen sie es sich hier mehrheitlich im Mittelmaß bequem und liefern im Grunde das, was man von ihnen erwartete und meist nicht mehr. Das kann dann auch mal durchaus passabel klingen, manchmal aber eben auch nur nach unaufgeregtem Standard. "Brendan's Death Song" (♪♫♪) kann durchaus Eindruck machen, allerdings erst wenn er zum Ende hin mal ein wenig aus dem Quark kommt. "Ethiopia" (♪♫♪) kommt mit relativ zündendem Refrain daher, schmeißt aber sonst nur allzu deutlich mit pfundweise Selbstzitaten um sich. "Annie Wants a Baby" (♪♫♪) ist ein durchaus akzeptabler RHCP-Standard, der eine nette Melodie mitbringt. "Look Around" (♪♫♪) bringt wieder mehr mitreißende Energie ins Spiel, bleibt im Band-Universum aber dann doch recht ideenloser Funk-Rock, der vorgibt ein Hit zu sein. Und "Even You Brutus?" (♪♫♪), benannt nach den angeblich letzten Worten von Julius Cäsar, behauptet sich dann gen Ende nochmal als überraschendes Highlight.
Die Red Hot Chili Peppers haben hier wahrlich nicht viel falsch gemacht - aber eben auch leider nur sehr wenig richtig. Doch wenn man ehrlich ist, hat man bei der Band im Grunde genommen auch gar nichts anderes erwartet. Am Ende ist "I'm With You" ein nett gemeintes, durchweg hörbares Album geworden, dass im Backkatalog der Band allerdings nicht mehr als eine Randnotiz bleiben wird. Schade - aber vorhersehbar!

Besprochen: THE RAPTURE - "IN THE GRACE OF YOUR LOVE"

2011-08-22T15:16:00.007+02:00

Lang nicht gesehen und fast nicht wieder erkannt: The Rapture machen sich mit Album No.3 so unverzichtbar wie nie zuvor.

Die breite Masse ist ja bisher gut um The Rapture aus New York herum gekommen. Die Story ging im Jahr 2003 so richtig los, als sie ihr gehörig spinnertes, aber in höchstem Maße elektrisierende Debüt "Echoes" vorlegten. Das konnte einem in seiner ungestümen und radikalen Mixtur aus Dance, Electronica und Post-Punk, kombiniert mit schrägen Vocals, schon ganz schön die Schuhe ausziehen. Mit dem 2006er "Pieces Of The People We Love", legten sie einen würdigen Nachfolger vor, für den sie u.a. Danger Mouse als Produzent gewinnen konnten. 5 Jahre ist das nun her, da kommt das Quartett plötzlich wieder daher und schiebt sein drittes Studioalbum hinterher. Und nachdem sie nun selbst Liebhaber kaum noch auf dem Radar hatten, meldeten sie sich mit einem überraschenden Knall zurück. Und zwar in Gestalt der ersten Single "How Deep Is Your Love" (♪♫♪), einem gnadenlos unwiderstehlichen Piano-House-Stampfer, den man jetzt schon zu einem der Songs des Jahres erklären muss. Doch wer nun dachte, dies sei ein Glücksgriff gewesen, oder mehr könne nicht mehr kommen, der hat sich gewaltig geirrt. Denn was die Band auf ihrem neuen Album "In The Grace Of Your Love" so treibt, soll die vorangegangenen Werke der Band weit in den Schatten stellen. Denn man könnte sagen das die Band auf Album No.3 erwachsen geworden ist. Mit soviel Stil, so hervorragenden Melodien und einer so überschäumenden Kreativität, die in die unterschiedlichsten Genres hineinstrahlt, haben wir The Rapture zuvor noch nicht gehört. So schon auf dem Opener "Sail Away" (♪♫♪), der Indie-Elemente perfekt mit Synthpop-Bombast verschmelzen lässt, und so zu einem betörenden Stück Elektropop wird. "Miss You" (♪♫♪) verbindet einen eingängigen Groove mit zarten Rock-Ansätzen und filigranen Synthiespielereien in bester New-Wave-Manier. Ein besonderes Highlight bildet auch "Come Back To Me" (♪♫♪): Erst eine Art shiny Balkan-Pop mit herrlichen Akkordeon-Samples, ehe es ab der Hälfte zu minimalistisch spacigem, von Beats getragenem Synthpop mutiert. Der Titelsong "In The Grace Of Your Love" (♪♫♪) macht als schillernder und hypnotischer, zum Teil gar psychedelisch geprägter Elektro-Art-Pop mit zwingendem Groove eine fantastische Figur. "Never Gonna Die Again" (♪♫♪) kommt dann mit einer Extraportion Funk- und Jazz-Elementen leichtfüßig daher getänzelt, um sich in einen nahezu dramatisch anmutenden Showdown zu steigern. Und in "Roller Coaster" (♪♫♪) begegnen uns hingegen plötzlich famos jauchzende 80s-Rock-.Gitarren, die sie fachmännisch in einen potentiellen Hit einbauen.
Seine wir mal ehrlich: Man hatte in den letzten Jahren beinah vergessen, dass es The Rapture auch noch gibt. Und dann kommen sie wie aus dem Nichts mit "In The Grace Of Your Love" daher, und zeigen sich auf dem Höhepunkt ihres bisherigen Schaffens. Ein Fall für die Jahresbestenlisten!

Besprochen: OH LAND - "OH LAND"

2011-08-15T11:49:00.000+02:00

Was passiert, wenn skandinavische Poptraditionen auf das kreative Ballungszentrum Brooklyn treffen, zeigt Oh Land auf ihrem zweiten Album: Ein kleines Elektropop-Juwel!

Skandinavien ist bekannterweise nicht arm an großen Popmelodien. Viele, viele Hits und Juwelen der populären Musik, wurden dort geboren. Und auch in der Gegenwart geizen sie nicht mit Ohrwürmern. Das derzeitige kreative Ballungszentrum, konzentriert sich jedoch vor allem in Brooklyn, New York City. Nur konsequent das die dänische Künstlerin eben dieses Fleckchen Erde als ihre Homebase auserwählt hat. Das hört man ihrem zweiten und selbstbetitelten Album "Oh Land" streckenweise auch deutlich an. Aber doch schafft sie hier vielmehr einen gelungenen Spagat zwischen Massentauglichkeit und popmusikalischem Anspruch. Die helfenden Hände die sie für ihr Zweitwerk engagierte, hatten selbige in der Vergangenheit schon bei Leuten wie Hot Chip oder Franz Ferdinand, aber auch bei Britney Spears oder Beyoncé im Spiel. Und so schafft es die junge Dame, die mit bürgerlichem Namen Nanna Øland Fabricius heißt, Anhänger verschiedener musikalischer Lager zu mobilisieren. Oberflächlich bleibt sie zwar immer bei der guten alten Tante Pop, im Hintergrund tummeln sich aber immer wieder spannende kleine Soundgimmicks und Klangelemente. Aber unterm Strich gelingt ihr dabei vor allem eins: Fabelhafte Popsongs. Das bestätigt schon das eröffnende "Perfection" (♪♫♪), auf dem sie uns zu einer Art "We Will Rock You"-Beat, federleichten Harfen und schwebenden Streichern, eine wunderbare Pop-Perle angedeihen lässt. Das sie aber auch auch ordentlich den Tanzflächen einheizen kann, zeigt sie mit der Single "Sun of a Gun" (♪♫♪): Einem tanzbar catchy Pop-Ohrwurm, so süß und unwiderstehlich wie mundwarmer Karamellpudding. Mit "Wolf & I" (♪♫♪) setzt sie dem einen sanft glöckelnden Pop-Song, mit melancholisch schwebender Atmosphäre und lieblicher Melodie entgegen. Auf "White Nights" (♪♫♪) reicht sie uns ein sonnenscheinigeres Stück Pop, stellt mit "Human" einen weiteren potentiellen Hit bereit, und zum Abschluss reicht sie uns mit "Rainbow" (♪♫♪) eine hinreißende Ballade mit tollem Arrangement. Sicherlich ist dies nicht der Stoff, aus dem eine Platte des Jahres gemacht ist. Doch neben all dem eintönigen und uninspiriertem Pop-Konsens der die Radios verpestet, macht "Oh Land" eine verdammt gute Figur.

Besprochen: GIL SCOTT-HERON & JAMIE XX - "WE'RE NEW HERE"

2011-08-15T11:09:00.000+02:00

Jamie XX wagt das Mammutprojekt, Gil Scott-Heron's neuestes und letztes Werk "I'm New Here" neu zu überarbeiten - und überzeugt dabei auf ganzer Linie!

Es war im vergangenen Jahr ein kleiner Meilenstein, als sich der große Gil Scott-Heron, dessen frühes Schaffen maßgeblich für die Entwicklung des Rap verantwortlich war, aufmachte, sein erstes Studioalbum seit 16 Jahren zu veröffentlichen. So schüttelte er mit "I'm New Here" ein minimalistisches und zeitloses Album von nicht mal 30 Minuten Länge aus dem Ärmel - und ein Meisterstück par excellence. Schnitt zu Jamie XX a.k.a. Jamie Smith, kreativer Kopf der britischen Newcomer-Sensation The XX. Die im Jahr 2009 mit ihrem Debüt "XX" ein grandioses und minimalistisch unterkühltes Juwel auf die Welt losgelassen haben. Und eben dieser jugendliche Newcomer traut sich mit "We're New Here" an das gewagte Mammutprojekt, eben jenes Album des Altmeisters neu zu überarbeiten. Und wo manch anderer wahrscheinlich kläglich scheitern würde, zeigt sich Jamie XX dieser Herausforderung jedoch erstaunlich gewachsen. Mehr noch: Er schafft es den Songs seine ganz eigene Atmosphäre einzuhauchen, ohne sie zu entstellen. So klingt das, was streng genommen ein Remix-Album ist, vielmehr wie ein in sich schlüssiges Werk, das eine Auswahl der Album-Tracks in einem anderen Licht erstrahlen lässt. Dabei sticht vor allem seine grandiose Neubearbeitung von "I'll Take Care Of U" (♪♫♪) heraus, die er mit hallend im Raum schwebenden Chris-Isaac-Gitarren, ganz in seinen eigenen Soundkomsos beamt. Aber hervorragende Leistungen hört man hier an allen Ecken. So etwa in seiner Fassung von "I'm New Here" (♪♫♪), die er genial um schleppende Beats, schillernde Synthie-Effekte und ein hochgepitchtes Gloria-Gaynor-Sample ("Cassanova Brown") ergänzt. Aus der intimen Piano-Soul-Perle "Home Is Where The Hatred Is", wird eine schlicht "Home" (♪♫♪) betitelte, atmosphärisch schwebende und soft dubstepige Angelegenheit. Das tolle "The Crutch" (♪♫♪) reichert er mit treibenden Drum'n'Base-Beats, hochgepitchten Vocalfetzen von Baby Washington und Synthesizern an. Das hohe Niveau des im Original sehr düsteren "Ur Soul And Mine" (♪♫♪) kann er zwar nicht erreichen, kreuzt es aber hervorragend mit dem 2000er House-Klassiker "Touch Me" von Rui da Silva. Und das ursprünglich sehr erdige und minimalistische "NY is Killing Me" (♪♫♪), lässt er hier zu einem leicht spukigen Elektropop mutieren. Zwar kann "We're New Here" nicht gänzlich an die Klasse des Originals heran reichen, zeigt aber was möglich ist, wenn ein junges auf ein altes musikalisches Genie trifft. Und es hätte wahrlich auch großartiges heraus kommen können, hätten die beiden eines Tages vielleicht gemeinsam im Studio gestanden. Doch nur wenige Wochen nach erscheinen dieses Remix-Albums im Februar diesen Jahres, verstarb Gil Scott-Heron im Alter von 62 Jahren. Und so wirkt "We're New Here" heute fast wie eine Hommage und eine tiefe Verbeugung für eine Legende und einen der wichtigsten Wegbereiter des Rap.

Besprochen: TODDLA T - "WATCH ME DANCE"

2011-08-15T10:33:00.000+02:00

Mit seinem Zweitwerk erschafft der Brite ein herrlich eklektisches Dance-Vergnügen, dass durch mehrmaliges Hören kontinuierlich gewinnt.

Nachdem bereits das hierzulande so gut wie völlig ignorierte Debüt "Skanky Skanky" (2009) von Toddla T, bei der britischen Presse für viel Lob sorgte, erscheint dieser Tage nun sein Zweitwerk "Watch Me Dance". Hoffen wir, dass der 26jährige DJ, Remixer und Produzent, der gebürtig auf den Namen Thomas Mackenzie Bell hört, nun auch in Deutschland für mehr Aufsehen sorgen wird. Verdient hätte es dies allemal - denn mit "Watch Me Dance" haut er uns nicht weniger als eine famose und höchst eklektische Dance-Platte um die Ohren, auf dem diverse Stile und Elemente ihre Finger im Spiel haben. Das der junge Mann bisher viel mit Rap , Dancehall oder Grime am Hut hatte, merkt man zwar auch dem neuen Album an, aber hier hat ihn vor allem der Dance und Pop der späten 80er bis frühen 90er gleichermaßen sozialisiert, wie man hier aus unterschiedlichen Quellen hören kann. Pate dafür steht bereits die erste und famose Single "Take It Back" (♪♫♪): Ein großartiger, von herrlicher Synthiepiano-Hookline angetriebener Ohrwurm, für den er die in den 90ern erfolgreiche Soulpop-Sängerin Shola Ama reanimierte. Genau genommen eine Schande, dass diese Perle bislang noch nicht in der kollektiven Wahrnehmung der Deutschen angekommen ist. Die zweite Single tanzt dann schon wieder auf einer ganz anderen Hochzeit: "Watch Me Dance" (♪♫♪) zeigt sich ganz von Einflüssen aus Rap, Funk und Disco vereinnahmt, und kann als Gastvokalist mit Roots Manuva auffahren. Das von Roisin Murphy besungene "Cherry Picking" (♪♫♪) macht sich als hervorragende Elektropop-Köstlichkeit, mit allerlei feinen Soundbeilagen einen Namen. "Streets So Warm" liefert allerlei feiste Elektrospielereien, die er äußerst gelungen mit Dancehall-Einflüssen kombiniert. "Badman Flu" (♪♫♪) hört sich mit seiner minimalistischen, aber teilweise gar acid-artigen Elektronik und den rasenden Raps, fast wie ein männlicher Gegenpart zu M.I.A. an. "Lovely Girl" präsentiert sich als verträumt sonnenscheiniger Elektro-Soul-Pop mit Ohrwurm-Faktor, und auf "Do It Your Way" kombiniert er eine famos weiblich besungene, funky und gefühlvolle Soul-Hymne zuerst mit fiepsenden Nintendo-Sounds - um sie ab der Mitte großartig mit triphopigen Elektro-Beats zu zäsieren.
Was der junge Brite hier abliefert, ist ein Dance-Album, dass ungeheuer Spaß machen kann - wenn man ihm denn die Chance dazu lässt. Wer also den Soundtrack für den langsam zu Ende gehenden Sommer 2011 noch nicht gefunden hat, der darf bei "Watch Me Dance" bedenkenlos zugreifen.

Besprochen: JAY-Z & KANYE WEST - "WATCH THE THRONE"

2011-08-13T20:38:00.004+02:00

Die beiden unanfechtbaren Könige des US-HipHop, greifen gemeinsam nach dem Thron - und sichern sich ihre Herrschaft mit dem HipHop-Album des Jahres!

Wenn man den zeitgenössischen US-HipHop betrachtet, könnte man fast das heulen kriegen. Schon seit einigen Jahren herrscht in dieser Sparte ein derartiges Überangebot an uninspirierter Fließbandware, dass man dem Genre am liebsten gänzlich abschwören würde. Wenn es da nicht eine kleine handverlesene Gegenbewegung gäbe, die immer wieder wahrlich einfallsreiches auf die Hörerschaft losließe. Und zu denen zählen zweifellos auch Jay-Z und Kanye West - vielmehr sind sie die beiden unbestrittenen Könige des US-HipHop. Und nachdem sie in der Vergangenheit schon desöfteren gemeinsam arbeiteten (so produzierte Mr. West zahlreiche Songs von Jay-Z, welcher sich öfters mit tollen Features bei ihm revanchierte), scheint es nur konsequent, dass sie nun mit einem ganzen Album gemeinsam nach dem Thron greifen und ihr Königreich untereinander aufteilen. Hatte Jay-Z doch zuletzt eine hervorragende Leistung mit "The Blueprint 3", und West mit "My Beautiful Dark Twisted Fantasy" sogar ein grandiosen HipHop-Meilenstein abgeliefert, bündeln sie nun auf "Watch The Throne" ihre Kräfte - und stampfen dabei ein wahrhaftes HipHop-Juwel aus dem Boden, dass die Messlatte für den HipHop des Jahrgangs 2011 in schwindelerregende Höhen legt. Denn was sie hier soundtechnisch alles wildes treiben, lässt einen schon ganz schön staunen. Da wäre natürlich an knapper erster Stelle der HipHop, dem aber ein hoher Anteil an Pop zur Seite Steht - und regelmäßig mit den unterschiedlichsten, aber stets homogen und hervorragend eingewobenen Elementen von Soul, über Elektro bis hin zu Funk konfrontiert wird. So wird etwa das fabelhafte "No Chruch In The Wild" (♪♫♪) mit einem furztrockenen Glam-Rock-Groove und schwebenden Synthieflächen unterlegt, die die gelungenen Raps und famosen (teils Vocoder-) Gesangspassagen einrahmen. Mit dem ultimativ begeisternden und einfallsreichen "Lift Off" (♪♫♪), hüllen sie HipHop- und Soul-Elemente in einen herrlichen Synthpop-Mantel, in dem vor allem Beyoncé Knowles als Gastsängerin eine verdammt gute Figur macht. "Niggas In Paris" (♪♫♪) bietet feinsten HipHop auf der Basis von minimalistisch fiepsender Synthiehookline und stampfenden Beats, ehe es am Ende in maschinellen Effekten und schwebenden Pianos mündet. "Otis" (♪♫♪) darf sich zurecht als feister und funky HipPop-Kracher abfeiern, der sich glänzend an James Brown, aber vor allem an Otis Redding's "Try A Little Tenderness" bedient. Mit "New Day" (♪♫♪) haben die beiden eine zauberhaft eindringliche Piano-HipPop-Perle im Angebot, die sie nicht weniger als grandios mit Vocalssamples aus Nina Simone's "Feeling Good" verflechten. Mit der wunderbaren und warmherzig-nachdenklichen HipPop-Perle "Made In America" (♪♫♪) liefern sie einen weiteren Höhepunkt, und setzten selbst als Schlusslicht mit "Why I Love You" (♪♫♪) ein Highlight mit hohem Hitfaktor. Doch auch die Deluxe-Edition des Albums sollte sich durchweg lohnen. So versteckt sich etwa hier die nicht weniger als grandiose erste Single "H•A•M" (♪♫♪), auf der sie catchy HipHop mit dramatischem Orchester und epischen Opernarien verschmelzen. Auf "Watch The Throne" kommt einem tatsächlich kaum eine schwache Minute unter, stets zaubern sie irgendeine neue Soundattraktion aus dem Ärmel, nie ahnt man was als nächstes passieren wird. Und in Zeiten, in denen viele da draußen höchstens ein paar passable Singles zustande kriegen, lässt es einen wahrlich staunen, mit welch einer scheinbaren Leichtigkeit sie den Hörer hier bis zum Ende fesseln. Und prompt mit dem Wunsch zurücklassen, die Platte gleich nochmal von vorn zu hören. So steht schon heute nahezu garantiert fest, dass "Watch The Throne" keine geringe Rolle in meiner Jahresbestenliste spielen wird. Lang leben die Könige!

Diskografie-Special: AMY WINEHOUSE

2011-08-05T22:49:00.000+02:00

Im Sommer 2011 sollte eine Ära zu Ende gehen - auch wenn sie nur sehr kurz war. Und wild. Am Nachmittag des 23.Juli diesen Jahres, starb Amy Winehouse im Alter von nur 27 Jahren. Es sollte der Tod eines großen, beliebten und hochbegabten Stars sein. Und ein Tod, der für viele nicht allzu unerwartet kam. Das sie sich mit ihrem exzessiven Alkohol- und Drogenkonsum eines Tages zugrunde richten würde, befürchteten die meisten, die ihre zahlreichen Skandale, Zusammenbrüche, Ausschweifungen oder Entzugsversuche mitverfolgten. Und doch ist es wie bei vielen großen Stars, die plötzlich aus dem Leben gingen - ob nun Jimi Hendrix, Janis Joplin, Michael Jackson oder Kurt Cobain...fast jeder konnte den Abgrund sehen, auf den sie zusteuerten, hoffte aber insgeheim, dass sie vorher doch noch die Notbremse finden würden. Doch sie fanden sie nicht - ebenso wie Amy Winehouse. Doch wollen wir an dieser Stelle nicht über die Umstände ihres Todes mutmaßen - zumindest solange die Todesursache noch unklar ist, wie zum aktuellen Zeitpunkt der Fall. Vielmehr geht es mir hier im speziellen auch nicht darum, ihre Skandale und ihre Ausschweifungen erneut durchzukauen. Die Boulevardpresse wird schon genügend Papier damit verschwenden, all diese einstigen Fehltritte für die nächsten Generationen zu konservieren. Doch hier soll es um etwas viel wichtigeres und vor allem GEwichtigeres gehen, dass sie der Nachwelt hinterlässt: ihre Musik! Denn sie wurde innerhalb nur weniger Jahre zu nicht weniger, als einer DER größten Soulstimmen unserer Zeit. Konkurrentinnen wie Adele mögen ihr durchaus (und zum Teil gar berechtigt) gefährlich geworden sein, aber war es doch Amy, die den klassischen Soul wieder in die Herzen der Menschen zauberte - und eine Schleuse öffnete für viele die es ihr erfolgreich nachmachten. Denn auch eine Adele hätte ohne Amy nicht den Erfolg den sie heute hat. Doch kommen wir nun zu ihrer Musik, welche der Nachwelt immer bleiben wird. Und dazu kann man nur sagen: zum Glück! Denn wer Soul nur im Ansatz zu schätzen weiß, der konnte die Musik von Amy Winehouse nicht ignorieren. Nur 2 Alben und einige weitere Songs sind zu ihren Lebzeiten erschienen. Doch um eben diese soll es nun hier gehen...bei dessen Bewertung ich nicht anders kann, als einen etwas persönlicheren Charakter als hier sonst üblich mit einfließen zu lassen. Doch eines sei klar gestellt: Ihr Tod hat hier keinerlei Einfluss auf meine Bewertung der Musik. Diese bewerte ich ebenso, wie ich es auch sonst getan hätte. Nun aber lasse ich ihre Musik für sich sprechen....

"FRANK" (2003)

Als ich im Januar 2005 zum ersten Mal (durch den Musikexpress) auf das Debütalbum "Frank" von Amy Winehouse aufmerksam wurde, geschah dies durch das Hören des daraus stammenden Songs "Fuck Me Pumps" (♪♫♪). Und diesem erfrischenden, catchy von HipHop-Beats unterlegten Soul-Ohrwurm, konnte ich auf Anhieb nicht widerstehen - dieser im heutigen Showbiz nahezu einzigartigen Stimme, die Erinnerungen an große Souldiven wie Ella Fitzgerald weckte, erst recht nicht. Und so kam es, dass ich tags darauf ihr Debütalbum meine Eigen nannte. Doch was mich auf "Frank", das sie im Alter von nur 19 (!) Jahren aufnahm, erwarten würde, dass war mir zu diesem Zeitpunkt sicherlich noch nicht klar. Doch schon nach dem ersten Hördurchlauf, hatte sie bei mir bereits alle Türen eingerannt. Denn was hier nach und nach aus den Boxen perlte, sollte in seiner Summe nichts geringeres ergeben, als eines der größten und famosesten Soulplatten der 2000er - so ist es etwa auch in meiner hier bereits vor 11/2 Jahren veröffentlichten Liste, der für mich persönlich besten Platten der vergangenen Dekade vertreten. Die Gründe dafür dürften für jeden auf der Hand liegen, der diesem Album aufmerksam lauscht. Es sind die fast ausnahmslos fabelhaften und authentischen Soulperlen und die frische, aber zugleich traditionell soulige Produktion, die dieses album von den meisten anderen seiner Dekade abhob. So etwa wie das jazzig-melodische und leidenschaftliche "Stronger Than Me" (♪♫♪), das gleich zu Beginn ein paar kräftige Sonnenstrahlen durch die Boxen jagt. Und auch das darauf folgende "You Sent Me Flying" (♪♫♪) steht dem mit schleppenden Beats, perlendem Piano und fantastisch eindringlich-mitreißendem Gesang, in nichts nach. Mit zärtlich verspieltem Piano, und sachte eingesetztem, jazzigen Saxofon, gibt sie mit "(There Is) No Greater Love" (♪♫♪) eine wunderbare Soul-Jazz-Ballade zum besten. Auf "In My Bed" (♪♫♪) erwartet uns großartiger und formvollendeter Soul-Pop, mit deutlich oldschooligem HipHop-Flair. Und daneben gibt es dann noch das verträumte und herrliche "Take The Box" (♪♫♪), dass melancholisch anmutende und ganz und gar grandiose "What Is It About Men" (♪♫♪), oder den ziemlich blumigen und lockerflockigen Ohrfänger "Help Yourself"(♪♫♪), der aus heutiger Sicht so wirkt, als hätte sie schon einst eine Botschaft für ihr zukünftiges Ich hinterlassen: "I can't help you if you won't help yourself."
Ein großartiges Retro-Soul-Meisterwerk, dass durch seine stete aber nicht zu aufdringliche HipHop-Ästhetik eine frische Note besitzt, die den klassischen Soul der 60er großartig in das neue Jahrtausend beamte. Ein süchtig machendes und berauschendes Soul-Vergnügen, dass man auch in 20 Jahren noch mit schmelzender Seele auflegen wird.

"BACK TO BLACK" (2006)

Das zweite - und letzte - Album der Amy Winehouse, sollte ihr den endgültigen Durchbruch zum weltweit gefeierten Superstar bringen, zur wohl größten Soulstimme unserer Zeit. Und es war mit einem gewissen Stilwandel verbunden. "Back To Black" sollte eine merkbar melancholischere Facette in ihrem Schaffen darstellen. Für Liebhaber des Debüts konnte allerdings der plötzliche Bläserbombast, den Produzent Mark Ronson seinem neuen Schützling angedeihen liess, aber doch ein wenig befremdlich wirken. So wie auch bei mir einst der Fall. Doch hat man sich erstmal damit abgefunden, kann man sich damit auch schnell mehr als nur anfreunden. Denn gibt man sich diesem Album und all seinem Gefühl voll und ganz hin, dann purzeln die Perlen nur so aus den Boxen. Und in einigen von ihnen, waren ihre Probleme bereits deutlich zu erkennen. Schon der Opener und erste Single "Rehab" (♪♫♪), ein ungemein catchy und mitreißender Soul-Pop-Kracher, kündete von dem Widerwillen der Künstlerin, an einer Entziehungskur teilzunehmen. Das wunderbare "You Know I'm No Good" (♪♫♪) zeigt dann den ersten melancholischeren Moment des Albums - und es soll nicht der letzte bleiben. Denn trotz solch lebensbejahenden Beiträgen, wie etwa dem tollen und schwungvollen Ohrfänger "Tears Dry On Their Own" (♪♫♪), oder der hübsch abgehangenen Soul-Perle "Me & Mr. Jones" (♪♫♪), hat "Back To Black" dennoch einen deutlich dunkleren Anstrich als sein eher optimistischer Vorgänger. Das macht sie vor allem im Titelsong "Back To Black" (♪♫♪) deutlich - einem düsteren und melancholischen Soul-Pop-Juwel, und einer ihrer vielleicht besten Songs. Und auch im nachdenklichen "Wake Up Alone" (♪♫♪), dem herzerweichenden "Love Is A Losing Game" (♪♫♪), oder dem sanft wehmütigen "Some Unholy War" (♪♫♪), setzt sich diese Stimmung fort. "Back To Black" sollte somit zum großen Durchbruch, und zugleich zum letzten künstlerischen Vermächtnis von Winehouse werden. Und eine große Soul-Platte wird sie wohl für immer bleiben. Zwar konnte sie nicht ganz an die große Klasse des Vorgängers "Frank" anknüpfen, kommt aber gefährlich nah heran. Und es wird dennoch das Album sein, auf das die Menschen als erstes zurückblicken werden. Denn "Back To Black" ist zwar nicht ihr bestes Album, aber eines das so sehr ihre Seele und ihren Geist atmet, wie es das kein anderes könnte.

Doch es gab noch mehr Musik von Amy Winehouse, die abseits ihrer 2 einzigen Studioalben veröffentlicht wurde. Am bekanntesten davon wohl der 2007er Hit "Valerie" (♪♫♪), ein zusammen mit Mark Ronson produziertes Cover der britischen Indieband The Zutons. Und im selben Jahr veredelte sie zudem die Solosingle "B Boy Baby" (♪♫♪) vom Ex-Sugababe Mutya Buena . Aber da war noch mehr. Etwa im letzten Jahr ihr Cover des Klassikers "It's My Party" (♪♫♪) von Leslie Gore, welches in Kollaboration mit Quincy Jones entstand. Doch gehen wir noch weiter zu ihren Anfängen zurück: Im Jahr 2004 steuerte sie die liebliche Ballade "Will You Still Love Me Tomorrow" (♪♫♪) zum Soundtrack der erfolgreichen britischen Komödie "Bridget Jones: Am Rande des Wahnsinns" bei. Im Jahr 2005 glänzte sie dann als Duettpartnerin des Newcomers Tylor James, auf der warmen Ballade "Best For Me" (und auf seinem Debütalbum wirkte sie zudem bei 2 weiteren Songs als Co-Autorin mit). Und im Jahr 2008 erschien dann das verträumte "Fool's Gold" (♪♫♪) auf dem Soundtrack zum Kinofilm von "Sex And The City". Aber auch in diesem Jahr wird es noch mindestens einen Song mit ihr zu hören geben: Im September erscheint das Album "Duets II" von Tony Bennett, auf dem sie gemeinsam den 30er-Jahre-Jazz-Klassiker "Body And Soul" interpretieren.
Aber mit Sicherheit wird dies lange noch nicht alles gewesen sein - noch kein großer Künstler blieb nach seinem Tod davon verschont, dass sein musikalischer Nachlass aus den Archiven gegraben und in manchmal wunderlichster Qualität an die hungrigen Massen verfüttert wurde. Eines der berühmtesten Beisspiele dafür ist etwa Jimi Hendrix, dessen Erbe bis heute kräftig ausgeschlachtet wird. Und so wird es mit Sicherheit auch bald Amy Winehouse ergehen, die ja nun neben ihm und weiteren großen Künstlern wie Kurt Cobain, Janis Joplin oder Jim Morrison, dem Club27 angehört - sie alle waren Vollblutmusiker, die ihr Leben unter das Motto "Live Fast, Love Hard, Die Young" stellten. Sie alle wurden nur 27 Jahre alt. Aber sie alle waren Genies.
Auch wenn - realistisch betrachtet - das tragische Ende der Amy Winhouse abzusehen war, so war und ist ihr Tod dennoch für viele ein Schock. Es ist der Tod einer Jahrhundertstimme, die den Kampf mit ihren inneren Dämonen endgültig verloren hat.
Ein gefallener Engel ist nach Hause zurückgekehrt.

Ruhe in Frieden, Amy.

Besprochen: TWIN SHADOW - "FORGET"

2011-08-02T23:46:00.005+02:00

Mit seinem 2010er Debüt gelang dem Herren aus Brooklyn nicht weniger als ein moderner New-Wave-Meilenstein.

Selbst als erklärter Musik-Nerd, kann man natürlich nicht immer seine Ohren überall haben. Und so rauschen auch manche Perlen durch's Raster, die man dann häufig erst später entdeckt. Wenn überhaupt. Mit Twin Shadow, hinter dessen Pseudonym sich der Musiker George Lewis Jr. aus Brooklyn verbirgt, ist das so ein Fall - auch wenn sein Debütalbum "Forget" erst im November 2010 erschien, und somit noch kein ganzes Jahr auf dem Buckel hat. Allemal früh genug, um diese Perle noch im aktuellen Zustand für sich zu entdecken. Und wer diese Platte noch nicht kennt (was sicherlich nicht wenige sein werden), sollte dies schleunigst ändern. Denn mit seinem musikalischen Einstand, für welchen er Chris Taylor von Grizzly Bear als Produzent verpflichtete, schüttelte ein derart beseeltes und ganz und gar hinreißendes, aus New Wave, Synthie- und Indie-Pop geschmiedetes Meisterstück aus dem Ärmel, dass einem ein wohliger Schauer über den Rücken fährt. Der Opener "Tyrant Destroyed" (♪♫♪) sorgt zu Beginn zwar schonmal für eine recht düstere Atmosphäre, während dann aber schon das nachfolgende "When We're Dancing" (♪♫♪) deutlich sonnigere New-Wave-Momente und einen soft funky Groove mitbringt - und eine Vorstellung davon bietet, wie gut David Bowie in den 80ern hätte klingen können. Doch das ist nicht die einzige Erinnerung an berühmte musikalische Köpfe, die hier hin und wieder aufflammen. Auch das wunderbar unaufgeregte "In Can't Wait", oder das leidenschaftlich melodieverliebte "At My Heels" (♪♫♪) haben ein paar schicke Bowie-Momente zu bieten, während das ganz und gar grandiose "Slow" (♪♫♪) vor allem gesanglich stark an The Smiths gemahnt. Aber vergessen wir die Vergleiche und hören lieber diese fantastischen Songs. Wie das grandiose, elektrobeatige und getragene Meisterstück "Tether Beat" (♪♫♪), das zur famos zurückhaltenden Indie-New-Wave- Hymne anwachsende "Castles In The Snow" (♪♫♪), oder auch der Titelsong, die hinreißende New-Wave-Ballade "Forget" (♪♫♪). Ein schlicht und ergreifend hervorragendes Album, dass sich schon auf Anhieb in die Hirnwindungen schraubt. Ein Album das die Herzen der Menschen im Sturm erobern kann - man muss ihm nur die dazu Chance geben.

Besprochen: FOSTER THE PEOPLE - "TORCHES"

2011-07-28T19:55:00.003+02:00

Den neuesten Lieblingen der Saison gelingt mit ihrem Debüt ein durchaus solider und vielversprechender Einstand.

Man kann quasi die Uhr danach stellen - pünktlich zu jeder neuen Frühling/Sommer-Saison, spucken Medien und Blogs neue In-Bands aus. Und immer auf's Neue ist es dann angeblich das beste, geilste und neueste auf der Welt. Wenn man sich dieses Musikkarussell länger anschaut, kann einem ganz schwindelig werden. Denn viele dieser groß gehypten Neulinge schaffen es, einen höchstens kurzweilig zu bespaßen. Doch ein paar andere wenige konnten sich als wahrhaft ernstzunehmende Künstler behaupten. Das US-Trio Foster The People, die neuesten Lieblinge der Saison, positionieren sich irgendwo in der Mitte. Der Dreier aus L.A. gibt sich hier hörbar Mühe, einprägsame und einnehmende Melodien zu schaffen, kreuzen dieses mit lockerflockigem Indie-Pop, zeitgeistigen Dance-Elementen, auch mal saftigen Gitarrenriffs und einer extra Portion Sonnenschein. Denn dieser dringt hier durch alle Ritzen, egal welche musikalische Form sie gerade annehmen. Sogar in der nachdenklichen, aber durchweg fabelhaften Indiepop-Hymne "Waste" (♪♫♪), quasi dem Herzstück ihres Debütalbums "Torches". Doch noch deutlichere Beispiele geben da der warme und verträumte Ohrwurm "I Would Do Anything For You" (♪♫♪), der extrem catchy Synthpop-Kracher und Albumopener "Helena Beat" (♪♫♪), der lässige und famose - den ganzen Hype erst auslösende - Hit "Pumped Up Kicks" (♪♫♪), oder das prächtige und discoide "Houdini" (♪♫♪) ab. Das mitreißend melodische "Life On The Nickel" spielt hervorragend mit trommelnden Beats, elektronischem gefrickel und gezirpe, sowie mit eingestreuten Nintendo-Sounds. Und das hervorragende, fast schon psychedelisch-verstörende "Miss You", baut sich zur eindringlichen Elektro-Pop-Hymne auf. Vieles hier ist zwar oft ein bisschen sehr shiny happy, aber dennoch kann die Platte verdammt viel Spaß machen. Am Ende klingt das ganze dann in etwa so, als würden es The Drums mit den Scissor Sisters auf dem Hinterhof der Pet Shop Boys treiben. Aber was zum Teufel könnte daran schon schlecht sein?

Besprochen: KELLY ROWLAND - "HERE I AM"

2011-07-25T11:52:00.004+02:00

Lang hat sie dafür gebraucht, doch nun ist Kelly Rowland's 3. Album fertig. Und es ist gar nicht mal so gut.

Als ein (ehemaliges) Destiny's Child hat man es schon nicht leicht: So wurden Michelle Williams und Kelly Rowland doch sowohl in der Band, als auch Solo von Beyoncé Knowles stets weit in den Hintergrund gedrängt. Zwar lieferten ihre beiden Exkolleginnen manch handwerklich durchaus gelungenes Material ab, aber sie konnten ihr stimmlich als auch charakteristisch nunmal nicht das Wasser reichen. Und da in den Jahren nach Destiny's Child mit Rihanna oder Lady Gaga, nun auch andere Sternchen am Pop-Himmel aufleuchteten, die den eh bislang nur schwachen Glanz der Kelly Rowland vollends zu überstrahlen drohten, musste die Dame sich etwas einfallen lassen. Ursprünglich war "Here I Am", das dritte Album Rowland's, schon für 2010 geplant, als auch die erste Single "Commander" (♪♫♪) veröffentlicht wurde - ein etwas dröger Dance-Pop-Bastard, der so stumpf ist, dass er im Grunde schon fast wieder originell klingt. Doch die darauf folgenden Singles wie "Rose Coloured Glass" oder "Forever And A Day", die ebenfalls den vorgegebenen Dance-Kurs weiter verfolgten, konnten allerdings keine großen Erfolge verbuchen. Das Ende des konfusen Produktions-Wirrwarrs, führte dann in einen künstlerischen Spagat, der in seiner musikalischen Anbiederung fast schon beispiellos ist. So handelt es sich hier laut Recherche um die US-Version des Albums, dass stärker auf RnB- und HipHop-Einflüssen basiert, und (mit Ausnahme von "Commander") keine der bereits erwähnten Singles enthält. Als nächste offizielle US-Single gab es dann "Motivation" (♪♫♪), einen netten aber nicht gerade außergewöhnlichen RnB-Standard. Und der soll dann auch relativ stellvertretend für den Rest des Albums sein. Sicher, es wird nicht oft so nervtötend wie im stressigen und ziemlich arg peinlichen Opener "I'm Dat Chick" (♪♫♪), bei dem es schon reicht, sich nur den Titel mal auf der Zunge zergehen zu lassen. RnB-Schleicher wie "All Of The Night" (♪♫♪), oder dancigere Stücke wie "Turn It Up" (♪♫♪) und "Lay It On Me" (♪♫♪) können durchaus ihre Momente haben. Das gesamte Material bleibt aber zu gesichts- und identitätslos, um in irgendeiner Weise einen bleibenden Eindruck zu hinterlassen. Aber immerhin eine mehrheitlich gefällige und harmlose RnB-Platte - denn die sprechen in den USA ja eine erschreckend große Käuferschicht an. Laut Recherchen soll später (wann genau ist noch unklar) für den Rest der Welt eine separate International-Edition erscheinen, die den Schwerpunkt auf Dance legt. Und somit auch den europäischen Markt abgedeckt hätte, bei dem in Sachen Dance im Moment ja eine Menge geht. Ziemlich dreist, aber vielleicht auch noch eine zweite Chance: Nach der mehr als mageren US-Version, bleibt nun wenigstens noch ein Funken Hoffnung.